Musique

Groupe de Musique

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:59:23 GMT

Warner le Groupe de Musique a aussi un bras de publication, Warner/Chappell la Musique, qui date de 1929, quand Jack Warner, le président d'Images de Warner bros. Inc., l'Holding d'Éditeurs de Musique fondée ("MPHC”) pour acquérir des droits d'auteur de musique comme le moyen de fournir la musique peu coûteuse pour des films. Parmi les compositions historiques dans lesquelles les droits de publication sont contrôlés par WMG sont les travaux de Porteur Cole, Richard Rodgers et Lorenz Hart. Son opération de musique imprimée, Warner Bros. des Publications, a été vendue à Alfred Publishing sur 2005-06-01.

Histoire

Les racines du WMG'S dans ce qui est devenu Time Warner datent de la fondation de Rapports de Warner bros. comme une division du studio de film de Warner bros. en 1958, dans la réaction à un de ses acteurs contractés, le Chasseur d'Étiquette marquant un coup pour des Rapports Pointés, une division d'Images Primordiales. En 1963, le Warner bros. a acheté des Rapports de Reprise, fondés par Frank Sinatra 3 ans plus tôt pour qu'il puisse avoir le contrôle plus créateur de ses enregistrements. La reprise a été fonctionnée dans la conjonction avec WBR.

Après que le Warner bros. a été vendu à Sept Productions d'Arts en 1967 (formant Warner Bros. Sept Arts), il a acheté des Rapports Atlantiques, maintenant l'étiquette la plus vieille du WMG'S. Pendant les 2 ans suivants, l'Atlantique et son étiquette subsidiaire Atco des Rapports ont été fonctionnés séparément de WBR et la Reprise.

En 1969, Warner Bros. Sept Arts a été vendu à la Société nationale Kinney. Kinney (plus tard pour être connu comme Warner des Communications) a combiné les opérations de toutes ses étiquettes record. L'année suivante, Kinney Elektra Records achetée et sa soeur étiquette des Rapports de Chose sans pareille et assemblé les étiquettes dans un groupe connu comme Warner-Elektra-Atlantic, aussi appelé WEA pour le Groupe de Musique court, ou Warner. Le nom de WEA a été aussi utilisé comme une étiquette à l'extérieur des Etats-Unis.

Au milieu des années 1970, WEA étendu en achetant Rapports d'Asile et Rapports de Père. L'ancien a été fusionné avec Elektra pour former l'Elektra-asile, quoique les noms séparés soient toujours utilisés aussi. Le dernier est devenu une sous-étiquette de WBR en attendant.

Les étiquettes du WEA'S ont aussi distribué un certain nombre d'étiquettes autrement indépendantes. Par exemple, le Warner bros. a distribué Directement des Rapports, des Rapports Discrets, des Rapports Bizarres, Bearsville des Rapports et des Rapports de Geffen (le dernier a été vendu à MCA en 1990). Des rapports Atlantiques ont distribué des Rapports de Chanson de Cygne.

En 1987, il a été annoncé que des Communications Warner devaient se mêler avec Time Inc. pour former Time Warner, une transaction qui a été achevée en 1990.

L'Atlantique a commencé 2 nouvelles étiquettes de filiale au début des années 1990 - EastWest des Rapports (qui a absorbé des Rapports d'Atco) et des Rapports d'Interportée. L'ancien était postérieur absorbé dans Elektra et le dernier a été aussi vendu à MCA en 1995.

Time Warner a vendu à la société à la fin de 2003 à un groupe d'investisseurs menés par Edgar Bronfman, cadet pour 2.6 milliards de $. Time Warner essayait censément de réduire sa charge de dettes. Ce dérivé a été achevé le 27 février 2004. Dans la transition 2004 à la propriété indépendante, WMG l'homme de poids d'industrie record embauché Lyor Cohen du Groupe de Musique Universel (le successeur de MCA) pour essayer pour réduire le coût et l'exécution d'augmentation.

Le logo actuel du WMG'S est l'ancien logo de Communications Warner.
Tandis qu'il y a les types différents de chefs de tambour et certains d'entre eux sont spécifiquement faits pour durer plus long, l'idée générale quant "à quand est exactement le temps pour remplacer des chefs de tambour" des séjours le même. Le tambour est à la tête de la durée de vie (de fonctionnement) dépend surtout, mais non entièrement sur le batteur lui-même, - le niveau d'attaque le batteur donne en caressant des chefs de tambour.
- "L'Horizon, mes tambours semblaient fantastiques juste il y a quelques semaines et maintenant ils semblent juste mauvais. N'importe quelle idée ce qui est arrivé à ce grand son j'avait ?"

Bien, d'abord je supposerai que vous accordez vraiment vos tambours comme nécessaire et que toutes les tiges de tension n'ont pas soudainement décompté. Ainsi, je soupçonnerais que quelques chefs de tambour ont maintenant besoin du remplacement.

Le tambour est à la tête, comme des cordes de guitare, ne doit pas se casser pour avoir besoin du remplacement. Comme des cordes de guitare, ils doivent être remplacés quand ils ne tiendront pas de réglages d'accord et la résonance dans parti. Vos oreilles devraient vous dire "hé que cela ne semble pas bon désormais". Plus, plusieurs fois, les chefs de tambour ne se sentiront pas bien désormais non plus. Hé vous l'animal de rock 'n' roll, ils vous usez juste .

Les variables les plus communes pour quand remplacer vos chefs de tambour incluent :
Combien de fois vous jouez ?
Comment durement vous jouez ?
Quel genre de chefs vous utilisez ?

La première tête à continuer mon jeu est toujours le tambour de piège battent. Cela obtient juste beaucoup de coups durs et parce que j'aime le son d'un pli simple couvert battent sur mes tambours de piège, cette sorte de tête ne va pas durer tant que quelques autres chefs pourraient. Maintenant, je pourrais acheter d'autres types de chefs avec plus de durée mais ils n'ont pas le son et estiment que je préfère. Comme le joueur de guitare pourrait utiliser des cordes de jauge plus lourdes, mais ils sentiraient et joueraient comme des câbles d'acier à ses doigts. Est c'est que "un sens contre la durée" la décision que seulement vous pouvez faire pour vos chefs de batterie.

Il y a un essai simple pour voir juste combien d'usure votre tambour de piège bat la tête obtient après juste un cabriolet. À la fin de l'exposition, le prend juste la précédemment "nouvelle" tête d'et le regarde. Y a-t-il tas de bosselures ? Est le milieu “caved dans” assez profondément ? S'il est vraiment bosselé en haut ou s'il a une grande tache "de cratère" au milieu, donc il l'a eu. Quelques batteurs peuvent passer plusieurs fonctionnement sans changer le piège bat des chefs. Un certain les changent sont chaque cabriolet. J'obtiens typiquement environ trois expositions d'un.

Je change d'habitude les chefs de fond de piège de chaque cinquième battent la tête. Vous pouvez éprouver un cycle de remplacement différent. Cependant, les chefs de fond font vraiment de l'usage des vibrations de piège constantes et vous seriez stupéfiés de juste combien de tête de fond de piège morte tue absolument le votre son de tambour de piège.

Ainsi comment me souviens-je si je suis sur le deuxième bats la tête ou le cinquième ? L'homme, je ne peux pas vraiment. Je joue des tambours de piège différents pour le fonctionnement différent donc je ne me souviens pas vraiment . Je dois écrire le numéro sur la tête. Ce que je fais est écrivent le numéro "de changement" (1, 2, 3, 4, ou 5 ET la date) sur le cercle inverse de la tête avec un stylo de Filou. Quand j'arrive à nouveau battent le numéro "4" principal, je sais que l'achat de tête de tambour suivant doit inclure une tête de piège de fond aussi. J'écris que la date sur le fond de piège se dirige vers la référence future aussi.

Maintenant, selon les mêmes variables mentionnées ci-dessus, Tom tom bat des chefs et le tambour de basse bat des chefs, à un certain point, commencera à se sentir mystérieux et se sonneront moins que désirable. Cela devrait le signal le remplacement possible.

Des chefs résonantes sur toms dernier beaucoup plus long que le fond de tambour de piège sont à la tête parce qu'ils n'ont pas les pièges de fil sur eux, mais ils font fera la fatigue à un certain point. Ils aussi, devront être inclus dans votre arrangement de cycle de remplacement unique propre.

Le 5 mai 2006, WMG a apparemment rejeté une offre de rachat d'EMI [1]. Alors WMG a offert d'acheter EMI et il a aussi rejeté l'offre. Les deux sociétés sont toujours aux pourparlers d'une fusion potentielle. Le quartier général est placé à 1290 Avenue des Amériques, New York, NEW YORK 10104. Il est intéressant de noter que Time Warner peut toujours avoir une certaine propriété de musique Warner parce que WMG ne donne pas une licence à ses marques déposées de son ancienne société mère. [Vérification nécessaire]

Récemment, WMG a acquis Rykodisc (à la maison du catalogue de Frank Zappa) et des Rapports de Roadrunner.

Liste d'étiquettes de Warner

Warner les étiquettes du Groupe de Musique incluent le suivant. Il devrait être noté que quelques étiquettes sont en réalité les divisions d'autres étiquettes que dans l'ordre inscrit; cet ordre reflète l'ordre actuel de l'administration de chaque étiquette.

L'Atlantique Enregistre Groupe

* 143 Rapports - fondé en 1994 par David Foster.
* Rapports Atlantiques - fondé en 1947 par Ahmet Ertegün et Herb Abramson.
* Le mauvais Garçon Enregistre - fondé en 1993 par Sean "Diddy" des Peignes.
* Elektra Records - fondé en 1950 par Jac Holzman.
* Rapports de Lave - fondé en 1995 par Jason Flom
* Roadrunner Rapports - fondé en 1980 par Cees Wessels.

Groupe d'Étiquette Indépendant

* Rapports d'Asile - fondé en 1971 par David Geffen.
* Des rapports Est D'ouest - fondé en 1955 (servent aujourd'hui d'une étiquette de parapluie pour des étiquettes d'indépendant diverses.)
      O Adeline Records
      O Regardant Mieux Rapports
      O l'Étiquette de Bevonshire
      O Rapports Nés et Élevés
      O anglais Cassé
      O Rapports de Vanne
      O Liberté et Se lamentent
      O Montalban Hôtel
      O Un Onze Rapports
      O Perfect Game Recording Co.
      O Exposition de Tente
      O Rapports de Couronne Triples
      O Volcom Divertissement
      O Nous Lancé Rapports
      O Rhymesayers Divertissement
* Onze : une Société de Musique

Société de Divertissement de Rhinocéros

* Atco Rapports
* Rapports de Rhinocéros
* Rhinocéros Vidéo Domestique
* Warner Produits Douaniers
* Warner Bandes sonores de Groupe de Musique
* WMG Film, Télévision et Licenciation Commerciale
O Warner Marketing Stratégique (warner.esp)

Société Ryko

* Rykodisc Rapports
* Ryko Distribution
* Enregistrements À piles

Le Warner bros. Enregistre Inc.

* Rapports de Warner bros. - lancé par Warner Bros. Images en 1958.
* Le forgeron Enregistre - fondé par Talib Kweli en 2005.
* Le dissident Enregistre - fondé par Freddy DeMann et la Madone en 1991.
* Les rapports de Chose sans pareille - fondé par Jac Holzman en 1964 (mais sont techniquement une filiale d'Elektra Records à cause de son préfixe d'UPC).
* Rapports de Reprise - fondé par Frank Sinatra en 1960
* Rapports de Champignon de Festival - lancé de Rapports de Festival et Rapports de Champignon en 1998.
* RuffNation Rapports
* Le père Enregistre - fondé par Seymour Stein en 1966.
* Divertissement de Mot
      O Divertissement de Strabisme
      O Groupe d'Étiquette de Mot
      O Rapports de Mot - fondé par Jarrell McCracken en 1951
      O Publication de Mot
      O Distribution de Mot
      O Musique de Mot

WEA International Inc .

WEA International Inc a des divisions dans le monde entier comme l'Australie, le Japon et partout l'Europe. Ces branches sont d'habitude appelées la Musique Warner suivie par le nom du pays. Quelques étiquettes ont plus qu'une maison de disques par exemple le ROYAUME-UNI a le Warner bros. le ROYAUME-UNI et l'Atlantique le ROYAUME-UNI.

* Warner Musique le ROYAUME-UNI
      O Warner Bros. Enregistre le ROYAUME-UNI
      O l'Atlantique Enregistre le ROYAUME-UNI
      O Rapports de Londres (à l'origine l'étiquette américaine pour Decca)
      O 679 Enregistrements
* Warner Musique Gallo l'Afrique
      O Gallo Maison de disques - la plus grande étiquette record sud-africaine
* 1967 Ltd
      O Doit Détruire des Rapports (la distribution)
      O les Coups (étiquette l'affaire)
      O Warner Marketing Stratégique (warner.esp)

Étiquettes distribuées par Groupe de Musique Warner par Alliance de Distribution Alternative

* Chiyun Rapports
* Rapports Vice-
* Divertissement d'Année-lumière
* Sub Coup sec
* Nouveaux Rapports de Ligne
* Rapports d'étiquette verts
* SaraBellum Rapports
* VMG Enregistrements
* Teleprompt Rapports
* Rhymesayers Divertissement

Futilités

* Warner le Groupe de Musique est le seul des Quatre Grands groupes d'étiquette qui ne trace pas ses racines en arrière aux pré 1900 étiquettes des Rapports de Colombie et le Phonographe de Berlinois. Les licenciés britanniques de Ces étiquettes américaines se sont mêlés pour devenir EMI en 1931. Alors, en 2004, les successeurs des étiquettes originales fusionnées pour former Sony BMG le Divertissement de Musique. Le groupe de Musique Universel l'étiquette la plus vieille, Grammophon Allemand, a été fondé en 1898 comme le licencié allemand de Phonographe de Berlinois. Au contraire, les étiquettes principales de tout le WMG'S ont été fondées après la Deuxième Guerre mondiale.
* Warner le Groupe de Musique est aussi le seul des Quatre Grands groupes d'étiquette qui n'a pas de liaison substantielle à la propriété européenne. EMI est basé à Londres, Sony BMG est appartenant à demi Bertelsmann (headquarted en Allemagne) et le Groupe de Musique Universel est 100 % appartenant à Vivendi SA (basé à Paris)

Groupe de Musique Universel (UMG, aiemmin MCA Divertissement de Musique) sur yksi ää nitetuotannon neljäst ä suuresta yhti ö Rue ä 23 prosentin markkinaosuudellaan. Yhti ö N omistaa ranskalainen Vivendi (entinen Vivendi Universel) ja sénateur tunnetuimpia artisteja ovat muun muassa Bon Jovi, Aerosmith, Mariah Carey, Eminem, Luciano Pavarotti ja U2. Yhti ö Omistaa mon ö S yhden maailman suurimmista musiikkikustantamoista Musique Universelle Publiant Groupin.

"La musique Universelle" oli alun perin prélève-yhti ö, joka liittyi des Images Universelles-elokuvastudioon. Sénateur historia sur pitk ä ja monimutkainen, mutta nykyinen organisaatio muodostettiin kun sénateur omistaja Seagram osti PolyGramin ja fuusioi sénateur UMG:hen vuonna 1998. Seagram myi sittemmin UMG:n Vivendille.

[muokkaa] Levymerkit

UMG omistaa suuren joukon levymerkkej ä, muun muassa :

* A*M Rapports
* Barclay Records
* Decca Rapports
* Grammophon Allemand
* Dreamworks Rapports
* Geffen Rapports
* Rapports de Hollywood (USA:ssa ja Kanadassa)
* Rapports d'Interportée
* Île Def Rapports d'Embouteillage
* Rapports d'Île
* Def Embouteillage
* Jazzland Rapports
* Rapports de Chaussée Perdus
* MCA Nashville Rapports
* Mercure Nashville Rapports
* Rapports de Mercure
* Rapports de Musique du Moteur
* Nhi Rapports
* Polydor
* Rapports de Philips
* RMM Rapports
* Rapports de Stockholm
* Groupe de Classiques Universel
* Motown Records universelle Groupe
* Groupe de Musique Universel Nashville
* Rapports Universels
* Rapports Universels du Sud
* Blackground Rapports
* Motown Records
* La république Rapports
* Rapports d'Argent Liquides
* Mauvais Garçon Enregistre
* Casablanca Rapports
* Rue Enregistre Société
* Rapports Urbains
* Rapports de Verve
* Spinefarm Rapports

Guitare

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:58:44 GMT

La guitare est un instrument de musique avec les racines antiques qui est utilisé dans une large variété de styles musicaux. Il a typiquement six cordes, mais quatre, sept, huit, dix et douze guitares de corde existent aussi .

Les guitares sont reconnues comme un des instruments primaires dans le blues, le pays, le flamenco, la musique rock et beaucoup de formes de population Il y a aussi un solo l'instrument classique. Les guitares peuvent être jouées à l'aide de l'acoustique, où le ton est produit par la vibration des cordes et modulé par le corps creux, ou ils peuvent compter sur un amplificateur qui peut électroniquement manipuler le ton. De telles guitares électriques ont été présentées au 20ème siècle et continuent à avoir une influence profonde sur la culture populaire.

Traditionnellement les guitares étaient d'habitude construites des combinaisons de bois divers et tendues avec le boyau animal, ou plus récemment, avec le nylon ou avec cordes d'acier. Les guitares sont faites et réparées par luthiers.

Histoire
Figurines jouant tanburs. Creusé dans Susa, Elam, maintenant l'Iran. Daté 2000-1500 av. J.-C tenu au Musée national de l'Iran.

Avant le développement de la guitare électrique et l'utilisation de matériels synthétiques, une guitare a été définie comme étant un ayant d'instrument "un cou long, tourmenté, soundboard en bois plat, des nervures et un appartement en arrière, le plus souvent avec des côtés incurvés". [1] les Instruments semblables à la guitare ont été populaires pendant au moins 5,000 ans. La guitare semble être tirée d'instruments précédents connus en Inde antique et l'Asie Centrale comme le Sitara. Le plus vieux connu iconographic la représentation d'un instrument montrant toutes les fonctions essentielles d'une guitare étant jouée est une taille de pierre de 3300 ans d'un barde Hittite. [2] le mot moderne, la guitare, a été adopté en anglais de l'espagnol guitarra, tiré du mot latin cithara, qui a à son tour été tiré du mot grec précédent kithara, qui provient peut-être de sihtar persan [3]. Sihtar lui-même est rapproché de l'instrument indien, le sitar.
Illustration d'un Carolingien Psalter du 9ème siècle, montrant un instrument pincé Semblable à la guitare.

La guitare moderne est descendue de cithara romain apporté par les Romains à Hispania autour 40 ap J.-C. et adaptée plus loin et développée avec l'arrivée d'oud à quatre cordes, apportée par les Landes après leur invasion de la Péninsule Ibérique pendant le 8ème siècle ap J.-C.. [4] Ailleurs en Europe, lut scandinave à six cordes indigène (lute), avait tiré profit dans la popularité dans les secteurs d'incursions Vikings à travers le continent. Souvent dépeint dans des tailles c.800 ap J.-C., le héros nordique Gunther (aussi connu comme Gunnar), a joué un luté avec ses orteils comme il a mis la mort dans une fosse de serpent, dans la légende de Siegfried. [5] Par 1200 ap J.-C., la quatre corde "la guitare" s'était développée dans deux types : le guitarra morisca (la guitare Maure) qui avait une arrière, large touche arrondie et plusieurs soundholes et le guitarra latina (la guitare latine) qui a ressemblé à la guitare moderne avec un soundhole et un cou plus étroit. [6]
Le joueur de guitare (c. 1672), par Johannes Vermeer

L'espagnol vihuela ou "l'alto da mano", un instrument semblable à la guitare du 16ème siècle, semble être une aberration dans la transition de l'instrument de renaissance à la guitare moderne. Il avait le réglage d'accord de luter-style et un corps semblable à la guitare. Sa construction avait autant en commun avec la guitare moderne qu'avec sa guitare de renaissance à quatre cours contemporaine. Le vihuela a aimé seulement une période courte de popularité; la dernière publication de survie de musique pour l'instrument a apparu dans 1576. Il n'est pas clair s'il a représenté une forme transitoire ou était simplement une conception qui a combiné les fonctions de l'arabe oud et l'Européen lute. En faveur de la dernière vue, on peut voir la réorganisation du vihuela dans une forme semblable à la guitare comme une stratégie de différencier l'Européen lute visuellement d'oud Maure.

On connaît la famille Vinaccia de luthiers pour développer la mandoline et peut avoir construit la six guitare de corde existante la plus première. Gaetano Vinaccia (1759 - après 1831) [7] a sa signature sur l'étiquette d'une guitare construite à Naples, l'Italie pour six cordes avec la date de 1779. [8] [9] Cette guitare a été examinée et ne montre pas les signes de conte grand de modifications d'une guitare de cours double bien que l'on connaisse que des articles truqué existent de guitares et des étiquettes identifiantes de cette période.

Les dimensions modernes de l'instrument classique ont été établies par Antonio Torres Jurado (1817-1892), travaillant dans le Séville dans les années 1850. Les sommets de roche et Louis Panormo de Londres (les années 1840 d'années 1820 actives) étaient les deux responsables de démontrer la supériorité de supporter strutting sur le renforçant de table transversal. [10]

La guitare électrique a été faite breveter par George Beauchamp en 1936. Beauchamp a co-fondé Rickenbacher qui a utilisé le chargement d'aimant de fer à cheval. Cependant, c'était Danelectro qui a d'abord produit des guitares électriques pour le public plus large.

Une clef pour notre but est une liasse des cordes liées qui semblent bonnes ensemble. Si vous jouez déjà la guitare vous pouvez avoir remarqué qu'une chanson qui commence par des cordes C va très probablement avoir F et des cordes G avec cela et peut-être un Sont la corde aussi. Cela nous dit que la chanson est dans la clef de C, non tellement parce que la chanson commence sur C, mais parce que si le rapport des cordes, si la chanson commencée sur la corde F c'est toujours dans la Clef de C. un autre exemple serait une chanson avec G C D et peut-être Em, cette chanson serait dans la clef de G à cause du rapport des cordes.

Utilisons l'échelle Principale C comme il convient au but le mieux.
C Échelle Principale : C D E F G un B C
Degrés d'Échelle : 1 2 3 4 5 6 7 8
Chiffres romains : je II III IV V VI VII VIII

Toutes les cordes principales sont composées des 1e, 3ème et 5ème degrés d'une échelle. Cela nous donnerait dans la Clef de C : C E G Cela connaît comme une triade tonifiante. Le C est la note de racine de l'échelle et de la corde. C'est aussi la note tonifiante. C E G est une triade tonifiante principale C. 'Tonifiant' puisqu'il a le C comme la première note et 'la triade' puisqu'il y a trois (tri) des notes.

Quand nous parlons de cordes construites sur les degrés différents d'une échelle nous utilisons des Chiffres romains.

Les cordes de sondage les plus importantes et les meilleures qui s'harmonisent avec l'échelle Principale C sont les cordes qui sont construites sur les IV et les degrés V de cette échelle. Cela nous donne des cordes construites sur F (IV) et G (V).

Une triade de corde/tonifiant construite sur les IV c'est-à-dire. F serait F un C (F un C étant les 1e, 3ème et 5ème degrés d'une échelle de F) la triade de corde/tonifiant serait une corde Principale F. Une triade de corde/tonifiant construite sur le V c'est-à-dire. G serait G B D (G B D étant les 1e, 3ème et 5ème degrés de l'échelle de G) la triade de corde/tonifiant serait une corde Principale G.

La raison ces deux cordes conviennent si à C est qu'ils tous les deux ont des notes en commun avec la corde Principale C. F (IV) a la note C dans commun et G (V) a la note de G dans commun. Ces notes communes font les changements entre les cordes agréables à écouter. Tant les IV que V sont des cordes principales.
La corde suivante la plus probable à être utilisée est celui qui est construit sur le VI degré c'est-à-dire. Un et le 1e 3ème 5ème d'une échelle est un C * E, bien nous ne devrions pas y avoir un C * dans un comme il n'y a pas de C * dans l'échelle de C. Le C * doit devenir un C et serait Alors un C E et c'est une corde mineure. Ainsi dans n'importe quelle clef, une corde construite à VI de l'échelle doit être une corde mineure. Cela suit avec toutes les cordes construites sur les notes d'une échelle, ils doivent se conformer à l'échelle de C.

Toutes les cordes que nous voulons jouer dans une clef devraient être construites sur les notes de cette échelle. Cela s'applique à n'importe quelle clef dans laquelle nous jouons c'est-à-dire dans la clef d'un nous utilisons seulement les notes d'une échelle. Dans la clef de G seulement les notes de l'échelle de G.

Ci-dessous est un diagramme avec l'échelle principale C et les cordes différentes qui peuvent être construites sur chaque degré de l'échelle, la note trouvée dans chaque corde et le type de corde.

Toutes les autres Clefs ont la même association de cordes c'est-à-dire les II, III et VI devraient toujours être des mineurs. Les VII seront toujours b5 mineur.
Ce n'est pas l'élément essentiel que cette méthode être utilisé et beaucoup de chansons a été écrite utilisant n'importe quelles cordes que l'auteur aime.
Il nous donne vraiment cependant la théorie derrière les cordes compatibles qui peuvent être utilisées comme des cordes complémentaires ou passantes dans une chanson.

Cordes construites sur les degrés d'échelle

Degré d'Échelle Type de Corde de Triade Tonifiant

C je C E G C (Principal)

D II D F un Dm (Mineur)

E III E G B Em (Mineur)

F IV F un C F (Principal)

G V G B D G (Principal)

Les VI un C E Sont (Mineurs)

B VII B D F Bmb5 (b5 Mineur)

C VIII C E G C (Principal)
Les types de guitare

Les guitares peuvent être divisées dans deux larges catégories, acoustiques et électriques :

Guitares acoustiques

Une guitare acoustique est un pas dépendant d'un dispositif externe à être entendu. La guitare acoustique est plus tranquille que d'autres instruments généralement trouvés dans des bandes et des orchestres si en jouant dans de tels groupes il est souvent extérieurement amplifié. Beaucoup de guitares acoustiques disponibles montrent aujourd'hui une variété des chargements qui permettent au joueur d'amplifier et modifier le son de guitare cru.

Il y a plusieurs sous-catégories notables dans le groupe de guitare acoustique : classique et guitares de flamenco; des guitares de corde d'acier, qui incluent la coupe à la brosse ou la guitare "populaire"; douze guitares de corde et la guitare de sommet d'arc. Le groupe de guitare acoustique inclut aussi des guitares non amplifiées conçues pour jouer dans des enregistreurs différents comme la guitare basse acoustique qui a un réglage d'accord semblable à celui de la guitare basse électrique.

Renaissance et guitares Baroques
Ceux-ci sont les ancêtres gracile de la guitare classique moderne. Ils sont considérablement plus petits et plus délicats que la guitare classique et produisent un son beaucoup plus tranquille. Les cordes sont appareillées dans des cours comme dans une 12 guitare de corde moderne, mais ils ont seulement quatre ou cinq cours de cordes plutôt que six. Ils étaient plus souvent utilisés comme des instruments de rythme dans des ensembles que comme des instruments de solo et peuvent souvent voir dans ce rôle dans le premier fonctionnement de musique. (Gaspar Sanz ' Instrucci ó N du M ú Sica sobre Guitarra la Espa ñ Ola de 1674 constitue la majorité du corpus de solo survivant pendant l'ère.) la Renaissance et des guitares Baroques sont facilement distingués parce que la guitare de Renaissance est très plate et la guitare Baroque est très ornée, avec des incrustations partout le cou et le corps et un disjoncteur de papier inversée "le gâteau de noces" à l'intérieur du trou.

Guitares classiques
Ceux-ci sont typiquement tendus avec des cordes de nylon, joués dans une position assise et sont utilisés pour jouer une diversité de styles musicaux incluant la musique classique. La guitare classique est conçue pour tenir compte de l'exécution de solo les dispositions polyphoniques de musique dans la façon presque le même comme le pianoforte peut. C'est le point principal de différence dans l'intention de conception entre l'instrument classique et d'autres conceptions de guitare. Les guitares de flamenco sont très semblables dans la construction, mais sont associées à un ton plus percutant. Au Mexique, la bande mariachi populaire inclut une gamme de guitares, de requinto minuscule au guitarron, une guitare plus grand qu'un violoncelle, qui est accordé dans le registre de basse. En Colombie, le quartette traditionnel inclut une gamme d'instruments aussi, de petit bandola (parfois connu comme le Deleuze-Guattari, pour l'utilisation en voyageant ou dans des pièces enfermées ou des espaces), à légèrement plus grand tiple, la guitare classique complètement de taille. Le requinto apparaît aussi dans d'autres pays latino-américains comme un membre complémentaire de la famille de guitare, avec sa taille plus petite et échelle, permettant plus de projection pour le jeu de mélodies simples-alignées. Les dimensions modernes de l'instrument classique ont été établies par Antonio Torres Jurado (1817-1892). Des guitares classiques sont parfois mentionnées comme des guitares classiques.

Guitare portugaise
La guitare portugaise est une 12 guitare de corde utilisée au Portugal pour la chanson Fado traditionnelle. Ses vraies origines sont quelque peu incertaines, mais il y a un accord général qu'il retourne à la période médiévale. Il est souvent par erreur pensé pour être basé sur le prétendu "la guitare anglaise" - une erreur commune comme il n'y a aucune telle chose. Pour quelque temps les meilleurs instruments de cela et d'autres types ont été faits en Angleterre, de là la confusion. "La guitare anglaise" attribue à une norme de qualité, non vraiment un type d'instrument. Cet instrument particulier est le plus probable un fusionné de "cistre" médiéval ou "citar" et l'arabe lute.

Porte-avions (corde d'acier) guitares
Semblable à la guitare classique, cependant, dans les tailles diverses de la guitare d'acier-à-cordes la taille de corps est d'habitude significativement plus grande qu'une guitare classique et il a un cou plus étroit, renforcé et une conception structurelle plus forte. Cela permet à l'instrument de résister à la tension complémentaire de cordes d'acier. Les cordes d'acier produisent un ton plus brillant et selon beaucoup de joueurs, un son plus fort. La guitare acoustique est utilisée dans beaucoup de sortes de musique incluant des gens, le pays, bluegrass, le coup sec, le jazz et le blues.

Archtop guitares
Ceux-ci sont les instruments de corde d'acier qui montrent une conception de f-trou inspirée de violon dans laquelle le sommet (et souvent le dos) de l'instrument est taillé dans un courbé plutôt qu'une forme plate. Lloyd Loar de la Société de Guitare Gibson a inventé cette variation de guitare après la conception d'un style de mandoline du même type. Archtop typique est une guitare de corps profonde, creuse dont la forme ressemble à beaucoup celui d'une mandoline ou un instrument de famille de violon et peut être acoustique ou électrique. Un certain corps solide on considère aussi des guitares électriques archtop des guitares bien que d'habitude ' Archtop la guitare ' se réfèrent à la forme de corps creuse. Archtop des guitares ont été immédiatement adopté à leur sortie tant par le jazz que par des musiciens de pays et sont resté particulièrement populaire dans la musique de jazz, d'habitude avec des cordes de flatwound. Le corps semi-creux électrique archtop la guitare a un son distinct parmi des guitares électriques et est par conséquent approprié à beaucoup de styles de musique pop. Beaucoup de guitares archtop électriques destinées pour l'utilisation dans le rock 'n' roll ont un Bras Tremolo.

Ellis 8 baryton de corde tricone guitare de résonateur.

Résonateur, resophonic ou guitares Dobro
Semblable à la guitare de coupe à la brosse en apparence, le son de la guitare de résonateur est produit par un résonateur de métal monté au milieu du sommet. Le principe physique de la guitare est donc semblable au banjo. Le but original du résonateur était d'amplifier le son de la guitare. Ce but a été en grande partie remplacé par l'amplification électrique, mais la guitare de résonateur est toujours jouée à cause de son son distinctif.

Les guitares de résonateur peuvent avoir un cône de résonateur ou trois cônes de résonateur. Des résonateurs à trois cônes ont deux cônes à gauche au-dessus de l'un l'autre et un cône immédiatement à droite. La méthode de transmettre la résonance du son au cône est pont "de biscuit", fait d'un petit morceau de bois dur, ou un pont "d'araignée", fait de métal et plus grande dans la taille. Des résonateurs à trois cônes utilisent toujours un pont d'araignée spécialisé de métal.

Le type de guitare de résonateur avec un cou avec une à travers section carrée - appelé "le cou carré" - est d'habitude fait grand bruit le visage, sur les genoux du joueur assis et souvent avec une diapositive de métal ou de verre. Les guitares de résonateur de cou rondes sont normalement jouées de la même façon autres guitares, bien que les diapositives soient aussi souvent utilisées, particulièrement dans le blues.

12 guitares de corde
La douze guitare de corde a d'habitude des cordes d'acier et est largement utilisée dans la musique folklorique, le blues et le rock 'n' roll. Plutôt qu'avoir seulement six cordes, la guitare à 12 cordes a six cours composés de deux cordes chacun, comme une mandoline ou luter. Les deux cours les plus hauts sont accordés à l'unisson, tandis que les autres sont accordés dans des octaves. La guitare à 12 cordes est aussi faite en formes électriques.

Guitares russes
Ceux-ci sont sept tendent les guitares acoustiques qui étaient la norme pour des guitaristes russes partout dans le 19ème et bien dans les 20ème siècles. La guitare est traditionnellement accordée à un réglage d'accord principal G ouvert.

Guitares basse acoustiques
Ayez des cordes d'acier ou étripez des cordes et souvent le même réglage d'accord qu'une guitare basse électrique.

Guitares de ténor
Il y a l'information très peu détaillée de fond sur des guitares de ténor sur l'Internet. Un certain nombre de guitaristes classiques appellent la guitare principale Niibori "une Guitare de Ténor" en raison du fait qu'il est assis dans le lancement entre l'alto et la basse. Ailleurs [la citation nécessaire] le nom est pris pour une guitare à 4 cordes avec une longueur d'échelle de 23 "(585 millimètres) - du même comme une Guitare Terz. La guitare de ténor est accordée dans fifths, C G D A, comme est le banjo de ténor et le violoncelle. C'est généralement admis [la citation nécessaire] que la guitare de ténor a été créée pour permettre à un joueur de banjo de ténor de suivre la mode comme il s'est développé du Jazz de Dixieland vers le Jazz plus progressif qui a montré la guitare. Il permet à un joueur de banjo de ténor de fournir une section de rythme à base de guitare peu pour apprendre. Une petite minorité de joueurs a de près accordé l'instrument à D G B E pour produire un instrument profond qui pourrait être joué avec les formes de corde à 4 notes trouvées sur les 4 premières cordes de la guitare ou de l'ukulélé. Le lancement profond garantit les cordes larges-espacées que le réglage d'accord de banjo permet et le ténor accordé proche n'a pas le même plein, purifie le son.

Guitares de harpe
Les guitares de Harpe sont difficiles de classifier comme il y a beaucoup de variations dans ce type de guitare. Ils sont typiquement rares et rares dans la scène de musique populaire. Le plus consistez en guitare régulière, plus des cordes 'de harpe' complémentaires tendues au-dessus des six cordes normales. L'instrument est d'habitude acoustique et les cordes de harpe sont d'habitude accordées pour baisser des notes que les cordes de guitare, pour une gamme de basse supplémentaire. Normalement il n'y a ni touche, ni se tourmente derrière les cordes de harpe. Quelques guitares de harpe montrent aussi des cordes de lancement beaucoup plus hautes tendues au-dessous des cordes de guitare traditionnelles. Le numéro de cordes de harpe varie énormément, selon le type de guitare et aussi la préférence personnelle du joueur (comme ils étaient souvent faits à la spécification du joueur). [1] la guitare Pikasso; 4 cous, 2 ouïes, 42 cordes] et aussi la Harpe d'Oracle Sympitar; 24 cordes (avec 12 avancement de cordes compatissant par le cou) sont des exemples modernes.

Guitares de prolonger-gamme
Pour bien plus des guitares de siècle montrant sept, huit, neuf, dix ou plus cordes ont été utilisées par une minorité de guitaristes comme le moyen d'augmenter la gamme de lancement disponible au joueur. D'habitude, c'est les basses qui sont ajoutées. Des guitares classiques avec une gamme prolongée sont utiles pour le jeu lutent le répertoire, dont un peu a été écrit pour lute avec plus de six cours.

Guitare battente
Le battente est plus petit qu'une guitare classique, d'habitude jouée avec quatre ou cinq cordes de métal. Il est principalement utilisé dans Calabria (une région en Italie du sud) pour accompagner la voix.

Cet Amortisseur Stratocaster a des fonctions communes à beaucoup de guitares électriques : chargements multiples, une barre de manque de chance, volume et boutons de ton.
Cet Amortisseur Stratocaster a des fonctions communes à beaucoup de guitares électriques : chargements multiples, une barre de manque de chance, volume et boutons de ton.

Guitares électriques

guitare électrique

Des guitares électriques peuvent avoir des corps solides, semi-creux, ou creux et produire peu de son sans amplification. Des chargements électromagnétiques convertissent la vibration des cordes d'acier dans les signaux électriques qui sont alimentés à un amplificateur par un émetteur de radio ou un câble. Le son est fréquemment modifié par d'autres dispositifs électroniques ou l'altération naturelle de valves (des tubes à vide) dans l'amplificateur. Il y a deux types principaux de chargement : la bobine simple et la bobine double (connu comme humbuckers), dont chacun peut être passif ou actif. La guitare électrique est utilisée largement dans le jazz, le blues et le rock 'n' roll et a été commercialisée par Gibson ensemble avec Les Paul et indépendamment par Léo Fender de Musique d'Amortisseur. Plus bas fretboard l'action (la hauteur des cordes de la touche) et son amplification électrique prêtent la guitare électrique à quelques techniques qui sont moins fréquemment utilisées sur des guitares acoustiques. Ces techniques incluent l'utilisation découvrante, vaste de legato par la traction-offs et le marteau-ons (aussi connu comme des taches), pincent des harmoniques, des vallonnements de volume et l'utilisation d'un bras tremolo ou effectue des pédales.

Le corps solide à sept cordes on a popularisé des guitares électriques dans les années 1980 et les années 1990 dans la partie en raison de la sortie de la guitare d'Univers Ibanez, approuvé par Steve Vai. D'autres artistes vont un pas plus loin, en utilisant une 8 guitare de corde avec deux cordes basses supplémentaires. Bien que la 7 corde la plus commune ait une corde de B basse, Roger McGuinn (de Gloire Byrds/Rickenbacker) utilise à une octave G la corde appareillée avec l'habitué G la corde comme sur une 12 guitare de corde, lui permettant d'incorporer chiming 12 éléments de corde dans la norme 6 jeu de corde.

La guitare basse électrique est semblable dans le réglage d'accord à la viole de contrebasse traditionnelle. Les hybrides de guitares acoustiques et électriques sont aussi communs. Il y a aussi des variétés plus exotiques, comme des guitares avec deux, trois [11] ou rarement quatre cous, toute la façon de dispositions de corde supplémentaires, fretless des touches (utilisé presque exclusivement sur des guitares basse, a été censé imiter le son d'une basse debout), 5.1 entourent la guitare et tel.

Une certaine guitare électrique et des modèles de guitare basse électriques montrent des chargements Piézoélectriques, qui fonctionnent comme des capteurs pour fournir un son tout près de celui d'une guitare acoustique avec le donné un petit coup d'un commutateur ou d'un bouton, plutôt que commuter des guitares.

Construction de guitare et composants

1. Headstock
2. Noix
3. Chefs de machine (ou pegheads, accordant clefs, accordant machines, tuners)
4. Irritations
5. Tige de botte
6. Incrustations
7. Cou
8. Talon (acoustique ou espagnol) - Neckjoint (électrique)
9. Corps
10. Chargements
11. Électronique
12. Pont
13. Pickguard
14. En arrière
15. Soundboard (sommet)
16. Côtés de corps (nervures)
17. Ouïe, avec incrustation de Rosette
18. Cordes
19. Selle
20. Fretboard (ou Touche)

Général

Les guitares peuvent être construites pour satisfaire les demandes de joueurs tant gauches que droitiers. Traditionnellement la main dominante est assignée la tâche de pincement ou tapotant les cordes. Pour la majorité des gens cela entraîne l'utilisation de la main droite. C'est parce que l'expression musicale (la dynamique, l'expression tonale et la couleur etc) est en grande partie décidée par la main de pincement, pendant que la main se tourmentant est assignée la tâche mécanique moindre de diminution et la prise des cordes. C'est semblable à la convention de la famille de violon d'instruments où la main droite contrôle le salut. Une minorité, cependant, croit que les gens gauchers devraient apprendre à jouer des guitares tendues dans la façon utilisée par les gens droitiers, simplement standardiser l'instrument.

Headstock

Le headstock est placé à la fin du cou de guitare le plus loin du corps. Il est adapté avec les chefs de machine qui ajustent la tension des cordes, qui affecte à son tour le lancement. La disposition de tuner traditionnelle est "3+3" dans lequel chaque côté du headstock a trois tuners (comme sur Gibson Les Pauls). Dans cette disposition, le headstocks est généralement symétrique. Beaucoup de guitares montrent d'autres dispositions aussi, y compris à six en vigueur (montré sur l'Amortisseur Stratocasters) des tuners ou même "4+2" (l'Homme de Musique d'Ernie Ball). Cependant, quelques guitares (comme Steinbergers) n'ont pas headstocks du tout, dans le cas où les machines de réglage d'accord sont placées ailleurs, sur le corps ou le pont.

Noix

Noix (instrumentale)

La noix est une petite bande d'os, plastique, le laiton, corian, le graphite, l'acier inoxydable, ou d'autre matériel dur à moyen, au joint où le headstock rencontre le fretboard. Ses cannelures guident les cordes sur le fretboard, donnant le placement de corde latéral cohérent. C'est un des buts finaux de la longueur vibrante des cordes. Il doit être exactement coupé, ou il peut contribuer au réglage d'accord de problèmes dus pour tendre le patinage, et-ou le bourdonnement de corde.

Fretboard

Touche

Aussi appelé la touche, le fretboard est un bout de bois incorporé avec les irritations de métal qui comprennent le sommet du cou. C'est plat sur des guitares classiques et légèrement courbé en croix sur des guitares acoustiques et électriques. La courbure du fretboard est mesurée par le rayon fretboard, qui est le rayon de dont un cercle hypothétique la surface du fretboard's constitue un segment. Plus petit le rayon fretboard, plus remarquablement courbé le fretboard est. Les guitares les plus modernes montrent des 12 "le rayon de cou, tandis que des guitares plus vieilles de ' les années 60 et ' années 70 montrent d'habitude des 6" - 8 "le rayon de cou. Le pincement d'une corde contre le fretboard raccourcit efficacement la longueur vibrante de la corde, produisant un lancement plus haut. Fretboards est plus généralement fait de bois de rose, l'ébène, l'érable et fabriqué parfois ou des matériels composés comme HPL ou la résine. Voir ci-dessous sur la section ' le Cou "pour l'importance de la longueur du fretboard dans le rapport à d'autres dimensions de la guitare.

Irritations

Irritation

Les irritations sont des bandes de métal (d'habitude l'alliage de nickel ou l'acier inoxydable) incorporées le long du fretboard et placées aux points exacts qui divisent la longueur d'échelle conformément à une formule mathématique spécifique. L'appuyant d'une corde contre une irritation détermine la longueur vibrante des cordes et donc son lancement résultant. Le lancement de chaque irritation consécutive est défini à un intervalle de demi-pas sur la gamme chromatique. Les irritations portées en bas de la lourde utilisation peuvent être remplacées ou, jusqu'à un certain degré, réorganisées comme exigé. Les irritations sont disponibles dans des jauges différentes.

Les irritations sont disposées à une proportion mathématique qui aboutit à la division trempée égale de l'octave. La proportion de l'espacement de deux irritations consécutives est la douzième racine de deux \sqrt [12] {2}, dont la valeur numérique est environ 1.059463. La douzième irritation divise la longueur d'échelle dans deux moitiés exactes et la 24ème position d'irritation divise la longueur d'échelle dans la moitié encore de nouveau. Toutes les douze irritations représentent une octave. Dans la pratique, luthiers détermine des positions d'irritation utilisant les 17.817 constants, qui sont tirés de la douzième racine de deux. La longueur d'échelle divisée par cette valeur rapporte la distance de la noix à la première irritation. Cette distance est soustraite de la longueur d'échelle et le résultat est divisé en deux sections par le constant pour rapporter la distance de la première irritation à la deuxième irritation. Les positions pour le reste des irritations sont calculées de la même manière. [12]

Il y a plusieurs jauges d'irritation différentes, qui peuvent être adaptées selon la préférence de joueur. Parmi ceux-ci sont des irritations "géantes", qui ont la jauge beaucoup plus épaisse, tenant compte de l'utilisation d'une technique vibrato légère de pousser la corde en bas plus durement et plus doux. Fretboards "denté", où le bois du fretboard lui-même est "scooped" d'entre les irritations permet un effet de vibrato dramatique. Des irritations excellentes, beaucoup plus plates, permettent une action de corde très basse, mais exigent d'autres conditions comme la courbure du cou à être bien maintenu pour empêcher le bourdonnement.

Tige de botte

tige de botte

La tige de botte est une tige de métal qui court le long de l'intérieur du cou. Il est utilisé pour corriger des changements à la courbure du cou causée par le vieillissement de bois de construction de cou, des changements de l'humidité ou indemniser de changements de la tension de cordes. La tension de la tige et l'assemblée de cou est ajustée par une noix de sorcière ou un boulon clef d'Allen sur la tige, placée d'habitude au headstock, parfois sous une couverture, ou juste à l'intérieur du corps de la guitare au-dessous du fretboard et accessible par l'ouïe. Quelques tiges de botte peuvent seulement être eues accès en enlevant le cou. La tige de botte neutralise la quantité immense de tension la place de cordes sur le cou, rendant le cou à une position plus droite. Le tournage de la tige de botte le serrera dans le sens des aiguilles d'une montre, neutralisant la tension des cordes et redressant le cou ou créant un salut en arrière. Le tournage de la tige de botte à cela desserrera en sens inverse des aiguilles d'une montre, permettant à la tension de corde d'agir sur le cou et créant un salut en avant. Le réglage de la tige de botte affecte l'intonation d'une guitare aussi bien que la hauteur des cordes de la touche, appelée l'action. Quelques systèmes de tige de botte, appelés "l'action double" des systèmes de botte, serrent les deux voies, permettant au cou d'être poussé tant en avant qu'en arrière (des tiges de botte standard peut seulement être sorti à un point au-delà dont le cou ne sera plus comprimé et tiré en arrière). Des guitares classiques n'exigent pas de tiges de botte comme leurs cordes de nylon manifestent une force extensible inférieure avec le potentiel moindre pour causer des problèmes structurels.

Incrustations

Incrustation (guitare)

Les incrustations sont le jeu d'éléments visuel dans la surface extérieure d'une guitare. Les emplacements typiques pour l'incrustation sont sur le fretboard, headstock et sur des guitares acoustiques autour du soundhole, connu comme la rosette. Les incrustations s'étendent de points en plastique simples sur le fretboard aux objets d'art complexes couvrant la surface extérieure entière d'une guitare (le front et en arrière). Quelques joueurs de guitare ont utilisé LEDs dans le fretboard pour produire un éclairage unique effectue théâtral.

Fretboard des incrustations sont plus généralement formé comme des points, des formes de diamant, des parallélogrammes, ou de grands blocs au milieu les irritations. Les points sont d'habitude incrustés dans le bord supérieur du fretboard dans les mêmes positions, assez petites pour être visibles seulement au joueur. Quelques instruments plus vieux ou hauts de gamme font faire des incrustations de nacre, l'ormeau, le bois d'ivoire, coloré ou d'autres matériels exotiques et des conceptions. Des incrustations plus simples sont souvent faites de plastique ou peintes. Des guitares classiques hautes de gamme ont rarement des incrustations fretboard comme on s'attend à ce qu'un joueur bien formé sache sa voie autour de l'instrument.

En plus de l'incrustation fretboard, le headstock et soundhole entourent sont aussi fréquemment incrusté. Le logo du fabricant ou une petite conception sont souvent incrustés dans le headstock. Les conceptions de rosette varient de cercles concentriques simples au découpage délicat imitant la rosette historique de lute. Les attaches qui bordent le doigt et les tables d'harmonie sont parfois incrustées. Quelques instruments ont une bande de remplisseuse réduisant la longueur et derrière le cou, utilisé pour la force et-ou remplir la cavité par laquelle le trussrod a été installé dans le cou.

Des incrustations complexes sont une fonction décorative de beaucoup d'édition limitée, des guitares hautes de gamme et faites sur commande. Les fabricants de guitare sortent souvent de telles guitares pour célébrer des événements marquants significatifs ou historiques.

Cou

Cou (musique)

Les irritations d'une guitare, fretboard, des tuners, headstock et la tige de botte, tout attaché à une longue extension en bois, constituent collectivement son cou. Le bois a eu l'habitude de faire le fretboard différera d'habitude du bois dans le reste du cou. Le stress se pliant sur le cou est considérable, particulièrement quand des cordes de jauge plus lourdes sont utilisées (voir que des Cordes et accordant) et la capacité du cou résistent à vous plier (voir la tige de Botte) est important pour la capacité de la guitare de tenir un lancement constant pendant le réglage d'accord ou quand les cordes sont tourmentées. La rigidité du cou en ce qui concerne le corps de la guitare est un déterminant d'un bon instrument contre une pauvre. La forme du cou peut aussi varier, d'une courbe de "C" douce à un plus prononcé "V" la courbe. Il y a beaucoup de types différents de profils de cou disponibles, donnant le guitariste beaucoup d'options. Quelques aspects pour considérer dans un cou de guitare peuvent être la largeur complète de la touche, l'échelle (la distance entre les irritations), le bois de cou, le type de construction de cou (par exemple, le cou peut être collé dans ou verrouillé sur) et la forme (le profil) du dos du cou. D'autre type de matériel a eu l'habitude de faire des cous de guitare sont le graphite (Steinberger des guitares), aluminium (Kramer des Guitares, Travis le Haricot et des guitares Veleno), ou la fibre carbonique (des Guitares de Module et ThreeGuitars).

Joint de cou ou 'Talon'

cou d'encadrement, Boulon - Sur cou et Cou - Par

C'est le point auquel le cou est ou verrouillé ou collé au corps de la guitare. Presque toutes les guitares acoustiques, avec l'exception primaire de Taylors, ont collé (autrement connu comme mettre) des cous, tandis que des guitares électriques sont construites utilisant les deux types.

Les joints de cou de jeu Généralement utilisés incluent la mortaise et des joints de tenon (comme ceux utilisés par des guitares de CF Martin and Co.), se raccordent des joints (aussi utilisé par Martin CF sur le D28 et les modèles semblables) et les joints de cou de talon espagnols qui sont nommés après la chaussure ils ressemblent et généralement trouvé dans des guitares classiques. Tous les trois types offrent la stabilité. Boulon - Sur des cous, quoiqu'ils soient historiquement associés aux instruments meilleur marché, offre vraiment la flexibilité plus grande dans l'installation de la guitare et permet l'accès plus facile pour la maintenance de joint de cou et des réparations.

Un autre type de cou, seulement disponible pour le corps solide des guitares électriques, est la construction de cou-par-corps. Ceux-ci sont conçus pour que tout des chefs de machine en bas au pont soit placé sur le même bout de bois. Les côtés (aussi connu comme des ailes) de la guitare sont alors collés à ce morceau central. Un certain luthiers préfère cette méthode de construction comme ils prétendent qu'il permet supportent mieux de chaque note. Quelques instruments ne peuvent pas avoir un joint de cou du tout, ayant le cou et les côtés construits comme un morceau et le corps construit autour de cela.

Cordes

cordes de guitare classiques

Des cordes de guitare modernes sont fabriquées dans le matériel de métal ou organo-carbonique. Les instruments utilisant des cordes "d'acier" peuvent avoir des cordes faites d'alliages incorporant l'acier, le nickel ou le bronze de phosphore. Classique et des instruments de flamenco ont historiquement utilisé des cordes de boyau mais ceux-ci ont été remplacés par des matériels de fibre de carbone et le nylon. Les basses pour les deux instruments sont la blessure plutôt que le monofilament.

Les cordes de guitare sont tendues presque parallèles au cou, dont la surface est couverte par la touche (fretboard). En diminuant une corde contre la touche, la longueur efficace de la corde peut être changée, qui change à son tour la fréquence à laquelle la corde vibrera quand pincé. Les guitaristes utilisent typiquement une main pour pincer les cordes et l'autre pour diminuer les cordes contre le fretboard.

Les cordes peuvent être pincées utilisant doigts ou une pioche (ou plectrum).

Corps (guitare acoustique)

Caisse de résonance

Dans des guitares acoustiques, la vibration de corde est transmise par le pont et la selle au corps via la table d'harmonie. La table d'harmonie est typiquement faite de bois de ton comme le sapin ou le cèdre. Les bois de construction pour des bois de ton sont choisis tant pour la force que pour la capacité de transférer l'énergie mécanique des cordes à l'air dans le corps de guitare. Le Son qui est nouveau formé selon les caractéristiques du corps de guitare la cavité résonante.

Dans des guitares électriques, des capteurs connus comme les chargements convertissent la vibration de corde en signal électrique, qui est à son tour amplifié et alimenté aux orateurs, qui vibrent l'air pour produire le son que nous entendons. Néanmoins, le corps du corps de guitare électrique exécute toujours un rôle dans la formation de la signature tonale résultante.

Dans un instrument acoustique, le corps de guitare th est un déterminant principal de la qualité complète du son. Le sommet de guitare, ou soundboard, sont un élément fin ouvré et construit fait de tonewoods comme le sapin et le cèdre rouge. Ce bout de bois mince, souvent seulement 2 ou 3mm épais, est renforcé en différant les types d'interne vivifiant. Beaucoup de luthiers considèrent le sommet être le facteur dominant dans la détermination de la qualité du son. On entend la majorité de son de l'instrument par la vibration du sommet de guitare comme l'énergie des cordes vibrantes y est transférée.

La taille de corps, la forme et le style ont changé dans quelque temps. Les guitares du 19ème siècle, maintenant connues comme des guitares de salon, étaient plus petites que des instruments modernes. La différence des modèles d'internes vivifiant a été utilisée dans quelque temps par luthiers. Sommets de roche, Hauser, Ramirez, Fleta et C.F. Martin était parmi les designers les plus influents de leur temps. Vivifiant renforce non seulement le sommet contre l'écroulement potentiel en raison du stress manifesté par les cordes de tensioned, mais affecte aussi les caractéristiques de résonance du sommet. Le dos et les côtés sont faits d'une variété de bois de construction comme l'acajou, le bois de rose indien et considérés fortement le bois de rose brésilien (Dalbergia nigra). Chacun est principalement choisi pour leur effet esthétique et peut être décoré d'incrustations et purfling.

Le corps d'une guitare acoustique a une ouïe par laquelle le son est projeté. L'ouïe est d'habitude un trou rond dans le sommet de la guitare sous les cordes. L'air à l'intérieur du corps vibre comme le sommet de guitare et le corps est vibré par les cordes et la réponse de la cavité aérienne aux fréquences différentes est caractérisée, comme le reste du corps de guitare, par un certain nombre de modes de résonance auxquels il répond plus fortement.

Les instruments avec de plus grands secteurs pour le sommet de guitare ont été présentés par Martin dans une tentative de créer des niveaux de volume plus forts. La popularité de la plus grande taille de corps "de cuirassé" parmi des interprètes acoustiques est rapprochée du volume plus grand du son produit.

Corps (guitare électrique)

corps solide

La plupart des corps de guitare électriques sont faits de bois et incluent une garde de pioche en plastique. Est en pension assez large pour utiliser comme un corps solide est très cher en raison de l'épuisement mondial de réserve de bois dur depuis les années 70, donc le bois est rarement un morceau solide. La plupart des corps sont faits de deux pièces de bois avec certains d'entre eux incluant une couture réduisant la ligne de centre du corps. Les bois les plus communs utilisés pour la construction de corps de guitare électrique incluent l'érable, basswood, la cendre, le peuplier, l'aulne et l'acajou. Beaucoup de corps consisteront en bon sondage, mais des bois peu coûteux, comme la cendre, avec "un sommet", ou réduiront la couche d'un autre, bois plus attirant (comme l'érable avec un modèle "de flamme" naturel) collé au sommet du bois de base. Les guitares construites comme ce sont souvent appelées "des sommets de flamme". Le corps est d'habitude taillé ou acheminé pour accepter les autres éléments, comme le pont, le chargement, le cou et d'autres composants électroniques. La plupart des electrics ont un polyuréthane ou une fin de laque de nitrocellulose. D'autres matériels alternatifs au bois, sont utilisés dans la construction de corps de guitare. Certains d'entre ceux-ci incluent des composés carboniques, matériel en plastique (comme le polycarbonate) et des alliages d'aluminium.

Chargements

Chargement (musique)

Les chargements sont des capteurs attachés à une guitare qui détecte (ou "prennent") les vibrations de corde et convertissent l'énergie mécanique de la corde dans l'énergie électrique. Le signal électrique résultant peut alors être électroniquement amplifié. Le type le plus commun de chargement est électromagnétique dans la conception. Ceux-ci contiennent les aimants qui sont fermement enveloppés dans une bobine, ou des bobines, de fil de cuivre. De tels chargements sont d'habitude placés le droit au-dessous des cordes de guitare. Des chargements électromagnétiques travaillent sur les mêmes principes et dans une façon semblable à un générateur électrique. La vibration des cordes cause qu'une petite tension est créée dans les bobines entourant les aimants, cette tension de signal est postérieure amplifiée.

Des chargements électromagnétiques traditionnels sont bobine simple ou la bobine double. Des chargements de bobine simples sont susceptable au bruit incité de champs électriques, d'habitude la fréquence de conduite maîtresse (60 ou 50 hertz) le bourdonnement. L'introduction de la bobine double humbucker au milieu des années 50 a supprimé ce problème à l'aide de deux bobines, dont une est de câble dans une orientation de polarité inverse.

Le type et le modèle de chargements utilisés peuvent énormément affecter le ton de la guitare. Typiquement humbuckers, qui est deux assemblées d'aimant/bobine attachées l'un à l'autre sont traditionnellement associées un son plus lourd. Des chargements de bobine simples, un aimant enveloppé dans le fil de cuivre, sont utilisés par des guitaristes cherchant un plus brillants, twangier le son avec la gamme dynamique plus grande.

Des chargements modernes sont façonnés au son désirable. Une approximation généralement appliquée utilisée dans le choix de chargement est que moins de fil (baisse la résistance dc) = le son plus brillant, plus de fil = le ton "gras". D'autres options incluent la commutation spécialisée qui produit la division de bobine, dans/déphasé et d'autres effets. Les circuits de guitare sont actifs, ayant besoin d'une batterie au pouvoir leur circuit, ou, comme dans la plupart des cas, équipés d'un circuit passif.

L'amortisseur Stratocaster des guitares de type utilise généralement 3 chargements de bobine simples, tandis que la plupart des types de Gibson Les Paul utilisent des chargements humbucker.

Piézoélectrique, ou piezo, les chargements représentent une autre classe de chargement. Ceux-ci emploient piezoelectricity pour produire le signal musical et sont populaires dans des guitares électroacoustiques hybrides. Un cristal est placé sous chaque corde, d'habitude dans la selle. Quand la corde vibre, la forme du cristal est déformée et les tensions associées à ce changement produisent des tensions minuscules à travers le cristal qui peut être amplifié et manipulé.

Un certain piezo a équipé l'utilisation de guitares ce que l'on connaît comme un chargement hexaphonic. "La sorcière" est un préfixe signifiant six. Dans un chargement hexaphonic des productions séparées sont obtenues de chargements piézoélectriques discrets pour chacune des six cordes. Cette entente permet au signal d'être facilement modifiée par l'électronique de modelage à bord, comme à la Ligne 6 marque de Variax de guitares électriques, les guitares tient compte d'une variété de sons différents à être obtenu en manipulant en forme digitale le signal. Cela permet à une guitare d'imiter beaucoup de modèles antiques de guitare, aussi bien que des réglages d'accord de remplacement de production sans le besoin d'ajuster les cordes.

Une autre utilisation pour des chargements hexaphonic doit envoyer les signaux de production à un dispositif d'interprétation de MIDI, qui détermine le lancement de note, la durée, l'attaque et des caractéristiques de décrépitude et ainsi de suite. Le MIDI (l'Instrument de musique l'Interface Digitale) l'interprète envoie alors l'information de note à un dispositif de banque du son. Le son résultant peut étroitement imiter les nombreux types d'instrument.

Électronique

Sur les guitares qui les ont, ces composants et les fils qui les joignent permettent au joueur de contrôler quelques aspects du son comme le volume ou le ton. Ceux à leur plus simple consistent en composants passifs comme des potentiomètres et des condensateurs, mais peuvent aussi inclure des circuits intégrés spécialisés ou d'autres composants actifs exigeant des batteries pour le pouvoir, pour preamplification et le traitement de signal, ou même pour l'aide dans le réglage d'accord. Dans des nombreux cas l'électronique a une sorte de protection pour empêcher le chargement d'interférence externe et le bruit.

Alignement, Attache, Purfling

Le sommet, en arrière et les nervures d'un corps de guitare acoustique est très mince (1-2 millimètres), donc un bout de bois flexible appelé l'alignement est collé dans les coins où la nervure rencontre le sommet et en arrière. Ce renfort intérieur fournit 5 à 20 millimètres de secteur d'action de coller solide pour ces joints de coin. Des alignements solides sont souvent utilisés dans des guitares classiques, tandis que l'alignement de kerfed est plus souvent trouvé dans l'acoustique de corde d'acier. Kerfed l'alignement est aussi appelé kerfing (parce qu'il est marqué, ou kerfed pour cela permettre de se plier avec la forme de la nervure).

Pendant la construction finale, une petite section des coins extérieurs est taillée ou acheminée d'et remplie ensuite avec le matériel obligatoire sur les coins extérieurs et les bandes décoratives de matériel à côté de l'attache, qui sont appelées purfling. Cette attache sert pour encercler l'endgrain du sommet et en arrière. Purfling peut aussi apparaître à l'arrière une guitare acoustique, marquant les joints de bord des deux ou trois sections du dos.

L'attache et des matériels purfling sont généralement faits de bois ou du plastique.

Pont

Pont (instrument)

Le but principal du pont sur une guitare acoustique est de transférer la vibration des cordes au soundboard, qui vibre l'air à l'intérieur de la guitare, amplifiant ainsi le son produit par les cordes.

Sur des guitares tant électriques qu'acoustiques, le pont tient les cordes en place sur le corps. Il y a beaucoup de conceptions de pont diverses. Il peut y avoir un certain mécanisme pour lever ou baisser le pont pour ajuster la distance entre les cordes et le fretboard (l'action), et-ou peaufiner l'intonation de l'instrument. Certains sont à ressorts et montrent "une barre de manque de chance", un bras amovible qui permet au joueur de moduler le lancement déplaçant le pont en haut et en bas. La barre de manque de chance est parfois aussi mentionnée comme un "tremolo la barre" (voir Tremolo pour la nouvelle discussion de ce terme - l'effet de lancement rapidement changeant produit par une barre de manque de chance est plus correctement appelé "vibrato"). Quelques ponts tiennent aussi compte de réglages d'accord supplémentaires au contact d'un bouton.

Sur presque toutes les guitares électriques modernes, le pont sont réglables pour chaque corde pour que l'intonation reste correcte en haut et en bas du cou. Si la corde à vide est dans l'air, mais pointue ou plate quand les irritations sont appuyées, le pont peut être ajusté avec un tournevis ou une clef de sorcière pour remédier au problème. En général, des notes plates sont corrigées en avançant le pont et les notes pointues en le déplaçant en arrière. Sur un instrument correctement ajusté pour l'intonation, la longueur réelle de chaque corde de la noix à la selle de pont sera légèrement, mais measurably plus longue que la longueur d'échelle de l'instrument. Cette longueur complémentaire est appelée la compensation, qui aplanit toutes les notes un peu pour indemniser du sharping d'entre tout se sont tourmentés des notes causées en tendant la corde pendant se tourmenté.

Pickguard

Aussi connu comme un scratchplate. C'est d'habitude un morceau de plastique stratifié ou d'autre matériel qui protège la fin du sommet de la guitare de dégâts en raison de l'utilisation d'un plectrum ou d'ongles. Des guitares électriques montent parfois des chargements et l'électronique sur le pickguard. C'est une fonction commune sur la corde d'acier des guitares acoustiques. Des styles d'exécution vigoureux comme le flamenco, qui peut impliquer l'utilisation la guitare comme un instrument à percussion, appellent à un scratchplate à être adaptés aux instruments de corde de nylon.

Vibrato Bras

tremolo bras

Le Vibrato (la courbure de lancement) l'unité trouvée sur beaucoup de guitares électriques y a aussi eu des termes d'argot appliqués, comme "tremolo la barre (ou le bras)", "Sissy défendent", "la barre de wang", "font claquer la poignée", "la poignée de manque de chance" et "le manque de chance défendent". Le dernier deux termes d'argot ont mené des fabricants stompbox pour utiliser le terme 'le manque de chance' dans inventer un lancement levant l'effet présenté par la guitare populaire effectue la pédale marquent "Digitech".

Léo Fender, qui a fait beaucoup pour créer la guitare électrique, a aussi créé beaucoup de confusion sur la signification des termes "tremolo" et "vibrato", spécifiquement en mal nommant l'unité "tremolo" sur beaucoup de ses guitares et aussi l'unité "vibrato" sur ses amplis "Vibrolux". En général, vibrato est une variation dans le lancement, tandis que tremolo est une variation dans le volume, donc la barre de tremolo est en réalité une barre de vibrato et les amplis "Vibrolux" avaient en réalité un effet de tremolo. Cependant, après l'exemple de l'Amortisseur, des guitaristes électriques changent traditionnellement complètement ces significations en parlant de dispositifs de matériel et les effets qu'ils produisent. Voir l'unité vibrato pour une discussion plus détaillée et le bras tremolo pour plus de l'histoire.

Une forme distinctement différente de vibrato mécanique trouvé sur quelques guitares est le Bigsby vibrato tailpiece, généralement appelée Bigsby. Ce vibrato enveloppe les cordes autour d'une barre horizontale, qui est alors tournée avec une poignée par le musicien.

Un autre type de cintreuse de lancement est la B-cintreuse, un printemps et un dispositif de levier monté dans une cavité interne d'un corps solide électrique, la guitare qui permet au guitariste de plier juste la corde de B de la guitare utilisant un levier connecté à la poignée de courroie de la guitare. La courbure de lancement résultante est évocatrice du son de la guitare d'acier de pédale.

Réglage d'accord

réglage d'accord de guitare

La guitare est un instrument de transposition. Son lancement se sonne une octave plus bas que cela est notée.

Une variété de réglages d'accord différents est utilisée. Le plus commun de beaucoup, connu comme "le Réglage d'accord de Norme" (EAdgbe '), est comme suit (Helmholtz la notation de lancement) :

* Sixième (le ton le plus bas) corde : bas E (un mineur treizième au-dessous de milieu C-82.4 Hz)
* Cinquième corde : un (un mineur dixième au-dessous de milieu C-110 Hz)
* Quatrième corde : d (un mineur septième au-dessous de milieu C-146.8 Hz)
* Troisième corde : g (un parfait quatrième au-dessous de milieu C-196.0 Hz)
* Deuxième corde : b (une seconde mineure au-dessous de milieu C-246.92 Hz)
* D'abord (le plus haut ton) corde : e ' (un tiers principal au-dessus de milieu C-329.6 Hz)

Image:Guitarchords.jpg

Le diagramme ci-dessus dépeint des noms de lancement trouvés sur les six cordes d'une guitare dans le réglage d'accord de norme, de la noix (le zéro) à la douzième irritation.

Une guitare utilisant ce réglage d'accord peut régler à lui utilisant le fait, avec une exception simple, que la 5ème irritation sur une corde est la même note que la corde à vide suivante; c'est-à-dire une note de la 5ème irritation sur la sixième corde est la même note que la cinquième corde ouverte. L'exception est l'intervalle entre les deuxièmes et troisièmes cordes, dans lesquelles la 4ème irritation note sur la troisième corde est équivalent à la deuxième corde ouverte.

Le réglage d'accord de norme s'est développé pour fournir un bon compromis entre simple désignant du doigt pour beaucoup de cordes et la capacité de jouer la balance commune avec le mouvement de main gauche minimal. Il y a aussi une variété de réglages d'accord supplémentaires généralement utilisés - dont la plupart sont les faits d'exprimer de corde qui peuvent être joués sur des cordes à vide ou faits en déplaçant le capo. Des réglages d'accord supplémentaires sont utilisés pour deux raisons principales : le bien-être de jeu et la variation dans le ton qui peut être réalisé.

Beaucoup de guitaristes utilisent une longue variation de réglage d'accord établie, séculaire où la corde la plus basse est 'baissée' deux demi-tons en bas. Connu comme la Baisse -D (ou baissé D) le réglage d'accord de c'est, de bas à haut, DAdgbe '. Cela tient compte de la corde à vide des basses tonifiantes et dominantes dans les clefs de D et le mineur D. Il permet aussi à fifths simple (powerchords) d'être facilement joué sans le besoin d'un haut niveau d'habileté technique. Eddie Van Halen utilise parfois un dispositif connu comme un ' D le Thon, ' le brevet d'invention pour lequel il possède. C'est un petit levier, attaché au tuner excellent de la 6ème corde sur Floyd Rose tremolo, qui lui permet de facilement laisser tomber le réglage d'accord de cette corde à un D. Beaucoup de groupes rock contemporains downtune le réglage d'accord entier par plusieurs demi-tons, fabrication, par exemple, la Baisse -C ou des réglages d'accord de Baisse -B, Cependant cette terminologie est inconséquente avec celui "de baisse -D" comme "la baisse -D" se réfère à la baisse d'une corde simple au lancement nommé. Souvent ces nouveaux réglages d'accord sont aussi simplement mentionnés comme "la Norme" de la note en question par exemple - "D la Norme" (DGcfad '). Beaucoup d'autres réglages d'accord ouverts, où toutes les cordes sont accordées à une note semblable ou à une corde, sont populaires pour le jeu de guitare de diapositive.

Comme avec tous les instruments à cordes un grand nombre de scordatura est possible sur la guitare. Une forme commune de scordatura implique le réglage d'accord de la 2ème corde à Bb pour imiter le réglage d'accord de norme du luté, particulièrement en jouant le répertoire de renaissance à l'origine écrit pour le luté.

Accessoires de guitare

Quoiqu'une guitare puisse être jouée tout seul, il y a une variété d'accessoires communs utilisés pour se tenir et jouer de la guitare.

Capotasto

Capo

Un capodastra (ou capo, cejilla en espagnol) est utilisé pour changer le lancement de cordes à vide. Capos sont coupé sur le conseil d'irritation à l'aide de la tension de printemps, ou dans quelques modèles, la tension élastique. Pour lever le lancement de la guitare par un demi-ton, le joueur l'agrafe le capo sur le conseil d'irritation juste au-dessous de la première irritation. Leur utilisation permet à un joueur de jouer dans des clefs différentes sans devoir changer les formations de corde qu'ils utilisent. À cause du bien-être avec lequel ils permettent aux joueurs de guitare de changer des clefs, ils sont parfois mentionnés comme "des tricheurs". On connaît que des interprètes Classiques les utilisent pour permettre aux instruments modernes de correspondre le lancement d'instruments historiques comme la renaissance lute.

Diapositives

Guitare de Diapositive

Une diapositive, (le cou d'une bouteille, la lame de couteau ou la barre ronde de métal) utilisé dans le blues et la roche pour créer un effet glissando ou 'hawaïen'. Les cous de bouteilles étaient souvent utilisés dans le blues et la musique country. Des diapositives modernes sont construites de verre, le plastique, céramique, chromé, de cuivre ou d'acier, selon le poids et accordent désirable. Un instrument qui est joué exclusivement de cette manière, (l'utilisation d'une barre de métal) est appelé une guitare d'acier ou un acier de pédale. La diapositive jouant à ce jour est très populaire dans la musique de blues et la musique country. Quelques joueurs de diapositive utilisent une guitare Dobro prétendue.

Quelques interprètes qui sont devenus célèbres de jouer la diapositive sont George Harrison, le Bonnie Raitt, Derek Trucks, Warren Haynes, Duane Allman, des Eaux Boueuses et Rory Gallagher.

Plectrum

pioche de guitare

Une variété de pioches de guitare

"Une pioche de guitare" ou "plectrum" est un petit morceau de matériel dur qui est généralement tenu entre le pouce et le premier doigt du choix remet et est utilisé pour "choisir" les cordes. Quoique les joueurs les plus classiques choisissent seulement de leurs doigts, "la pioche" est les moyens les plus communs de jouer utilisé aujourd'hui. Quoiqu'aujourd'hui ils soient principalement le plastique, les variations existent vraiment, comme l'os, bois, l'acier ou la coquille de tortue. La coquille de tortue était le matériel le plus généralement utilisé dans les premiers jours de fabrication de pioche, mais comme les tortues sont devenues de plus en plus mises en danger, la pratique d'utiliser leurs coquilles pour des pioches ou autre chose a été interdit. Les pioches de coquille de tortue sont souvent convoitées pour un ton censément supérieur et un bien-être d'utilisation.

Les pioches entrent dans beaucoup de formes et tailles. Les pioches varient de la petite pioche de jazz à la grande pioche de basse. L'épaisseur de la pioche détermine souvent son utilisation. Une pioche plus mince (entre .2 et .5 millimètres) est d'habitude utilisée pour tapotant ou le jeu de rythme, tandis que des pioches plus épaisses (entre .7 et 1.5 + le millimètre) sont d'habitude utilisées pour des lignes de note simple ou le jeu principal. Le son de guitare distinctif de Billy Gibbons est attribué à l'utilisation d'un quart ou d'un peso comme une pioche. De même on connaît que Brian May utilise une pièce de monnaie de sixpence comme une pioche.

Hip Hop

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:58:18 GMT

L'étape de hanche (a aussi orthographié le hip-hop ou hiphop) est tant mouvement culturel qu'un genre de musique développé à New York commençant dans les années 1970, principalement par des Américains africains et Latinos. [1] Depuis d'abord l'apparition dans le Bronx, le style de vie de culture d'étape de hanche qui s'est aujourd'hui étendue dans le monde entier et est pratiquée par beaucoup de personnes indépendamment de la nationalité, l'appartenance ethnique ou la religion. La musique d'étape de hanche, une forme de musique populaire qui a grandi de la culture, est aussi aujourd'hui exécutée et entendu par des spectateurs dans le monde entier. L'étape de hanche comme un mouvement culturel englobe un large tableau d'activités humaines, mentionnées comme des éléments, y compris, mais non limité à DJING, MCing (ou frappant), le smurf et le graffiti.

Éléments

On considère d'habitude la culture d'étape de hanche se concentrer sur les quatre activités suivantes, largement mentionnées parmi la communauté d'étape de hanche comme "les quatre éléments d'étape de hanche" :

* Smurf
* Art de graffiti
* DJing
* MCing

Bien que le graffiti ait considéré un des éléments principaux d'étape de hanche, beaucoup de pionniers de graffiti avaient peu d'intérêt dans la tape ou dans la danse de pause, selon l'artiste de graffiti innovateur Vu. [2]

Histoire d'étape de hanche

Article principal : Histoire de musique d'étape de hanche

Musique d'étape de Hanche et DJing

Au début des années 1970, Clive Campbell, un DISC-JOCKEY jamaïquain qui a passé devant le nom "Kool Herc," est arrivé à New York. Herc a présenté la tradition jamaïquaine de grillant, ou la vantardise la poésie impromptue et des énonciations sur le Reggae, le Disco et le Funk enregistre, pendant des parties dans le Bronx, New York. Herc était aussi le créateur de battu de pause deejaying, où les pauses d'étant de chansons de funk la plupart de partie danceable, montrant souvent la percussion - a été isolée et répétée pour le but de parties de danse de nuit. Des disc-jockeys Postérieurs comme le Grand-master le Flash a raffiné et a développé l'utilisation de breakbeats, y compris la réduction. [3]

L'idée d'Herc a été bientôt largement copiée et à la fin des années 70 une myriade de DISC-JOCKEYS sortait 12 "des rapports où ils la tape au battu. Des airs populaires ont inclus le Coup Kurtis" les Pauses "et l'Équipe de Colline de Sucre" le Rappeur Delight. "

Évolution du MC

Frappant alors développé, comme MCs discuterait la musique pour promouvoir leur Disc-jockey, promouvraient d'autres parties de danse, ou prendront des bourrades insouciantes à d'autres poètes lyriques. Cela bientôt développé dans le frappant qui apparaît sur des simples de hip-hop précédents de base, avec MCs parlant de problèmes de leurs secteurs et questions faisant face à la communauté dans l'ensemble. Melle Mel, un rappeur/poète lyrique avec les Cinq Furieux est souvent crédité avec être le premier poète lyrique de tape à s'appeler un "MC". [4]
Le ventre dansant a en soi été autour pendant des siècles et le même mot apporte pour objecter aux images de femmes souples roulant leurs corps sinueusement à l'appel de musique. Son origine semble dériver historiquement entre oriental ou inspiré par les gitans de Bohémien. Aujourd'hui, cependant, la danse de ventre est plus d'une célébration de cultures innombrables, qui cherche à incorporer le mieux de toutes les cultures qui ont mis une revendication sur la danse de ventre. La danse de ventre tribale est cette fusion belle, passionnée des cultures qui glorifie le passionné moi dans le danseur.

La danse de ventre tribale s'est développée avec les années comme de plus en plus de gens découvrent l'expérience stimulante de danse stylisée qui libère en réalité en haut la structure musculaire du corps en faisant des mouvements étonnants et peut l'avis être loin derrière. La danse du ventre tribale peut faire le plus stoïque de femmes touchent à l'esprit libre intérieur dans elle et filent libre avec les mouvements battants que la danse exige. Le même nom la danse du ventre tribale y a un anneau primordial qui sort un de la vie morne et transporte le danseur à un autre niveau qui l'augmente, tant personnellement que physiquement.

Le ventre tribal dansant des costumes a en réalité une telle couleur et la grâce que chaque danseur de ventre les portant va se sentir à un avec sa féminité essentielle. Ce ventre dansant des costumes coule manifestement, coloré et gracieusement magnifique. Ils réjouissent chaque femme avec les lignes gracieuses et les voiles fins qui soulignent feminity. Les cymbales de doigt appelées zills sont portées pour cliquer entre les doigts et le jewelery est exotique et hardi. Jewelery tribal inclut les casques qui sont faits d'argent battu ou le cuivre et sont assez grands et l'aide tient l'écharpe principale en place. Il y a des ceintures faites de pièces de monnaie et des pierres semi-précieuses.

La danse du ventre de style tribale américaine s'est développée de leur fascination pour les rythmes exotiques et la musique. Il y a une stylisation distinctive à la version américaine de danse du ventre de fusion tribale qui a d'une façon ou d'une autre un peu de Hollywood. La danse de ventre est maintenant une forme de danse énormément populaire aux EU pour la raison simple que dans le monde d'aujourd'hui, les femmes n'ont pas d'occasion d'afficher leur nature féminine essentielle et en faisant la danse du ventre de fusion tribale, ils en appellent inconsciemment au coeur de leur féminité essentielle.

Les festivals de danse du ventre, des ateliers et des festivals, pour ne pas mentionner des vacances de danse du ventre, donnent l'occasion suffisante d'apprendre le tout de métier heartedly et avec la dédicace dans des délais indiqués. La forme d'art de cette danse a inspiré plusieurs amateurs pour sérieusement poursuivre les formes plus avancées de ventre dansant à travers les pays où il est provenu. La plupart des pas dans la danse du ventre tribale sont des mouvements circulaires qui sont isolés dans une partie de corps à la fois. Le danseur tournoie et shimmies l'utilisation du contrôle de muscle intelligent pour tenir le rythme allant aisément. Comme vous vous améliorez à la danse de ventre, la flexibilité est augmentée et des tours utilisant des pièces de monnaie et les épées sont populaires pour démontrer l'utilisation de muscles particulièrement dans le ventre et les hanches.

La danse de ventre tribale si la fusion tribale américaine ou autrement, intériorise les rythmes et l'écoulement d'émotion. C'est channeled dans une danse improvisée qui a son unicité propre et ne peut pas être apprise par coeur. Chaque danseur fait une expérience personnelle avec la musique et communique avec un style individuel. C'est plus d'une communication avec l'auditoire sur celui à une base et c'est ce qui ajoute à la simplicité et à la sensualité liquide de la danse. C'est une idée fausse que la danse de ventre tribale est seulement sensuelle dans l'appel; c'est en réalité une démonstration très mûre qui n'est pas timide et est en même temps imprégnée d'une dignité rare.
À la fin de Disc-jockeys de myriade des années 1970 sortaient 12 "des coupes où MCs la tape aux coups déplaçant foule. Des airs populaires ont inclus le Grand-master le Flash et Five Furieux" Supperrappin ', "Kurtis le Coup" les Pauses, "et l'Équipe de Colline de Sucre" le Rappeur Delight ". En 1982, Melle Mel et le Duc le Bottillon enregistré" le Message "(officiellement crédité au Grand-master le Flash et les Cinq Furieux), une chanson qui a présagé l'étape de hanche socialement consciente. [5]

Terminologie

Le frappant de l'étape de hanche de terme est souvent crédité à Keith Cowboy, un rappeur avec le Grand-master le Flash et les Cinq Furieux. Quoiqu'on croie Lovebug Starski, Keith Cowboy et le DISC-JOCKEY Hollywood a utilisé le terme quand on a connu la musique comme la tape de disco, cela que le Cow-boy a créé le terme en taquinant un ami qui venait de joindre les EU l'Armée, par scat le chant des mots "la hanche/étape/hanche/étape" dans une voie que mimicked la cadence rythmique de soldats marchants au pas. [6] le Cow-boy a travaillé plus tard "l'étape de hanche" la cadence dans une partie de son exécution d'étape, qui a été rapidement copiée par d'autres artistes; par exemple l'ouverture de la chanson "Rappeur Delight" par l'Équipe Sugarhill. [6] l'Ancien Membre d'équipe de Bêches Noir Afrika Bambaataa est crédité avec la première utilisation le terme pour décrire la sous-culture à laquelle la musique d'étape de hanche appartient, bien qu'il soit aussi suggéré que le terme a été à l'origine d'un ton moqueur utilisé contre le nouveau type de musique. [7]

L'étape de Hanche embrasse la technologie

L'étape de hanche comme une culture était nouvelle définie en 1983, quand Afrika Bambaataa et la Force de Soulsonic a sorti une trace appelée "la Roche de Planète." Au lieu de simplement frapper sur des coups de disco, Bambaataa a créé un son électronique innovateur, profitant de la boîte à rythme rapidement s'améliorant et la technologie de synthétiseur. Le vidéo de musique d'accompagnement pour la Roche de Planète a présenté une sous-culture unique de musiciens, des artistes de graffiti et des smurfers, de temps en temps l'exécution des exploits apparemment impossibles. [Citation nécessaire]

L'apparition de vidéos de musique a changé le divertissement : ils glorifiaient souvent des voisinages urbains, généralement calleds des ghettoes. [8]. Beaucoup d'étape de hanche s'est rapportée filsm a été sorti entre 1983 et 1985, parmi eux le Style Sauvage, la Rue Battue, Krush la Cannelure, Breakin et les Guerres de Style documentaires. Ces films ont étendu l'appel d'étape de hanche au-delà des frontières de New York.

Avant 1985, le jeune homme fixait dans le monde entier le linoléum de débris ou le carton, notant l'ordinateur portatif stereos et filant sur leurs pièces de derrière dans des survêtements et des chaussures de tennis à la musique par DMC Dirigé, LL J Frais, les Garçons Gras, Herbie Hancock, EMPD, Soulsonic la Force, le Geai Jazzique, docteur Jeckyll et M. Hyde et Stetsasonic, juste nommer quelques-uns. L'illustration d'étape de hanche et "l'argot" de communautés urbaines américaines ont rapidement trouvé sa voie en Europe et l'Asie, comme l'appel global de la culture a pris racine

Legs
Le smurf, une première forme de danse d'étape de hanche, implique souvent des batailles, posant des habiletés sans aucun contact physique avec les adversaires.

La première étape de hanche était souvent créditée avec l'aide pour réduire la violence d'équipe de quartiers déshérités en remplaçant la violence physique avec les batailles d'étape de hanche de danse et l'illustration. Cependant, avec l'apparition de tape commerciale et concernant le crime pendant le début des années 1990, un accent sur la violence a été incorporé, avec beaucoup de rappeurs se vantant de drogues, des armes, la misogynie et la violence. Tandis que la musique d'étape de hanche fait maintenant appel à un plus large démographique, les critiques de médias soutiennent que socialement et l'étape de hanche politiquement consciente a longtemps été méconnu par le courant dominant l'Amérique en faveur de la tape gangsta. [9]

Quoique créé aux Etats-Unis par des Américains africains et Latinos, la portée d'étape de hanche est globale. La culture de jeune homme et l'avis sont décernés de tant dans l'étape de hanche israélienne que dans l'étape de hanche palestinienne, tandis que la France, l'Allemagne, le Royaume-Uni, l'Afrique et le caraïbe a des suivant d'étape de hanche enracinés. Selon le Département d'Etat américain, l'étape de hanche est "maintenant le centre d'une musique mega et d'une mode l'industrie dans le monde entier," cela croise des barrières sociales et des coupes à travers des lignes raciales. [10] national Géographique reconnaît l'étape de hanche comme "la culture de jeune homme préférée du monde" dans lequel "à peu près chaque pays sur la planète semble avoir développé sa scène de tape locale propre." [11]

* Culture d'étape de hanche
* Dancing
* Rythme
* Coups (musique)
* Musique d'étape de hanche
      O Vieille étape de hanche scolaire
      O étape de hanche de Noyau dur
      O étape de hanche Sainte
* Production d'étape de hanche
* Danse d'étape de hanche
* Étape de hanche mode
* Théâtre d'étape de hanche
* Parade d'Étape de Hanche Universelle
* 2007 dans étape de hanche
* Magazines de hip-hop
* Étape de Hanche nationale Convention Politique

Piano

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:57:47 GMT

D'autres utilisations "de Piano", voir le Piano (la désambiguïsation). Le piano est un instrument de musique joué au moyen d'un clavier. Il produit le son par des cordes saisissantes d'acier avec des marteaux sentis qui rebondissent immédiatement permettant à la corde de continuer à vibrer à sa fréquence de résonance. Ces vibrations sont transmises par les ponts au soundboard, qui les amplifie. Le piano est largement utilisé dans la musique Occidentale pour l'exécution de solo, la musique de chambre et l'accompagnement. C'est aussi très populaire comme une aide à la création et la répétition. Bien que pas l'ordinateur portatif et souvent cher, la polyvalence du piano et l'omniprésence l'ait fait un des instruments de musique les plus familiers. Il est parfois classifié tant comme percussion qu'un instrument de corde (dans un sens lâche de ce terme). Le piano de mot est une forme raccourcie du pianoforte de mot, qui est rarement utilisé sauf dans le langage soutenu et tiré du nom italien original pour l'instrument, clavicembalo [ou gravicembalo] col le piano e le fort (littéralement le clavecin avec doux et fort). Cela se réfère à la bonne réaction de l'instrument au contact de clavier, qui permet au pianiste de produire des notes aux niveaux dynamiques différents en contrôlant la vitesse avec laquelle les marteaux frappent les cordes. Première histoire Fortepiano Bien qu'il y ait des tentatives précédentes brutes diverses de faire des instruments à clavier à cordes avec des cordes frappées, [2] on le considère largement que le piano a été inventé par un individu simple : Bartolomeo Cristofori de Padua, l'Italie, employée par Prince Ferdinand de Medici comme le Gardien des Instruments. [3] on ne le connaît pas exactement quand Cristofori a d'abord construit un piano, mais un inventaire fait par ses employeurs, la famille Medici, indique l'existence d'un piano à l'année 1709. [4] Cependant, quelques écritures indiquent qu'il y avait un piano construit l'année 1698 et un prototype construit aussi tôt que 1694. [3] les trois pianos Cristofori qui survivent datent aujourd'hui des années 1720. Deux de ces pianos datent de 1722; un piano maintenant à Rome et un clavecin maintenant à Leipzig. [3] Comme beaucoup d'autres inventions, le piano a été fondé sur des innovations technologiques précédentes. Les mécanismes d'instruments à clavier comme le clavicorde et le clavecin étaient bien connus. Dans un clavicorde les cordes sont frappées par des tangentes, tandis que dans un clavecin ils sont pincés par des cannettes. Les siècles de travail sur le mécanisme du clavecin avaient en particulier montré les façons les plus efficaces de construire le cas, soundboard, le pont et le clavier. Cristofori, lui-même un fabricant de clavecin expert, a été bien mis au courant avec ce corps de connaissance. Le grand succès de Cristofori était dans la résolution, sans aucun exemple antérieur, le problème mécanique fondamental de conception de piano : les marteaux doivent frapper la corde, mais pas rester dans le contact avec la corde (comme une tangente reste dans le contact avec une corde de clavicorde) parce que cela amortirait le son. De plus, les marteaux doivent retourner à leur position de repos sans rebondir violemment et il doit être possible de répéter une note rapidement. L'action de piano de Cristofori a servi d'un modèle pour les nombreuses approches différentes aux actions de piano qui ont suivi. Tandis que les premiers instruments de Cristofori ont été faits avec des cordes minces et étaient beaucoup plus tranquilles que le piano moderne, comparé au clavicorde (le seul instrument à clavier précédent capable de nuance dynamique à toute minute contrôlée par le clavier) ils étaient considérablement plus forts et avaient plus de pouvoir de soutien. Première réplique de piano par le constructeur moderne Paul McNulty, après Walter et Sohn, 1805 Première réplique de piano par le constructeur moderne Paul McNulty, après Walter et Sohn, 1805 Le nouvel instrument de Cristofori est resté relativement inconnu jusqu'à un auteur italien, Scipione Maffei, en a écrit un article enthousiaste (1711), y compris un diagramme du mécanisme. Cet article a été largement distribué et la plupart de la génération suivante de constructeurs de piano a commencé leur travail à cause de la lecture de cela. Un de ces constructeurs était Gottfried Silbermann, mieux connu comme un constructeur d'organe. Les pianos de Silbermann étaient les copies pratiquement directes de Cristofori, avec un complément important : Silbermann a inventé le signe avant-coureur de la pédale d'humecteur moderne, qui soulève tous les humecteurs des cordes immédiatement. Silbermann a montré Bach un de ses premiers instruments dans les années 1730, mais Bach ne l'a pas aimé à ce moment-là, prétendant que les notes plus hautes étaient trop douces pour permettre une pleine gamme dynamique. Bien que cela l'ait gagné un peu d'animosité de Silbermann, la critique a été apparemment tenue compte. Bach a vraiment approuvé un instrument postérieur il a vu en 1747 et a même servi d'un agent dans la vente des pianos de Silbermann. La fabrication de piano a fleuri pendant le dernier 18ème siècle à l'école Viennoise, qui a inclus Johann Andreas la Tasse d'argile (qui a travaillé dans Augsburg, l'Allemagne) et les fabricants Viennois Nannette Stein (la fille de Johann Andreas) et Anton Walter. Les pianos de style viennois ont été construits avec des encadrements en bois, deux cordes par note et avaient couvert de cuir des marteaux. Certains de ces pianos Viennois avaient la coloration opposée de pianos modernes; les clefs naturelles étaient noires et les clefs accidentelles blanches. [5] Il était pour de tels instruments que Mozart a composé ses concertos et sonates et les répliques d'entre eux sont construites aujourd'hui pour l'utilisation dans l'exécution d'instrument authentique de sa musique. Les pianos du jour de Mozart avaient un ton plus doux, plus clair que des pianos d'aujourd'hui ou des pianos anglais, avec moins de pouvoir de soutien, partiellement à cause de la tendance du piano Viennois à non frappent directement la corde. [3] le terme fortepiano est de nos jours souvent utilisé pour distinguer l'instrument 18ème-siècle de pianos postérieurs. Développement du piano moderne Dans la durée de période d'environ 1790 à 1860, le piano de Mozart-ère a subi des changements énormes, qui ont mené à la forme moderne de l'instrument. Cette révolution était en réponse à une préférence cohérente par des compositeurs et des pianistes pour un son de piano plus puissant, supporté. C'était aussi une réponse à la Révolution Industrielle en cours, qui fait des ressources technologiques disponibles comme l'acier de haute qualité pour des cordes (voir le fil de piano) et le jet de précision pour la production d'encadrements de fer. Dans quelque temps, la gamme tonale du piano a été aussi augmentée, des cinq octaves du jour de Mozart à 7 ? (ou même plus) des octaves trouvées sur des pianos modernes. Le progrès Tôt technologique a dû beaucoup à la société anglaise de Broadwood, qui avait déjà une réputation de la splendeur et du ton puissant de ses clavecins. Broadwood les instruments construits qui étaient progressivement plus grands, plus fort et plus a solidement construit. Broadwood envoyé des pianos tant à Haydn que Beethoven et étaient la première société pour à construire des pianos avec une gamme de plus de cinq octaves : cinq octaves et un cinquième pendant les années 1790, six octaves avant 1810 (Beethoven ont utilisé les notes supplémentaires dans ses travaux postérieurs) et sept octaves avant 1820. Les fabricants Viennois ont suivi ces tendances. Les deux écoles, cependant, ont utilisé des actions de piano différentes : Broadwoods étaient des instruments plus robustes, Viennois étaient plus sensible. Avant les années 1820, le centre d'innovation avait changé à Paris, où la société Érard a fabriqué des pianos utilisés par Chopin et Liszt. En 1821, Sébastien Érard a inventé l'action d'escapement double, qui a permis à une note d'être répétée même si la clef n'était pas encore montée à sa position verticale maximale. Cela a facilité le jeu rapide. Quand l'invention est devenue publique (comme révisé par Henri Herz), l'action d'escapement double est graduellement devenue standard dans des pianoes de concert et est toujours incorporée dans tous les pianoes de concert actuellement produits. D'autres innovations techniques importantes de cette ère incluent la chose suivante : * Utilisation de trois cordes plutôt que deux pour tous sauf les notes inférieures * L'encadrement de fer, aussi appelé "le plat", est assis placé sur le soundboard et sert du rempart primaire contre la force de tension de corde. L'encadrement de fer était la solution suprême du problème d'intégrité structurelle comme les cordes ont été graduellement faites plus épaisses, plus tendu et plus nombreux (dans un moderne grand la tension de corde totale peut s'approcher de 20 tonnes). L'encadrement de fonte de morceau simple a été fait breveter en 1825 à Boston par Alpheus Babcock, combinant le plat d'épingle d'accroc de métal (1821, revendiqué par Broadwood de la part de Samuel Hervé) et résistant aux barres (Thom et Allen, 1820, mais aussi revendiqué par Broadwood et Érard). Babcock a travaillé plus tard pour le Chickering et la société Mackays qui a fait breveter le premier plein encadrement de fer pour des pianoes de concert (1843). Le Composé a forgé des encadrements de métal ont été préféré par beaucoup de fabricants européens jusqu'à ce que le système américain ait été entièrement adopté au premier 20ème siècle. * Couvertures de marteau Senties, d'abord présentées par Henri Pape en 1826, graduellement remplacé marteaux en cuir habilement feuilletés; le matériel plus cohérent a permis des gammes dynamiques plus larges comme des poids de marteau et les rapports tendus de corde ont augmenté. * La pédale sostenuto (voir ci-dessous), inventé en 1844 par Jean Louis Boisselot et amélioré par la société Steinway en 1874. * Le sur échelle tendue, aussi appelée "à travers tension"; les cordes sont placées dans une entente inclinée verticalement se chevauchant, avec deux hauteurs de ponts sur le soundboard, plutôt que juste un. Cela permet plus grand, mais non nécessairement plus long, des cordes d'aller dans le cas du piano. Sur la tension a été inventé par Jean-Henri Pape pendant les années 1820 et fait d'abord breveter pour l'utilisation dans des pianoes de concert aux Etats-Unis par Henry Steinway cadet en 1859. Graduation duplex : les cordes triples de 182 cm. Piano de concert. De plus bas gauche à droit supérieur : les humecteurs, la longueur de sondage principale de cordes, le pont triple, la longueur de corde duplex, le pont duplex (défendent longtemps la perpendiculaire aux cordes), hitchpins. Graduation duplex : les cordes triples de 182 cm. Piano de concert. De plus bas gauche à droit supérieur : les humecteurs, la longueur de sondage principale de cordes, le pont triple, la longueur de corde duplex, le pont duplex (défendent longtemps la perpendiculaire aux cordes), hitchpins. * Duplexes ou balance d'aliquote; en 1872 Théodore Steinway a fait breveter un système pour contrôler les composants différents de vibrations de corde en accordant leurs parties secondaires dans des rapports d'octave avec les longueurs se sonnant. Des systèmes semblables développés par Blüthner (1872), aussi bien que Taskin (1788) et le Chou (1821) ont utilisé plus distinctement des vibrations sèches encerclantes pour modifier le ton. D'aujourd'hui droit, grand et des pianos de piano de concert a atteint leurs formes présentes vers la fin du 19ème siècle. Les améliorations ont été faites dans la fabrication de processus et beaucoup de détails individuels de l'instrument continuent à recevoir l'attention (voir des Innovations dans le Piano). Quelques premiers pianos avaient des formes et les conceptions qui ne sont plus dans l'utilisation. Obtention de Vos Côtelettes de Contrebasse Ensemble Le contrôle de réalité d'abord la réalité est ces batteurs professionnels, connus pour leur compétence avec le tambour de contrebasse jouant des années dépensées pratiquant comme des maniaques hantés pour développer leur vitesse, endurance et des muscles. À moins que vous ne soyez une exception "un dans un milliard" alors vous n'allez pas l'obtenir bons dans quelques semaines. Il va prendre beaucoup de travail. Obtenez d'abord vos pieds dans la position quelques batteurs ne peuvent pas être d'accord, mais j'affirme que la vitesse et le pouvoir vous allez puisqu'est la meilleure utilisation réalisée le talon en haut la technique. Bien que j'aie vu que quelques joueurs de tambour de contrebasse utilisent leurs jambes pour faire les coups, la technique plus typique pour le jeu rapide implique les chevilles. C'est la technique j'utilise et donc celui que je discuterai. Volume et Pouvoir Maintenant selon lequel des batteurs nous pourrions utiliser comme des exemples, vous devez savoir que beaucoup d'entre eux obtiennent en réalité le volume via le système du son. Donc, pour l'instant, je suggère que vous vous concentriez sur le jeu les modèles et le tenant eux stable. Le volume peut être adressé plus tard. Les facteurs d'équipement vous devez vous assurer vous en mettez la hauteur de votre trône de tambour et la position (par rapport à vos pieds sur les pédales de tambour de basse) à où vos pieds s'accrochent juste naturellement aux pédales. L'idée est d'obtenir vos jambes dans une position où vos chevilles peuvent se déplacer librement pour produire la vitesse et le contrôle. Dépensez quelque temps obtenant cette position établie parce que c'est la base de l'équilibre vous aurez besoin pour jouer des tambours de contrebasse. La longueur de votre coup de batteur, la tension sur vos pédales de tambour de basse et la quantité de ricochet dont les batteurs descendent de vos chefs de tambour de basse (à cause de l'étroitesse ou du fait d'être lâche de votre tête de tambour de basse) est tous les facteurs très significatifs. Vous devrez expérimenter pour trouver la combinaison juste de ces variables pour vous. Peut-être vous devrez même faire un peu de commerce offs inventer une combinaison qui semble bonne et encore se sent toujours bien à vous. La physique de vitesse de pédale de tambour de basse Imaginez essayer de jouer des modèles de tambour de basse rapides avec des très longues longueurs de coup de batteur (la distance de voyage) plus la tension lâche de printemps sur les pédales (la voie que le batteur revient à la position prête) plus un tambour de basse très lâche battent la tête (qui a peu de ricochet). Cela prendrait un peu de travail de pied absolument phénoménal. Il y a quelques rajustements mineurs le rendrait tellement plus facile. Ces rajustements amélioreront l'efficacité de vos coups de pédale. La longueur du coup de batteur doit être assez longue pour produire l'impact de batteur solide, mais non nécessairement d'un quatre-vingt-dix angle de degré ou "entièrement" en arrière. Je commencerais par d'un quarante-cinq angle de degré caressent et l'ajustent ensuite à n'importe quels sens le mieux à vous. Est quelque part cette gamme générale va très probablement être un bon "sens" pour vous. Ensuite la tension de printemps de pédale doit être assez serrée pour rendre le batteur en arrière très rapidement pour faire le coup suivant. Vous devez laisser la pédale vous aider. C'est pourquoi une tension lâche de printemps va juste se sentir lente et vous ralentira plutôt que vous aider. Le batteur doit aussi rebondir de la tête se battant. Pas y coulent. Ainsi si vous êtes un batteur avec un coup de tambour de basse normal qui coule le batteur dans la tête de tambour de basse (et le tient là) plutôt qu'un qui le laisse rebondir de la tête (beaucoup comme un coup de tambour de piège), alors vous vous trouvez devant le besoin de changer ce style pour des modèles de tambour de contrebasse rapides. Vous ne jouerez jamais de trente-deuxième notes sur vos tambours de basse en faisant couler le batteur dans la tête. Les exercices quand vous n'êtes pas à la batterie Louie Bellson étaient le premier batteur pour à vraiment apporter le tambour de contrebasse jouant à la popularité. J'avais la fortune pour le rencontrer, quand il était ici dans Nashville la visite de mon ami Larrie Londin. Nous avons parlé de tambours de contrebasse et il a partagé quelque chose que, d'abord, m'a vraiment étonné. Je le partagerai ici. Il m'a dit qu'une des choses qui l'ont aidé à surmonter le sens de jouer des tambours de contrebasse était sa capacité comme un danseur de claquettes. Il a dit que son tambour de basse jouant avait un sens semblable comme il était le robinet dansant sur les pédales. Bien, je ne suis pas un danseur de claquettes, mais je l'ai regardé le faire. Et il m'a fait beaucoup de sens. Il était tout dans ses chevilles rapides! Maintenant je le désigne, ne pas suggérer que vous preniez des leçons de claquettes, mais suggérer que même quand vous n'êtes pas à votre batterie que vous pouvez faire quelques exercices qui développeront vos muscles de cheville. Exercices Vous pouvez le faire en étant assis sur un tabouret ou une chaise (peut-être avec quelque chose dans la place qui aide à lever vos talons un peu du plancher - si nécessaire) et, avec des talons en haut, commencer à transmettre un huitième modèle de note. Concentrez-vous sur le tenant du tempo même. Si vous ne pouvez pas le faire au tempo vous essayez d'abord, donc ralentissent juste le tempo. Le séjour avec ce tempo plus lent jusqu'à ce que vous ne pouvez tenir le huitième modèle de note stable et même. Accélérez-le alors un peu et le maître cela. Après tout de ces années de jouer des tambours de contrebasse, je fais toujours cet exercice quotidiennement. Le piano carré a fait arranger des cordes horizontales diagonalement à travers le cas rectangulaire au-dessus des marteaux et avec le jeu de clavier dans le long côté, il est différemment attribué à Silbermann et Frederici et a été amélioré par Petzold et Babcock. Construit dans la quantité pendant les années 1890 (aux Etats-Unis), le fer célébré de Steinway dressé sur des places tendues était plus de deux fois et demie la taille du bois de Zumpe les instruments dressés qui étaient couronnés de succès un siècle auparavant, leur popularité accablante n'était en raison de la construction peu coûteuse et le prix, avec l'exécution et la sonorité fréquemment limitée par des actions simples et des cordes étroitement situées. piano carré Le grand verticalement tendu droit grand a été arrangé avec le soundboard et rapproche la perpendiculaire aux clefs et au-dessus d'eux pour que les cordes ne se soient pas étendues au plancher. La Girafe Diagonalement tendue, la pyramide et des pianos de lyre ont employé ce principe dans plus des cas de façon évocatrice formés. Le terme était postérieur ranimé par beaucoup de fabricants pour des buts publicitaires. Le très grand piano de cabinet présenté par Southwell en 1806 et construit pendant les années 1840 avait des cordes arrangées verticalement sur un encadrement continu avec des ponts s'est étendu presque au plancher, derrière le clavier et la très grande action d'autocollant. La maison de campagne courte tout droit ou pianino avec la tension verticale, créditée à Robert Wornum environ 1815 a été construite dans le 20ème siècle. Ils sont d'une façon informelle appelés des pianos de cage à oiseaux à cause de leur mécanisme d'humecteur en vue. Pianinos ont été distingué de l'oblique, ou tendu a diagonalement tout droit fait populaire en France par le Rouleau et Blanchet pendant la fin des années 1820. L'épinette minuscule a tout droit été fabriquée du milieu des années 1930 jusqu'à des temps récents. La position basse des marteaux a exigé l'utilisation "d'une action de baisse" pour préserver une hauteur de clavier raisonnable. Épinette Histoire de Piano et exécution musicale Beaucoup de répertoire de piano le plus largement admiré - par exemple, celui de Haydn, Mozart et Beethoven - a été composé pour un type d'instrument qui diffère plutôt des instruments modernes sur lesquels cette musique est normalement exécutée aujourd'hui. Même la musique du Romantics, y compris Liszt, Chopin, Schumann, Mendelssohn et Brahms, a été écrite pour des pianos considérablement différents du nôtre. Pour une discussion de certaines des conséquences interprétatives d'exécuter cette musique sur des pianos modernes, voir l'histoire de piano et l'exécution musicale. Piano Moderne Une description schématique de la construction d'un pianoforte. Une description schématique de la construction d'un pianoforte. Types Des pianos modernes entrent dans deux configurations de base (avec des sous-catégories) : le piano de concert et le piano droit. Grand Action de piano de concert. Action de piano de concert. Les pianoes de concert ont l'encadrement et les cordes placées horizontalement, avec les cordes s'étendant loin du clavier. Cela fait le piano de concert un grand instrument, pour lequel l'arrangement d'idéal est une pièce spacieuse avec de hauts plafonds pour la résonance appropriée. Il y a plusieurs tailles de piano de concert. Les fabricants et des modèles varient, mais une généralisation grossière distingue "le piano de concert", (entre environ 2.2 m à 3 m de long) "du salon grand" (environ 1.7 m à 2.2 m) et le plus petit "le bébé grand" (qui peut être plus court que cela est large). Tout étant autrement des pianos égaux, plus longs ont le meilleur son et baissent inharmonicity des cordes. C'est en partie parce que les cordes seront accordées tout près pour égaler le tempérament par rapport au lancement standard avec moins d'étirement (Voir : réglage d'accord de piano). La taille pleine grands est d'habitude utilisée pour des concerts publics, tandis que grands plus petit, présentée par Sohmer and Co. en 1884, est souvent choisie pour l'utilisation domestique où l'espace et coût sont des considérations. Tout droit Action de piano droite Action de piano droite Des pianos droits, aussi appelés verticaux pianos, sont plus compacts parce que l'encadrement et les cordes sont placés verticalement, étendant tant dans des directions du clavier que dans des marteaux. On le considère plus durement produire une action de piano sensible quand le mouvement de marteaux horizontalement, comme le retour de marteau vertical est dépendant au printemps qui est enclin à l'usure. Le retour de marteaux de piano de concert par la gravité, de là leur retour restera toujours plus cohérent que les marteaux verticaux, donnant ainsi des pianistes mieux le contrôle de leur jeu. Cependant, un piano vertical bien réglé probablement jouera plus lisse qu'un piano de concert qui n'a pas été réglé pendant des années et les tous meilleurs pianos droits s'approchent maintenant du niveau de quelques pianoes de concert de la même taille dans la qualité de ton et la bonne réaction. Un avantage considérable que l'action de piano de concert a sur l'action verticale consiste en ce que tous les pianoes de concert ont un levier de répétition spécial dans l'action jouante qui est absente dans tout le verticals. Ce levier de répétition, un séparé pour chaque clef, attrape le marteau près des cordes tant que les clefs sont jouées à plusieurs reprises et assez rapidement. Dans cette position, avec le marteau se reposant sur le levier, un pianiste peut jouer des notes répétées, staccato et des trilles avec beaucoup plus de vitesse et le contrôle qu'est possible sur un piano vertical. À cause de cela, les fabricants de piano prétendent qu'un joueur de piano habile peut jouer bien 14 notes de trille par seconde sur grands, mais seulement sept sur uprights. [L'attribution nécessaire] Pour des avances récentes, voir des Innovations dans le piano. Autres types En 1863, Henri Fourneaux a inventé le piano mécanique, qui "se joue" d'un rouleau de piano sans le besoin d'un pianiste. Aussi au 19ème siècle, les pianos de jouet ont commencé à être fabriqués. Irving Berlin a joué un piano spécial appelé le piano de transposition, qui a été inventé en 1801 par Edouard Ryley. Il avait un levier sous le clavier a eu l'habitude de changer la musique à n'importe quelle clef. Un des pianos de Berlin est dans le Musée Smithsonian. Pour beaucoup de sa carrière, Berlin savait seulement comment jouer les clefs noires. Mais avec son ' le piano de tour ' il n'a plus été limité à la clef de F-sharp. Un développement relativement récent est le piano préparé, qui est simplement un piano de concert standard qui a eu des objets placés à l'intérieur de cela avant une exécution pour changer son son, ou qui a eu son mécanisme changé d'une certaine façon. Depuis les années 1980, des pianos digitaux ont été disponibles, qui utilise la technologie de prélèvement d'échantillons digitale pour reproduire le son de chaque note de piano. Les meilleurs pianos digitaux sont sophistiqués, avec des fonctions incluant des pédales travaillantes, des clefs pondérées, des voix multiples et des interfaces de MIDI. Cependant, avec la technologie actuelle, il reste difficile de faire un double d'un aspect crucial de pianos acoustiques, à savoir que quand la pédale d'humecteur (voir ci-dessous) est diminué, les cordes pas ont frappé vibrent avec bienveillance quand d'autres cordes sont frappées, aussi bien que la non-linéarité mathématique spécifique d'instrument unique de partials sur un unisson donné. Puisque l'on considère cette vibration compatissante le plus important dans un beau ton de piano, beaucoup d'experts évaluent que des pianos digitaux ne rivalisent pas toujours avec les meilleurs pianos acoustiques dans la qualité de ton. Le progrès est fait dans ce secteur par l'inclusion des modèles physiques de vibration compatissante dans le logiciel de synthèse. Un équivalent moderne pour le piano mécanique est l'Yamaha Disklavier le système, qui utilise des solénoïdes et midi au lieu de la pneumatique et des rouleaux. Des pianos silencieux, que le silence le piano et le convertit en instrument digital, sont une innovation récente et deviennent plus populaires. Clavier Pour l'entente des clefs sur un clavier de piano, voir le clavier Musical. Presque chaque piano moderne a 88 clefs (sept octaves plus un tiers mineur, d'A0 à C8). Beaucoup de pianos plus vieux ont seulement 85 clefs (sept octaves d'A0 à A7), tandis que quelques fabricants prolongent la gamme plus loin dans une ou les deux directions. L'exemple le plus notable d'une gamme prolongée peut être trouvé sur B ö Sendorfer des pianos, un modèle qui prolonge la gamme normale en bas à F0, avec un autre modèle allant autant qu'un fond C0, faisant une huit pleine gamme d'octave. Parfois, ces clefs supplémentaires sont cachées sous un petit couvercle à charnières, que l'on peut donner un petit coup en bas pour couvrir les clefs et éviter la désorientation visuelle dans un pianiste peu familier avec le clavier prolongé; sur d'autres, les couleurs des clefs blanches supplémentaires sont changées complètement (noir au lieu de blanc). Les clefs supplémentaires sont ajoutées principalement pour la résonance accrue des cordes associées; c'est-à-dire ils vibrent avec bienveillance avec d'autres cordes chaque fois que la pédale d'humecteur est diminuée et donner ainsi un ton plus plein. Seulement un très petit numéro de travaux composés pour le piano utilise en réalité ces notes. Plus récemment, Stuart et la société de Fils ont aussi fabriqué des pianos de prolonger-gamme. Sur leurs instruments, la gamme est prolongée tant en bas la basse à F0 qu'en haut le triple à F8 pour de huit pleines octaves. Les clefs supplémentaires sont les mêmes comme les autres clefs en apparence. Le petit studio tape tout droit des pianos acoustiques avec seulement 65 clefs (qui est appelé les pianos de cabriolets) ont été fabriqués pour l'utilisation par des pianistes nomades. Bien qu'ils contiennent une harpe de fonte, ils sont le poids comparativement léger donc ils peuvent être facilement transportés à et d'engagements par seulement 2 hommes. Parce que leur harpe est plus longue que celui d'une épinette ou un piano de console ils ont un son de base plus fort quel à quelques pianistes vaut bien le compromis dans la gamme qu'un clavier réduit les laisse. Pédales piano de pédale Les pianos ont eu des pédales, ou un certain équivalent proche, depuis les premiers jours. (Au 18ème siècle, quelques pianos ont utilisé des leviers appuyés vers le haut par le genou du joueur au lieu des pédales.) quelques instruments meilleur marché ont seulement deux pédales; mais chaque piano a au moins une pédale d'humecteur et une pédale douce. La plupart des pianos avec trois pédales ajoutent la pédale sostenuto à cette paire de base. Pédale d'Humecteur La pédale d'humecteur (aussi appelé la pédale se supportant ou, faussement, la pédale forte) est souvent simplement appelée "la pédale", puisqu'il est le plus fréquemment utilisé. Il est placé comme la pédale extrême droite dans le groupe. Le mécanisme pour chaque note, sauf dans les deux premières octaves, inclut un humecteur, qui est une protection qui empêche les cordes de la note de vibrant. Normalement, l'humecteur est levé des cordes chaque fois que la clef pour cette note est appuyée. Mais quand la pédale d'humecteur est diminuée, tous les humecteurs sur le piano sont soulevés immédiatement, pour que toutes les cordes dans l'instrument soient libres du contact avec des humecteurs. Cela sert deux buts. D'abord, il aide le pianiste dans la production d'un legato (jouant des notes sans à-coup connectées) dans des passages où désigne là du doigt qui permettra legato. Deuxièmement, levant les humecteurs laisse toutes les cordes libres de vibrer avec bienveillance avec n'importe quel les notes sont jouées, qui enrichit énormément le ton du piano. Pédales de piano de gauche à droite : Una corda, sostenuto et humecteur. Pédales de piano de gauche à droite : Una corda, sostenuto et humecteur. Sensible pédalant est une des techniques un pianiste doit surmonter, puisque la musique de piano de Chopin a en avant tendance à profiter de l'utilisation vaste de la pédale se supportant, tant comme le moyen de réaliser un ton chantant que comme une aide à legato. Au contraire, la pédale se supportant a été utilisée seulement avec modération par les compositeurs du 18ème siècle, y compris Haydn, Mozart, Beethoven dans ses premiers travaux; dans cette ère, pédalant a considéré principalement comme un effet de coloristic spécial. Pédale Douce La pédale douce ou "Una corda" la pédale est placée extrême gauche dans la rangée de pédales. Sur un piano de concert, cette pédale change de l'action entière incluant le clavier légèrement à droite, pour que les marteaux qui frappent normalement toutes les trois des cordes pour une note frappent seulement deux d'entre eux. Cela ramollit la note et modifie sa qualité de ton. Pour la notation de la pédale douce dans la musique imprimée, voir la Liste de terminologie musicale. La pédale douce a été inventée par Cristofori et apparue ainsi sur les pianos très les plus premiers. Dans les 18ème et premiers 19ème siècles, la pédale douce était plus efficace qu'aujourd'hui, puisque les pianos ont été fabriqués avec seulement deux cordes par note et juste une corde par note serait donc frappée. C'est l'origine du nom "Una corda", l'italien pour "une corde". Dans des pianos modernes, il y a trois cordes par note (à part des notes inférieures, qui ont deux et très le plus bas, qui a seulement un). Les cordes sont espacées trop étroitement pour permettre un vrai "Una corda" l'effet - si changé assez loin de frapper juste une corde sur une note, les marteaux frapperaient la corde de la note suivante. Sur beaucoup de pianos droits, la pédale douce fait au lieu de cela fonctionner un mécanisme qui déplace la position de repos des marteaux tout près des cordes. Puisque les marteaux ont moins de distance pour voyager cela réduit la vitesse à laquelle ils frappent les cordes et de là le volume est réduit, mais cela ne change pas la qualité de ton dans la voie que "Una corda" la pédale fait sur un piano de concert. Quand cette pédale est diminuée sur le piano vertical, il change la création d'action ce qui est appelé "le mouvement perdu" : c'est-à-dire le cric est maintenant nouveau du bout de marteau et doit maintenant voyager en addition à engagent le marteau. Ce mouvement perdu change le contact et le sens de l'action jouante et en conséquence beaucoup de pianistes n'utilisent jamais la pédale douce sur un piano vertical. Certains des meilleurs vieux pianos verticaux au début du 20ème siècle utilisés ce qui est appelé "un compensateur de mouvement perdu", un mécanisme qui enlèverait le mouvement perdu quand la pédale douce ont été diminués. Depuis le piano de concert la pédale douce change simplement de l'action de côté, il ne change pas le contact et le sens de l'action, d'autres pianoes de concert d'avantage ont sur des pianos verticaux. Des pianos digitaux utilisent souvent cette pédale extrême gauche pour changer le son à celui d'autre instrument comme l'organe, la guitare, ou l'harmonica. Le lancement plie, l'orateur de Leslie sur et de, vibrato la modulation, etc. Pédale Sostenuto La pédale sostenuto ou "la moyenne pédale" tient levée n'importe quel humecteur qui a été déjà levé à l'heure actuelle la pédale est diminuée. Cela permet de supporter quelques notes (en diminuant la pédale sostenuto avant que les notes à être supportées ne soient sorties) tandis que les mains du joueur sont libres de jouer d'autres notes. Cela peut être utile pour des passages musicaux avec des points de pédale et d'autres situations autrement rusées ou impossibles. La pédale sostenuto était la dernière des trois pédales à être ajouté au piano standard et à ce jour beaucoup de pianos ne sont pas équipés d'une pédale sostenuto. Presque tous les pianoes de concert modernes ont une pédale sostenuto, tandis que beaucoup de pianos droits ne font pas. Sur beaucoup de pianos verticaux, la moyenne pédale est simplement une basse supportent la pédale : c'est-à-dire quand il est diminué, les humecteurs enlèvent les cordes seulement dans la section de basse. Cette pédale serait utilisée seulement quand un pianiste doit supporter une note de basse simple ou une corde sur beaucoup de mesures, en jouant la mélodie dans la section triple. Étant donné son utilisation limitée musicalement, peu de pianistes se donnent même la peine d'utiliser cette pédale. Quelques pianoes de concert utilisent cette basse supportent la pédale de type plutôt qu'utiliser une vraie pédale sostenuto, souvent une indication le piano de concert a été à bon marché fait (bien que certains des meilleurs vieux pianoes de concert aient aussi cette pédale). Un certain nombre de travaux 20ème-siècle appellent spécifiquement à l'utilisation de la pédale sostenuto, par exemple le Catalogue d'Olivier Messiaen d'oiseaux. Cette pédale est souvent inutilisée dans la musique moderne. Autres sortes de pédale Quelques pianos verticaux ont une pédale de pratique ou une pédale de Celeste en place du sostenuto. Cette pédale, qui peut d'habitude être fermée en place en le diminuant et la poussée de cela à un côté, laisse tomber une bande de senti entre les marteaux et les cordes pour que toutes les notes soient énormément assourdies - une fonction pratique pour ceux qui veulent pratiquer dans l'environnement domestique sans inquiétant les voisins. Une telle pédale de pratique est rarement utilisée dans l'exécution et la plupart des pianos équipés d'une telle pédale ne sont pas d'une qualité suffisante pour l'exécution en tout cas. Le piano de transposition rare, dont Irving Berlin a possédé un exemple, utilise la moyenne pédale comme une prise qui déclenche au clavier du mécanisme, permettant au clavier d'être déplacé à gauche ou directement avec un levier. L'action entière du piano est ainsi changée pour permettre au pianiste de jouer de la musique écrite dans une clef pour qu'il se sonne dans une clef différente. Matériels Beaucoup de parties d'un piano sont faites de matériels choisis pour la solidité extrême. Dans des pianos de qualité, la jante extérieure du piano est faite d'un bois dur, normalement l'érable ou le hêtre. Selon Harold A. Conklin, le but d'une jante vigoureuse consiste en ce pour que "l'énergie vibrational restent autant que possible dans le soundboard au lieu de dissiper inutilement dans les parties de cas, qui sont les radiateurs inefficaces de son." La jante est normalement faite en laminant les bandes flexibles de bois dur à la forme désirable, un système qui a été développé par Théodore Steinway en 1880. Les accolades en bois épaisses au fond (grands) ou en arrière (uprights) du piano ne sont pas aussi à l'aide de l'acoustique importantes que la jante et sont souvent faites d'un bois tendre, même dans des pianos de qualité supérieure, pour sauver le poids. Le pinblock, qui tient les épingles de réglage d'accord en place, est un autre secteur du piano où la dureté est importante. Il est fait de bois dur, (souvent l'érable) et est généralement stratifié (construit de couches multiples) pour la force complémentaire et la prise du pouvoir. Les cordes de piano (ont aussi appelé le fil de piano), qui doit supporter les années de tension extrême et souffle durement, est fait d'acier de haute qualité. Ils sont fabriqués pour varier le moins possible dans le diamètre, puisque toutes les déviations de l'uniformité présentent l'altération tonale. Les basses d'un piano sont faites d'un coeur d'acier enveloppé avec le fil de cuivre, augmenter leur flexibilité. Pour les raisons acoustiques derrière cela, voir l'acoustique de Piano. Le plat, ou l'encadrement de métal, d'un piano sont d'habitude faits de fonte. C'est avantageux pour le plat d'être tout à fait massif. Puisque les cordes sont attachées au plat à une fin, n'importe quelles vibrations transmises au plat aboutiront à la perte d'énergie au canal (efficace) désirable de transmission du son, à savoir le pont et le soundboard. Quelques fabricants utilisent maintenant l'acier de coup dans leurs plats, pour la force plus grande. Le jet du plat est un art délicat, puisque les dimensions sont cruciales et le fer contracte vers un pour cent pendant le rafraîchissement. L'inclusion dans un piano d'un extrêmement grand morceau de métal est potentiellement un handicap esthétique. Les fabricants de piano surmontent ce handicap en polissant, peignant et décorant le plat; souvent les plats incluent le médaillon ornemental du fabricant et peuvent être de façon saisissante attirants. Dans un effort de faire des pianos plus léger, Alcoa a travaillé avec l'Hiver et des fabricants de piano de Société pour faire des pianos utilisant un plat d'aluminium pendant les années 1940. L'utilisation d'aluminium pour des plats de piano, cependant, n'est pas devenue largement acceptée et a été cessée. Les nombreuses grandes parties et les parties droites d'une action de piano sont généralement le bois dur (par exemple l'érable, le hêtre. Hornbeam). Cependant, depuis la Deuxième Guerre mondiale, les plastiques sont devenus disponibles. De premiers plastiques ont été incorporés dans quelques pianos à la fin des années 1940 et les années 1950, mais prouvés désastreux parce qu'ils ont cristallisé et ont perdu leur force après seulement quelques décennies d'utilisation. La société Steinway a une fois incorporé Teflon, un matériel synthétique développé par DuPont, pour quelques grandes parties d'action en place de tissu, mais a en fin de compte abandonné l'expérience en raison "d'un déclic" inhérent qui s'est invariablement développé dans quelque temps. (Aussi Teflon est "l'humidité stable" tandis que l'en bois adjacent au Teflon gonflera et contracteront avec des changements d'humidité, causant des problèmes.) Plus récemment, la société Kawai a construit des pianos avec des parties d'action faites de plastiques plus modernes et efficaces comme la fibre carbonique; ces parties ont soutenu mieux et recevaient généralement le respect de techniciens de piano. Vue de ci-dessous d'un piano de concert de 182 cm. De l'ordre de distance de téléspectateur : les accolades de bois tendre, se sont effilées des nervures de soundboard, soundboard. La tige de métal au droit inférieur est un dispositif de contrôle d'humidité. Vue de ci-dessous d'un piano de concert de 182 cm. De l'ordre de distance de téléspectateur : les accolades de bois tendre, se sont effilées des nervures de soundboard, soundboard. La tige de métal au droit inférieur est un dispositif de contrôle d'humidité. La partie du piano où les matériels importent probablement plus que n'importe où autrement est le soundboard. Dans des pianos de qualité, c'est fait de sapin solide (c'est-à-dire des conseils de sapin collés ensemble à leurs bords). Le sapin est choisi pour sa haute proportion de force au poids. La meilleure utilisation de fabricants de piano au grain serré, scié de quart, sans défaut le sapin et s'assure qu'il a été soigneusement séché au cours d'une longue période de temps avant la fabrication de cela dans soundboards. Dans des pianos bon marché, le soundboard est souvent fait de contre-plaqué. Les clefs de piano sont généralement faites de sapin ou basswood, pour la légèreté. Le sapin est normalement utilisé dans des pianos de haute qualité. Traditionnellement, les clefs noires ont été faites de l'ébène et les clefs blanches ont été couvertes des bandes de d'ivoire, mais puisque l'espèce d'ivoire cédant est maintenant mise en danger et protégée selon le traité, les plastiques sont maintenant presque exclusivement utilisés. Aussi, d'ivoire a tendance au chip plus facilement que le plastique. Ainsi, les sociétés ont décidé de commencer à utiliser le plastique. Beaucoup de plus vieux est fait de juste d'ivoire et l'ébène. Légal d'ivoire peut toujours être obtenu dans des quantités limitées. Une fois, la société Yamaha innovated un plastique appelé "Ivorine" ou "Ivorite", depuis imité par d'autres fabricants, qui imitent le regard et le sens de d'ivoire. L'exigence de force structurelle, accomplie avec le bois dur vaillant et le métal épais, rend un piano lourd; même un petit droit peut peser 136 kg (300 livres) et le piano de concert Steinway (le Modèle D) pèse 480 kg (990 livres). Le plus grand piano construit, le Fazioli F308, pèse 691 kg (1520 livres). Soin et maintenance Wikibooks Wikibooks a un livre sur le sujet de Emballage et Déplacement d'Appareils ménagers Soin et maintenance de pianos Les pianos ont besoin du réglage d'accord d'habitué pour les tenir jusqu'au lancement et produire un son agréable; selon la convention ils sont accordés au diapason de concert standard internationalement reconnu d'un = 440 Hz. Les marteaux de pianos sont exprimés pour indemniser du durcissement graduel et d'autres parties ont aussi besoin du règlement périodique. Des pianos âgés et portés peuvent être reconstruits ou remis à neuf. Souvent, en remplaçant un grand numéro de leurs parties, ils peuvent être faits pour exécuter aussi bien que de nouveaux pianos. Il est souvent senti, cependant, que des pianos plus vieux sont plus installés et produisent un ton plus chaud. Le déplacement de piano devrait être fait par des déménageurs de piano formés utilisant la main d'oeuvre adéquate et l'équipement correct pour la taille de n'importe quel piano particulier et le poids. Les pianos sont lourds des instruments encore délicats. Au cours des années, des déménageurs de piano professionnels ont développé des techniques spéciales pour transporter tant grands qu'uprights qui empêche des dégâts au cas et à la mécanique du piano. Le wikibook en emballage et le déplacement d'appareils ménagers mentionnés fait ici consacrer une section au piano se déplaçant avec une 3 section de page d'avertissements quant aux risques et aux dangers de déplacement de piano DIY. Rôle du piano histoire sociale du piano Le piano est un instrument crucial dans la musique classique Occidentale, le jazz, le film, la télévision et la plupart des autres genres musicaux occidentaux complexes. Puisqu'un grand nombre de compositeurs est des pianistes compétents - et parce que le clavier de piano offre les moyens faciles d'interaction mélodique et harmonique complexe - le piano est souvent utilisé comme un outil pour la composition. Les pianos étaient et sont toujours, des instruments populaires pour la propriété privée du ménage, particulièrement parmi le milieu et les classes supérieures. De là, les pianos ont gagné une place dans la conscience populaire et sont parfois mentionnés par des surnoms incluant : "l'ivories", "Joanna", "les quatre-vingt-huit" et "le noir (s) et blanc (s)", "petit Joe ()". Jouer du piano est parfois mentionné comme "le chatouillement de l'ivories".

CD MP3

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:57:12 GMT

SACD utilise une technologie très différente du CD et DVD-Audio pour coder ses données audio, un processus de modulation de delta-sigma de 1 particule connu comme le Flot Direct Digital au très haut taux de prélèvement d'échantillons de 2.8224 MHz. C'est 64 fois le taux de prélèvement d'échantillons utilisé dans le Disque compact Digital Audio, qui spécifie 44.1 kHz à une résolution de 16 bits.

SACD la création de directives suggèrent qu'un SACD doive toujours contenir un mélange stéréo à 2 canaux [la citation nécessaire] quoique pas tout le SACD l'ait (par exemple, en 2005 Sony le Divertissement de Musique (l'Allemagne) GmbH l'exécution de Charles Rosen libéré des Variations Goldberg comme un hybride SACD avec PCM 16 bits et DSD 5.1 entoure, mais aucun DSD stéréo). Ils peuvent facultativement contenir un mélange s'entourant - 5.0 ou 5.1 disposition. Bien que le disque stocke toujours tous les canaux, le mélange s'entourant ne doit pas les utiliser tous et certains peuvent être muets; par exemple la sortie de SACD 2001 des restes de Cloches Tubulaires de Mike Oldfield dans le 4.0 mélange quadriphonique a fait en 1975 et la réédition de RCA de l'enregistrement d'Orchestre de Symphonie de Chicago 1957 des Images de Mussorgsky à une annexe marque la première fois que l'original 3.0 (trois trace) l'enregistrement est disponible dans un format grand public. La désignation correcte pour la partie s'entourant d'un SACD est "à canaux multiples" et a d'habitude l'étiquette "SACD Entoure" ou son logo "Multi-Ch" propre sur la quatrième de couverture.

Il y a trois types de SACDS :

* Hybride : le plus populaire des trois types, des disques hybrides incluent "un Livre Rouge" la couche compatible avec la plupart de legs des Lecteurs de disques compacts, a doublé "la couche de CD," et 4.7 GB SACD la couche, a doublé le "HD la couche." Ce n'est pas rare pour des disques hybrides pour porter "le Disque compact Digital Audio" le logo pour montrer que le disque est CDDA-DOCILE.
* Couche simple : Physiquement un DVD-5 DVD, une couche simple SACD inclut 4.7 GB HD la couche sans couche de CD.
* Couche duelle : Physiquement un DVD-9 DVD, une couche duelle SACD inclut deux couches HD totalement 8.5 GB, sans couche de CD. Ce type est rarement utilisé. Il permet presque deux fois plus aux données d'être stocké, mais élimine la compatibilité de lecteur de CD.

Intégration

À partir d'avril 2007, il y a eu plus de 4,500 SACD sort, un peu sur dont la moitié semble être classique. Le jazz semble avoir des sorties de moins et la musique populaire, principalement remixée des albums précédemment libérés, semble avoir même des sorties de moins que le jazz. [1] [2]. Les artistes notables qui ont sorti certains ou tout leur arrière catalogue incluent Aerosmith, Peter Gabriel, la Genèse, Depeche le Mode, Bob Dylan, Elton John, le Blues D'humeur changeante, les Rolling Stones et des Ongles de Neuf pouces. L'album séminal de Floyd Rose le Côté Sombre de la Lune (la 30ème édition annuelle de 2003), Le qui est l'album séminal Tommy (la 34ème édition annuelle de 2003) et Roxy Music Avalon (la 21e édition annuelle, 2003) a été sorti sur SACD pour profiter de la capacité à canaux multiples du format. Tous les trois ont été remixés dans 5.1 entourent et sorti comme l'Hybride SACDs avec un mélange stéréo sur la couche de CD standard.

Parce que la plupart des SACDs sont maintenant publiés dans un format hybride seulement, comme les Rolling Stones remixés et les albums de Bob Dylan libérés en 2002, beaucoup d'acheteurs de musique construisent une collection SACD même s'ils n'ont aucun équipement de lecture SACD et ne sont pas spécifiquement inclinés pour acheter SACDs. Cela peut donner le SACD formatent un avantage sur DVD-Audio parce que les disques hybrides sont conçus pour jouer sur tous les lecteurs de CD de Livre Rouges standard.

Le format continue à attirer quelques artistes principaux; cependant, l'intérêt principal continue à être des albums remixés classiques et plus vieux plutôt que de nouvelles sorties. La Fidélité de Portable d'étiquette record se concentre sur ce type de remixage. SACD continue aussi à faire face à la pression pointue de DVD-AUDIO et des sorties de DualDisc et l'incertitude de client sur les formats rivalisants. (Cette incertitude peut s'affaiblir comme des joueurs capables des deux formats, comme le Denon DVD-1930CI, devenir accessible.)

Lecture de Disque
Comment un CD Audio Superbe hybride travaille

Des lentilles objectives dans des lecteurs de CD conventionnels ont une distance travaillante plus longue, ou la longueur focale, que des lentilles conçues pour des joueurs SACD. Cela signifie que quand un hybride SACD est placé dans un lecteur de CD conventionnel, le rayon laser passe la couche haute résolution et est reflété par la couche conventionnelle à la distance de 1.2 millimètres standard et la couche haute densité est floue. Quand le disque est placé dans un joueur SACD, le laser est reflété par la couche haute résolution (à 600 µ Le m la distance) avant qu'il ne puisse atteindre la couche conventionnelle. Au même point, si un CD conventionnel est placé dans un joueur SACD, le laser lira le disque sans difficulté depuis n'est là aucune couche haute résolution.

Matériel de Lecture

Le CD Audio Superbe hybride (qui inclut tant CD Stéréo qu'une couche de CD Audio Superbe) peut être joué en arrière sur des lecteurs de CD. Pour entendre le CD Audio Superbe Stéréo et sur beaucoup de disques le CD Audio Superbe À canaux multiples, la couche exige un lecteur de CD Audio Superbe.

Comme s'attendrait, Sony et Philips, comme les designers du CD et SACD formatent, ayez la plupart des joueurs sur le marché dans beaucoup d'aspects comme des joueurs autonomes, a combiné des joueurs DVD/SACD, des joueurs dans-voiture, [1] et PlayStation de Sony 3 console de jeu.

Le Sony SCD-1 est un joueur bien connu qui a été présenté concurremment avec le format de SACD. Il pèse bien plus de 26 kg (57 livres) et est souvent modifié par ses propriétaires pour améliorer le son. Le SCD-1 a été présenté avant que SACDS à canaux multiples n'ait existé et joue seulement deux canal SACDs ou le CD de livre rouge. Il n'est plus vendu. Quand présenté en 1999, il a vendu à US$5,000. [2]

Beaucoup d'autres vendeurs offrent des capacités de lecture SACD dans leurs gammes de produits, bien que personne n'ait offert un Style de baladeur portatif SACD le joueur capable de jouer la haute couche de définition d'un SACD. La plupart des lecteurs de CD portatifs joueront la couche de CD conventionnelle d'un Hybride SACD.

SACD des joueurs ne permettent pas à en forme digitale la production à un flot non chiffré de DSD. Les joueurs ont initialement soutenu seulement la production analogue; plus tard quelques interfaces digitales de marque déposée comme la Liaison de Denon ont permis la transmission chiffrée de DSD. Il y a maintenant deux méthodes de rapport digitales standard capables de porter DSD en forme chiffrée : je. Liaison et HDMI (la version 1.2 ou plus tard, standardisé en août 2005).

i. La liaison est généralement trouvée sur le milieu de - à l'équipement haut de gamme. HDMI est plus commun, étant la méthode de rapport digitale standard pour video+audio haute définition, mais à partir de décembre 2006, il y a seulement quelques processeurs A/V soutenant DSD sur HDMI 1.2 (comme le Marantz SR7001), mais aucun joueur.

Quelques joueurs, comme le PlayStation 3, ne font pas de production DSD sur HDMI, mais le convertissent au lieu de cela en PCM.
Y faisons face, il n'y a rien de plus mauvais que l'achat d'un CD entier après que vous avez entendu une bonne chanson simple à la radio, seulement découvrir que cette chanson est la seule trace convenable sur l'album. Ce problème ne s'applique pas à vous quand vous participez à une vague à base d'Internet qui balaie l'industrie de musique. Les téléchargements de musique qui vous permettent de choisir parmi des milliers de chansons - des simples - qui semble grand. Et vous pouvez les choisir un à un.

L'Internet offre la satisfaction instantanée pour ceux qui veulent acheter et écouter de la musique. Vous maintenant ne devez pas laisser votre maison. Si vous entendez une grande chanson à la radio, vous pouvez enregistrer sur un de ces sites et le télécharger dans des secondes. C'est juste vraiment facile à utiliser et la musique semble grande. Même ce qui est plus important, peut-être, chaque étiquette record principale est à bord avec la musique d'Internet finalement et un numéro significatif d'étiquettes indépendantes vient à bord.

Beaucoup de voies uniques sont codées dans des Médias de Fenêtres Audio (WMA) le format à un peu le taux de 192 kilobits par seconde (le Ko/s). C'est un fichier plus petit avec une qualité beaucoup plus haute que les fichiers les plus MP3-codés à 128 Ko/s. Et on suppose que la musique est une copie parfaite du maître, donc les utilisateurs ne devront pas télécharger 20 chansons pour trouver le juste, seulement trouver la fin de la chanson coupée.

La plupart des ordinateurs Windows devraient être capables de jouer des fichiers de musique digitaux. C'est-à-dire 233 MHz avec 64 méga-octets de RAM devraient faire le tour sur la fin basse. Une carte son et des orateurs (ou des écouteurs) sont aussi exigés pour entendre audio. Si vous avez un joueur de musique digital portatif, assurez-vous qu'il soutiendra le format que vous téléchargez.

Parce que ces fichiers de musique sont comprimés, un grand disque dur n'est pas exigé pour stocker des téléchargements. Un disque dur de 20 gigaoctets devrait être excellent, quoique la plupart des PC ces jours expédient avec au moins 40 gigaoctets. Dans des termes clairs, cela signifie que vous pouvez stocker des milliers de chansons téléchargées sans être à court de l'espace de disque dur. Cependant, vous pouvez toujours brûler de la musique à un CD si vous voulez libérer en haut l'espace.
DSD

SACD audio est stocké dans un format appelé Direct Flot Digital (DSD), qui diffère de PCM conventionnel utilisé par le disque compact ou les systèmes audio informatiques conventionnels.

DSD est 1 particule, a un taux de prélèvement d'échantillons de 2.8224 MHz et se sert du bruit formant des techniques de quantification pour pousser le bruit de quantification de 1 particule jusqu'à des fréquences ultrasoniques inaudibles. Cela donne une gamme dynamique plus grande au format et une réponse de fréquence plus large que le CD. Des matériels promotionnels de SACD fourni par Philips et Sony suggèrent que le système soit capable de livrer une gamme dynamique de 120 dB de 20 Hz à 20 kHz et une réponse de fréquence prolongée en hausse de 100 kHz, bien que le plus actuellement des joueurs disponibles inscrivent une limite supérieure de 80-90 kHz.

Le processus de créer un signal DSD est conceptuellement semblable à la prise d'un delta-sigma de 1 particule le convertisseur (A/D) analogique-numérique et l'enlèvement du decimator qui convertit 1 particule bitstream dans la multiparticule PCM. Au lieu de cela, le signal de 1 particule est enregistré directement et dans la théorie exige seulement qu'un filtre lowpass reconstruise la forme d'onde analogue originale. En réalité c'est un peu plus complexe et l'analogie est incomplète dans ces convertisseurs de sigma-delta de 1 particule sont ces jours plutôt peu communs, une raison étant qu'un signal de 1 particule ne peut pas être dithered correctement : la plupart des convertisseurs de sigma-delta modernes sont la multiparticule.

À cause de la nature de convertisseurs de sigma-delta, on ne peut pas faire une comparaison directe entre DSD et PCM. Une approximation est possible, cependant et placerait DSD dans quelques aspects comparables avec un format de PCM qui a un peu la profondeur de 20 particules et une fréquence de prélèvement d'échantillons de 192 kHz. PCM échantillonné à 24 particules fournit 24 dB complémentaires (théoriques) de gamme dynamique. En raison des effets de bruit de quantification, la largeur de bande utilisable du format de SACD est approximativement 100 kHz, qui sont semblables à 192 kHz PCM.

Parce qu'il a été extrêmement difficile d'effectuer des opérations DSP (exécutant par exemple EQ, l'équilibre, panning et d'autres changements du domaine digital) dans un environnement de 1 particule et à cause de la fréquence d'équipement de studio comme Pro des Outils, qui sont seulement PCM-BASÉS, la majorité énorme de SACDS - se balance particulièrement et la musique contemporaine qui compte sur des techniques de multitrace - est en fait mélangé dans PCM (ou mélangé l'analogue et enregistré sur des enregistreurs PCM) et converti ensuite à DSD pour SACD surmontant.

Pour adresser certaines de ces questions, un nouveau format de studio a été développé, mentionné d'habitude comme "DSD-LARGE", qui conserve le haut taux type du DSD'S standard, mais utilise 8 particules, plutôt que la particule simple la longueur de mot digitale, mais compte toujours lourdement sur le bruit formant le principe. Cela devient presque le même comme PCM (il est parfois de façon désobligeante mentionné comme "PCM-ÉTROIT") mais a l'avantage supplémentaire de faire des opérations DSP dans le studio bien plus pratique. La différence principale est que "DSD-LARGE" conserve toujours 2.8224 MHz (64Fs) le prélèvement d'échantillons de la fréquence tandis que la fréquence la plus haute dans laquelle PCM est édité est 352.8 kHz (8Fs). "Le DSD-LARGE" signal est en bas converti à l'habitué DSD pour SACD surmontant. Suite à cette technique et d'autres événements il y a maintenant quelques postes de travail audio digitaux (les CHOUCAS) qui font fonctionner, ou peuvent fonctionner, dans le domaine DSD, notamment Pyramix et quelques systèmes de SADIE.

Notez que PCM haute résolution (DVD-Audio, HD DVD et le Disque de Blu-rayon) et DSD (SACD) peut toujours différer en termes de fidélité aux fréquences hautes depuis DSD, par suite de sa haute fréquence de prélèvement d'échantillons, ne montre pas les effets de sonnerie typiques de filtres de reconstruction utilisés avec PCM. [La citation nécessaire] D'autre part, la gamme dynamique du DSD'S diminue rapidement aux fréquences plus de 20 kHz en raison de l'utilisation de bruit fort formant les techniques qui poussent le bruit de la bande audio aboutissant à un plancher sonore naissant juste au-dessus de 20 kHz. La gamme dynamique du PCM'S, d'autre part, est la même à toutes les fréquences. (Quelques joueurs SACD hauts de gamme emploient un jeu de filtre de passage bas facultatif à 30 kHz pour la compatibilité et des raisons de sécurité, appropriées pour des situations où les amplificateurs ou des haut-parleurs ne peuvent pas livrer une production non déformée si le bruit au-dessus de 30 kHz est présent dans le signal.)

DST

Pour réduire l'espace et les exigences de largeur de bande de DSD (2.8 Mbit/s par canal), un arrangement de compression sans perte appelé Direct Flot Transfert (DST) est utilisé - DST la compression est obligatoire pour des régions à canaux multiples et facultative pour des régions stéréo. Cela comprime typiquement par un facteur d'entre deux et trois, permettant à un disque de contenir 80 minutes tant d'à 2 canaux que le son de 5.1-canal.

PSP

SACD inclut les mesures de protection de copie diverses le plus en vue sont le Signal de Fosse Traitant (PSP), une fonction de watermarking physique qui contient un filigrane digital modulé dans la largeur de fosses sur le disque (les données sont stockées dans la longueur de fosse). Le chargement optique doit contenir le circuit spécial pour lire le filigrane PSP, qui est alors comparé à l'information sur le disque pour s'assurer que c'est légitime. Parce que la majorité de lecteurs de DVD et toutes les commandes de DVD-ROM utilise un chargement optique qui manque de ce circuit de détection de filigrane spécialisé ils ne peuvent pas lire les données sur la couche SACD d'un disque SACD protégé. [3]

Sur l'hybride SACD des disques, PSP est seulement appliqué à la couche SACD - pas à la couche de CD.

Comparaison SACD et CD

Beaucoup de personnes estiment que même un modérément bon système devrait révéler une différence significative entre SACD et CD ou DVD-Audio. [La citation nécessaire] le dernier compositeur de film Jerry Goldsmith, par exemple, a avec acharnement renforcé SACD et plusieurs albums de son grand nombre de film et les compositions sont disponibles comme SACDs À canaux multiples Hybride.

Peu de systèmes audio domestiques peuvent exactement reproduire des sons au-dessus de 20 kHz et la plupart des chaînes d'enregistrement sont conçus autour de cette limite. La musique pop moderne est typiquement comprimée à un petit pourcentage de la gamme dynamique disponible maximale et ne profiterait pas ainsi de la gamme dynamique prolongée disponible dans SACD. Dans la comparaison, le fonctionnement acoustique de jazz, des gens, la musique classique et alternative peut certainement profiter du manque de compression d'amplitude qu'une gamme dynamique prolongée se permet.

Au contraire, les propriétés de DSD et le processus de création ont tendance à décourager la sorte de compression extrême et le sondage désagréable la coupure durement digitale souvent trouvée sur des enregistrements PCM. À la différence du CD, que couche 0 dB se nivellent directement à la limite de signal PCM théorique et ne tient pas compte le surprélèvement d'échantillons, SACD met le 0 niveau de dB à 6 dB au-dessous du signal DSD grandeur nature théorique et interdit des sommets au-dessus de +3 dB. DSD le traitement est moins susceptible de la coupure simple pour rencontrer ces limites, forçant plus de soin d'être pris pendant surmonter. La hauteur supplémentaire soulage aussi le travail de DACS dans l'équipement de lecture, qui subit souvent l'altération de surcharge quand alimenté le grandeur nature PCM commun sur le CD lourdement comprimé. [4] [5] Ainsi, la qualité améliorée peut résulter simplement de la prévention des sortes de pauvre surmontant souvent trouvé sur PCM, plutôt que de n'importe quelle différence audible fondamentale entre DSD et PCM; PCM a surmonté plusieurs dB obtiendrait plus bas aussi le même avantage.

De plus en plus, à la maison des systèmes de lecture audio sont le cinéma domestique à canaux multiples et cette fonction simple peut s'avérer être la plus importante en considérant les différences entre des Disques compacts et les formats de distribution plus récents. Le CD est stéréo et tant SACD QUE DVD est à-canaux-multiples-capable. De plus, SACDs peut être écrit pour être tant en avant qu'en arrière compatible avec des lecteurs de CD existants.

Il peut être discuté que SACD et DVD-Audio est simplement des tentatives d'ajouter des fonctions de protection de copie plutôt que des améliorations réelles de l'enregistrement et l'écoute la technologie et la permission d'une limite supérieure de 80 kHz quand l'audition d'homme est moins de 22 kHz peut considérer inutile. Sony et d'autre réponse de société de soutien est que dans les mains d'un ingénieur compétent et d'un producteur, ces formats fournissent des capacités complémentaires et les fonctions qui peuvent créer une expérience écoutante plus engageante et irrésistible. Le propriétaire d'étiquette record David Chesky de Rapports de Chesky a dit que "nous pouvons vous donner un beaucoup meilleur tour" avec des disques de CD Audio Superbes et avons mis août 2007 comme la date quand les sorties de musique de toute sa société seront publiées seulement sur des disques de CD Audio Superbes Hybrides, compatibles tant avec le CD qu'avec joueurs SACD.

Un article publié dans le Journal de la Société Technique Audio Vol. 55 numéro 9, septembre 2007, ayant droit "Audibilité d'une NORME DE CD ADA Loop Insérée Dans Lecture Audio Haute résolution" par E. Le clou sans tête Meyer et David Moran ont annoncé les résultats de leur étude, qui a conclu que des auditeurs ne pouvait pas entendre la différence entre un enregistrement à deux canaux haute résolution et une Qualité de CD downsampling du même enregistrement sauf à extrêmement des niveaux de son aigu. L'article a conclu que beaucoup de sorties haute résolution sonnées mieux que leurs contreparties de CD, mais l'attribuent à surmonter des différences.

Protection de Copie

SACD a plusieurs fonctions de prévention de copie au niveau physique qui, pour l'instant, semblent faire des disques SACD impossibles de copier sans recourir au trou analogue. Ceux-ci incluent la modulation de fosse physique et le chiffrage de 80 particules des données audio, avec une clef codée sur un secteur spécial du disque qui est seulement lisible par un dispositif SACD autorisé. La couche HD d'un disque SACD ne peut pas être jouée en arrière sur l'ordinateur CD/DVD des commandes, SACDs ne peut être créé non plus par les équipements de reproduction de disque autorisés dans Shizuoka et Salzbourg. [6]

Il est possible de capturer le signal audio digital DSD après l'étape de décryptage directement avant le digital aux convertisseurs analogues d'un joueur SACD, mais depuis il n'y a pratiquement aucune voie pour le public pour faire leurs disques SACD propres cela ne pose pas de menace principale.

Un certain nombre de nouveaux joueurs SACD ont chiffré IEEE 1394 (aussi appelé FireWire ou moi. La liaison) des productions digitales portant DSD des données et cela peut être possible d'obtenir les matières premières DSD des données de ces liaisons. Le mécanisme de protection utilisé est la Protection de Contenu de Transmission Digitale (DTCP), qui ne peut être utilisé dans "la Copie Une fois" ou "la Copie Jamais" des modes. C'est peu probable, cependant, que les règles de contrat de licence SACD ne permettent pas du tout "à la Copie Jamais" le mode d'être utilisées.

Il semble y avoir une solution pour obtenir la production non-DRM digitale sur SACD aussi bien que des joueurs DVD-A. Une société Basée en Suisse offre un conseil de production modifié qui profite datastream digital avant la conversion D/A aussi bien que convertissant DSD à PCM que le port S/PDIF peut transférer. [3]

Codec MP3

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:56:48 GMT

Un codec est un dispositif ou un programme capable de codage exécutant et décodant sur un flot de données digital ou un signal. Le codec de mot peut être une combinaison de n'importe laquelle de la chose suivante : 'Décompresseur de compresseur', 'Coder-décodeur', ou ' algorithme de Compression/Décompression '. Un endec est un semblable (mais différent) le concept pour le matériel. Au milieu du 20ème siècle, "un codec" était le matériel qui a codé des signaux analogues dans la modulation de Code d'impulsion (PCM) et decoded eux en arrière. Tard au siècle le nom est venu pour être appliqué à une classe de logiciel pour convertir parmi des formats de signal digitaux et incluant compander des fonctions. Les codec (dans le moderne, le sens de logiciel) codent un flot ou un signal pour la transmission, le stockage ou le chiffrage et le décodent pour voir ou éditer. Les codec sont souvent utilisés dans videoconferencing et des demandes de médias coulantes. Le convertisseur analogue-à-digital d'une caméra vidéo (ADC) convertit ses signaux analogues dans des signaux digitaux, que l'on passe alors par un compresseur vidéo pour la transmission digitale ou le stockage. Un dispositif de réception dirige alors le signal par un décompresseur vidéo, ensuite un convertisseur digital-à-analogue (DAC) pour l'exposition analogue. "Un codec" est un nom générique pour une unité de communication vidéo. Un compresseur audio convertit des signaux audio analogues dans des signaux digitaux pour la transmission ou le stockage. Un dispositif de réception convertit alors les signaux digitaux en arrière en analogue utilisant un décompresseur audio, pour la lecture. Les matières premières la forme codée de données audio et vidéo est souvent appelée l'essence, le distinguer de l'information metadata qui compose ensemble le contenu de l'information du flot et n'importe quelles données "d'emballage" qui sont alors ajoutées pour faciliter l'accès à ou améliorer la robustesse du flot. Qualité de Compression La plupart des codec sont lossy. À l'origine c'était pour faire les fichiers comprimés assez petits être aisément transmis à travers des réseaux non-à-large-bande et stocké sur des médias relativement chers, comme la mémoire non volatile et le disque dur par opposition aux formats beaucoup lisez une fois écrivez comme le CD-ROM et DVD. Il y a des codec sans perte mais pour la plupart des buts l'augmentation légère de la qualité ne vaut pas l'augmentation de la taille de données, qui est souvent considérable. L'exception principale à c'est si les données doivent subir plus loin le traitement (éditant par exemple ) dans le cas où la demande répétée de codec lossy (le codage répété et le décodage suivant) dégradera presque certainement la qualité du fichier édité tel que c'est aisément identifiable (visuellement ou distinctement ou tous les deux). L'utilisation plus qu'un codec ou l'arrangement de codage pendant que la création d'un produit fini peut aussi dégrader la qualité significativement (cependant est là beaucoup de situations où c'est presque inévitable). Le coût de diminution de capacité de stockage et la largeur de bande de réseau peut obvier au besoin de codec lossy pour quelques médias dans quelque temps. Beaucoup de codec sont conçus pour souligner les certains aspects des médias à être codé. Par exemple, un vidéo digital (l'utilisation d'un codec DV) d'un événement sportif, comme le base-ball ou le football, doit coder le mouvement bien, mais pas des couleurs nécessairement exactes, tandis qu'un vidéo d'une exposition d'art doit exécuter bien la couleur de codage et la texture superficielle. Il y a des centaines ou même des milliers de codec aux limites de ceux téléchargeable gratuitement aux coûtant aux centaines de dollars ou plus. Cela peut créer des questions d'obsolescence et la compatibilité. D'après le contraste, sans perte PCM audio (44.1 Khz, 16 particules stéréo, comme représenté sur un CD audio ou dans a .wav ou le fichier .aiff) offrent plus d'une norme persistante à travers des plates-formes multiples et dans quelque temps. Beaucoup de flots de données multimédia doivent contenir données tant audio que vidéo et souvent une certaine forme de metadata qui permet synchronisation de l'audio et vidéo. Chacun de ces trois flots peut être traité selon des programmes différents, des processus, ou le matériel; mais pour le flot de données multimédia pour être utile en forme stockée ou transmise, ils doivent être mis en capsule ensemble dans un format à conteneurs. Tandis que beaucoup de personnes expliquent qu'AVI est un codec, ils sont incorrects. AVI est de nos jours un format à conteneurs, que beaucoup de codec pourraient utiliser (bien que pas à la norme d'ISO). Il y a d'autres conteneurs alternatifs bien connus comme Ogg, ASF, QuickTime, RealMedia, Matroska, DivX, Codec audio Une des tendances les plus chaudes dans le monde cyber est les explosions de téléchargements vidéo de l'Internet, à votre ordinateur, votre dispositif de divertissement d'iPod-style, ou, de plus en plus, à votre téléphone portable. Microsoft a lancé sa version, MSN des Téléchargements Vidéo, qui donnent aux drogués vidéo toutes les sortes la programmation de télévision quotidienne, y compris le contenu vidéo de MSNBC.com, le Réseau d'Alimentation, FOX Sports and IFILM Corp., pour le téléchargement au Portable de Fenêtres des dispositifs basés. Depuis le lancement de Microsoft Windows le Centre de Médias Portatif À base de portable, plus de 20 nouveau contenu est l'associé, y compris CinemaNow Inc., MLB.com, MSNBC.com, MSN Musique, MTV Musique de Réseaux, Napster Inc., SnapStream and TiVo Inc., ont consenti à rendre le vidéo disponible en ligne spécifiquement formaté pour des Fenêtres des dispositifs multimédia À base de portable. Les gens souscrivant au service de prime de Microsoft peuvent choisir le contenu qu'ils veulent recevoir du site Web. Des vidéos digitaux sont téléchargés quotidiennement à un Joueur de Médias de Fenêtres 10 bibliothèque, prête à être synchronisé avec des Centres de Portable Media et d'autres dispositifs. Le contenu vidéo est docile avec des dispositifs qui jouent le vidéo et est optimisé pour des Centres de Portable Media. Google le Vidéo vous laisse fouiller dans les archives en croissance de contenu télévisé - tout d'événements sportifs aux documentaires de dinosaure aux programmes de nouvelles. En plus du contenu télévisé, Google vous laisse aussi accueillir le vidéo de quelqu'un qui veut télécharger le contenu. Le programme se téléchargeant vous laisse soumettre des vidéos électroniquement au Vidéo Google, tant que vous possédez les droits nécessaires (incluant des droits d'auteur, des marques déposées, les droits de publicité et des autres droits appropriés pour votre contenu). Juste l'utilisation l'outil se téléchargeant pour envoyer vos vidéos à Google. Avant d'aller en direct, votre vidéo ne doit passer un certain nombre de pas que vous pouvez suivre à la trace par votre compte. Après le téléchargement de votre vidéo, vous devez entrer à l'information sur votre vidéo, y compris son titre et description. Après la vérification, votre vidéo sera fait disponible pour des utilisateurs pour chercher, l'avant-première, l'achat et le jeu. À tout moment après que vous téléchargez votre vidéo à Google, vous aurez l'occasion d'ajouter plus de vidéos, mettrez à jour l'information sur chaque vidéo, ou enlèverez votre vidéo du programme. Formats de Non-compression * Format de Fichier d'Échange Audio (AIFF, format à conteneurs) * Format de Fichier d'Échange de Ressource (RIFF, format à conteneurs) * WAV - le format "de VAGUE" de Microsoft (formate la compression d'appuis, mais il est rarement utilisé) * La modulation de Code d'Impulsion Linéaire (LPCM, généralement seulement décrit comme PCM, note qu'AIFF, WAV et MLP est toutes les formes dérivées de LPCM) * Modulation d'amplitude d'impulsion (PAM) Compression de données Sans perte * Pomme Codec Audio Sans perte (ALAC) * Transfert de Flot Direct (DST) * Dolby TrueHD - Facultatif sans perte entourent le format du son utilisé par HD DVD et le Blu-rayon, il utilise MLP, mais ajoute des taux types plus hauts, des taux de particule et plus de canaux * DTS-HD le Maître Audio - Facultatif sans perte entourent le format du son utilisé par HD DVD et le Blu-rayon, on l'a précédemment connu comme DTS ++ et DTS-HD * Libérer le Codec Audio Sans perte (FLAC) * Sans perte Audio (LA) * Compression Audio Prophétique Sans perte (LPAC) * Sans perte Transforment la Compression Audio (LTAC) * MPEG 4 Codage Sans perte Audio (MPEG 4 ALS) * Le méridien l'Emballage Sans perte (MLP), aussi connu comme Empaqueté PCM (PPCM), c'est la méthode de compression sans perte standard pour le contenu DVD-Audio * Singe Audio (SINGE) * OptimFROG (OFR) * RealAudio Sans perte * RK Audio (RKAU) * Raccourcir (SHN) * Vrai Audio (TTA) * WavPack (WV) * Médias de Fenêtres 9 Audio Sans perte Compression de données Lossy Général ( Moyen à haut taux de particule) * Le différentiel Adaptatif (ou le Delta) la modulation de code d'impulsion (ADPCM, voir la modulation de Code d'impulsion) * ADX * Altération de taux Adaptative son Optimisé codeR (ARDEUR) * Adaptatif Transforment le Codage Acoustique (ATRAC, utilisé dans des dispositifs de Minidisque) * Dolby Digital (A/52, AC3) * DTS Acoustique Logique (DTS, Système de Théâtre Digital Acoustique Logique) * Impala FORscene codec audio * MPEG audio O couche 1 (MP1) O couche 2 (MP2) (MPEG 1, MPEG 2 et non-ISO MPEG-2.5) O couche 3 (MP3) (MPEG 1, MPEG 2 et non-ISO MPEG-2.5) O Codage Audio Avancé (AAC, MPEG 2 et MPEG 4) + IL-AAC O Lignes Harmoniques et Individuelles et Bruit (HILN, MPEG 4 Codage Audio Paramétrique) * Musepack * Codage Audio Percepteur * QDesign * TwinVQ * Vorbis * Médias de Fenêtres Audio (WMA) Voix ( Taux de particule bas, optimisé pour discours) * Excitation de Multi -bande Avancée (AMBE) * Le code Algébrique A excité la Prédiction Linéaire (ACELP) * Le code A excité la Prédiction Linéaire (CELP) * Continuellement la variable incline la modulation de delta (CVSD) * Norme de Discours Digitale (DSS) * Codec de Taux Variable Augmenté (EVRC) * FS-1015 (LPC-10) * FS-1016 (CELP) * ITU standards : O G.711 (une loi et µ - loi) O G.721 (remplacé par G.726) O G.722 + G.722.1 + G.722.2 (AMR-WB) O G.723 (24 et 40 kbit/s DPCM, extension à G.721, remplacé par G.726) O G.723.1 (MPC-MLQ ou ACELP) O G.726 (ADPCM) O G.728 (LD-CELP) O G.729 (CS-ACELP) + G.729a + G.729.1 * GSM codec : O Plein Taux O Moitié de Taux O Plein Taux Augmenté O Multi-taux Adaptatif (AMR) + AMR-WB + AMR-WB + * Excitation Vectorielle Harmonique Codant (HVXC) * Internet Codec de Taux de Particule Bas (iLBC) * Excitation de Multi -bande Améliorée (IMBE) * Discours d'Internet Codec Audio (iSAC) * Excitation Mélangée Prédiction Linéaire (MELP) * QCELP * Le code Détendu A excité la Prédiction Linéaire (RCELP) * RTAudio - utilisé par Microsoft Serveur de Communication Vivant * Mode Sélectionnable Vocoder (SMV) * Speex, brevet d'invention libre * Taux Triple CODER (TRC) - utilisé dans quelques enregistreurs de poche. * La somme Vectorielle A excité la Prédiction Linéaire (VSELP) Codec de Texte * Ogg Mandat Codec Vidéo Compression de données Sans perte * CorePNG * H.264 (aussi connu comme le MPEG 4 AVC ou le MPEG 4 Partie 10) - le Haut Profil soutient le codage sans perte. Mis en oeuvre par x264 et codec CoreAVC. * Huffyuv * Lagarith * LCL * MSU Codec Vidéo Sans perte * TSCC TechSmith Codec de Capture d'Écran Compression de données Lossy * Norme Vidéo Audio (AVS) * Merle FORscene codec vidéo * Cinepak * Dirac * Oiseau de feu [1] Original FORscene codec vidéo * H.261 * H.263 * MPEG 4 ASP (Profil Simple Avancé) ou MPEG 4 Partie 2 O 3ivx O Nero Digital O DivX O FFmpeg MPEG 4 O Xvid * H.264, aussi connu comme MPEG 4 AVC (Codage de Vidéo Avancé) ou MPEG 4 Partie 10 O CoreAVC O HDX4 O MainConcept O Nero Digital O QuickTime H.264 (MP4) O Sorenson AVC Pro codec, la nouvelle mise en oeuvre de Sorenson O Solutions de Logiciel d'Avant-garde O x264 * Indeo 3/4/5 * KVCD * MJPEG * MPEG 1 Vidéo * MPEG 2 Vidéo * MPEG 4 ASP (Profil Simple Avancé) * MPEG 4 AVC (Codage de Vidéo Avancé) est pratiquement le même comme H.264 Vidéo * On2 Technologies VP3, VP6, VP7, sous le nom la Société de Canard : TrueMotion S * Pixlet * RealVideo * Codec d'Ondelette de Neige * Tarkin * Theora * VC-1 (le codec vidéo primaire utilisé par HD DVD et Blu-rayon) * Vidéo de Médias de Fenêtres (WMV) O Format de Systèmes Avancé (ASF, Partie de la Série de Médias de Fenêtres) O CIRE (Partie de la Série de Médias de Fenêtres)

Flash MP3

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:56:20 GMT

Comment publier mp3 vivant playlist dans votre page Web La musique incorporée dans une page Web n'était pas toujours une fonction populaire, mais maintenant, des remerciements à un programme libre par Fabricio Zuardi, il est possible d'utiliser le Flash d'Adobe pour enfoncer de la musique d'une manière attrayante et sans ennuyer vos lecteurs. Parce que la technologie de Flash est si largement déployée, les utilisateurs de tous les navigateurs modernes et des systèmes d'exploitation seront capables d'entendre votre musique. Ce document décrit comment j'ai installé le Joueur de Musique XSPF À base de flash du Web. Pour suivre ces instructions vous avez besoin de l'accès à un serveur Web et à un tissu de base publiant des habiletés. Vous devriez être capables d'obtenir tout travaillant dans moins que la demi-heure. Ou vous pouvez prendre une approche différente en automatisant le processus entier avec le juke-box de ligne de commande de Tresse. Faites-vous rapprocher un problème au Flash MP3 le joueur ce n'est pas couvert par cet article ? Je suis disponible pour aider avec ceux-ci et ceux-là questions techniques. Utilisez la forme de contact pour demander une citation. Obtention XSPF Joueur Vous pouvez arriver à une idée de ce qu'un Flash incorporé MP3 le joueur ressemblera en cliquetant sur cette liaison à ma page d'exemple. Si vous aimez ce que vous voyez là, le début en téléchargeant la dernière version du joueur de Sourceforge. Le joueur est distribué dans un fichier de code postal que vous devrez déballer. Une fois que vous avez fait ainsi, copiez le fichier xspf_player.swf à une liste d'adresses sur votre serveur Web. Configuration du joueur : la page Web Pour faire le joueur jouent la musique de votre choix, vous devez créer deux fichiers texte qui contrôlent son comportement et s'assurent ensuite que les fichiers mp3 contenant la musique sont aussi disponibles. Dans cet exemple tous les fichiers seront stockés dans la même liste d'adresses sur le serveur où xspf_player.swf a été stocké, mais dans les installations plus complexes qui ne seraient pas nécessaires. Le Nouveau Panneau d'affichage de Musique permet au public d'écouter de la musique gratuitement de leur Artiste d'Indépendant préféré. La couverture de Panneaux d'affichage Traditionnelle la musique surtout dans la ligne du courant dominant, mais des Nouveaux Panneaux d'affichage de Musique montre des Chanteurs nouveaux et en haut et venants et des Bandes. Des Nouveaux Panneaux d'affichage de Musique montrent de la musique qui dirige le long du côté plus de musique dans la ligne du courant dominant ou commerciale et utilisait fréquemment le terme la musique d'Indépendant. De petites étiquettes ou des individus commercialisant leur musique propre participent souvent à la scène de Musique d'Indépendant. Il est important de découvrir des bandes inconnues parce qu'il y a tant de talent de musique là-bas qui manque simplement du marketing suffisant. Pendant les années 1990, la musique d'Indépendant est devenue répandue et a répondu un de plus en plus plus grand marché des gens qui cherchaient des alternatives aux institutions de musique dans la ligne du courant dominant. De la même manière cette "alternative” a été utilisée avant que ce ne soit devenu un genre réel de musique dans la ligne du courant dominant, l'Indépendant est parfois utilisé en place "de métro" comme un terme pour décrire de la musique. Il y a beaucoup de places en ligne où vous pouvez télécharger la musique d'Indépendant gratuitement . Une des meilleures ressources est notre site à Newmusicbillboard.com Le devenir d'impliqué dans la scène de musique d'Indépendant typiquement et fait parfois toujours, exige que se déplaciez à une ville ou à une ville où il y a une scène de musique d'Indépendant active. Traditionnellement, agrafant avec d'autres artistes et des supporters était une façon de construire votre carrière comme un nouvel artiste. Des musiciens assaisonnés et de nouveaux artistes ont maintenant l'occasion d'enregistrer et publier leur musique du confort de leur studio propre. Le revenu peut être fait de construire une base de supporter et en vendant des marchandises, des billets de concert et le CD traditionnel. Une page Web minimale que montre le joueur de musique de Flash y ressemble : html head titleFlash MP3 Playlist/title /head p This is a test of the Flash MP3 player /p object type="application/x-shockwave-flash" width="400" height="170" data="xspf_player.swf?playlist_url=playlist.xspf" param name="bgcolor" value="#E6E6E6"/ param name="movie" value="xspf_player.swf?playlist_url=playlist.xspf"/ /object /body /html Insérez ce texte dans un fichier nommé index.html et sauvez-le dans votre annuaire du Web. Si vous avez une page préexistante à laquelle vous voudriez ajouter le joueur de musique de Flash, la seule partie dont vous avez besoin est le bloc de texte ci-joint par les étiquettes "d'objet". Le code de HTML utilisé travaillera ici avec tous les navigateurs modernes. Si vous voulez aussi soutenir des navigateurs plus vieux comme Netscape 4.7 qui utilise l'étiquette "s'enfonçant", la page d'Aldrin Hanley a des instructions supplémentaires. La statistique j'ai regardé l'exposition que Netscape 4.7 est maintenant une petite fraction d'un pour cent de tous les navigateurs dans l'utilisation. Il est possible de personnaliser ce code, mais non vraiment nécessaire. Aux deux points où le texte "playlist_url=playlist.xspf" arrive, c'est posssible pour substituer n'importe quel URL valable au texte "playlist.xspf", qui définit l'emplacement du fichier playlist que nous utiliserons pour définir une liste de chansons à être joué. Vous pourriez le faire si votre playlist a été stocké sur un autre serveur, par exemple, ou dans une autre liste d'adresses sur votre serveur propre. Dans cet exemple, le playlist sera stocké dans la même liste d'adresses que la page Web, donc le code est correct comme donné. Le playlist (XSPF) fichier Le fichier playlist est dans un format source ouvert appelé XSPF, qui est décrit en détail sur le site Web XSPF À http://xspf.org/quickstart. Cependant, le joueur XSPF ne prête pas d'attention à toutes les étiquettes définies par XSPF, donc nous expliquerons peu d'étiquettes vous avez besoin par l'exemple. Playlist minimal y ressemble : xml version="1.0" encoding="UTF-8" playlist version="0" xmlns = "http://xspf.org/ns/0/" title My Music /title trackList track locationsong1.mp3/location imagesong1.jpg/image creatorArtist 1/creator titleSong 1/title /track track locationsong2.mp3/location imagesong2.jpg/image creatorArtist 2/creator titleSong 2/title /track /trackList /playlist Ce fichier définit un playlist nommé "Ma Musique" qui contient deux chansons, song1.mp3 et song2.mp3. Il y a l'art d'album pour chaque chanson dans les fichiers song1.jpg et song2.jpg. Le joueur de musique montrera le créateur et le titre de chaque chanson dans le playlist. Naturellement, vous devrez personnaliser ce fichier pour refléter la musique que vous voulez en réalité jouer, en substituant les noms d'artistes réels et des chansons pour "l'Artiste 1," "la Chanson 1," et cetera. De même "song1.mp3" devrait être remplacé par le nom d'un fichier MP3 réel. Comme vous faites vos changements, gardez les règles suivantes à l'esprit : * L'étiquette de titre playlist, qui contient "Ma Musique" ici, est facultative, mais si vous ne l'incluez pas le Joueur XSPF montrera le texte "Non défini - le Clic pour Commencer" où le titre serait normalement . * Le créateur et les étiquettes de titre pour chaque trace sont aussi facultatifs, mais ils sont la meilleure façon de définir le texte descriptif pour chaque trace, sauf que... * ... Vous pouvez aussi utiliser une étiquette comme "l'annotation le texte Descriptif / l'annotation " en place des étiquettes de titre et le créateur. * Vous pouvez utiliser l'art d'album dans n'importe quelle taille commode parce qu'il sera redimensionné pour adapter l'espace disponible. Les étiquettes d'image sont aussi facultatives et si omis, aucun art d'album ne sera montré. * Les valeurs de l'image et les étiquettes d'emplacement peuvent être URLs, qui signifie que vos fichiers mp3 et l'art d'album peuvent être placés n'importe où dans le monde, tant que vous avez le droit de les utiliser là. Après que vous avez personnalisé le fichier playlist pour répondre à vos besoins, le sauvez dans la même liste d'adresses sur votre serveur où index.html est stocké, sous le nom playlist.xspf. Note importante : si vous modifiez ce fichier après le chargement de MP3 incorporé playlist au moins une fois, vous devrez purifier votre cachette de navigateur ou probablement y rebaptiser même le fichier et les références, avant que votre navigateur n'enregistre les changements que vous faites. L'heure de vérité Finalement, vous devez vous assurer que les fichiers mp3 et, facultativement, l'art d'album, dans votre playlist sont stockés dans la même liste d'adresses que le reste des fichiers. Ils doivent être nommés exactement comme dans le fichier XSPF (dans l'exemple, song1.mp3 et song2.mp3). Laissez-nous dire que la liste d'adresses sur votre serveur où vous avez sauvé les fichiers est nommée "mp3" et votre serveur sont à www.example.com. Si vous dirigez maintenant votre navigateur à http://www.example.com/mp3/ Vous devriez voir le joueur de musique de Flash avec succès incorporé dans une page Web. Extensions Le joueur peut être personnalisé de plusieurs façons en ajoutant des variables complémentaires à la fin des deux points dans le bloc d'objet qui définissent l'emplacement du joueur. Par exemple, si vous remplacez la chose suivante pour l'objet bloque votre fichier index.html, autojeu et on permettra repeat_playlist : object type="application/x-shockwave-flash" width="400" height="170" data="xspf_player.swf?playlist_url=playlist.xspf&autoplay=true &repeat_playlist=true" param name="bgcolor" value="#E6E6E6"/ param name="movie" value="xspf_player.swf?playlist_url=playlist.xspf&autoplay=true &repeat_playlist=true"/ /object ( Chaque ligne qui commence par "un et" le caractère est une suite de la ligne précédente. Dans votre fichier index.html, joignez ces lignes dans une longue ligne sans aucun espace blanc.) la Page d'accueil de Joueur XSPF à inscrit http://musicplayer.sourceforge.net des variables complémentaires que vous pouvez trouver utile. Gardez à l'esprit qu'utilisant l'autojeu fera une page Web très désagréable à quelques lecteurs. La largeur et la hauteur, ici 400 et 170, sont seulement suggérés des valeurs, parce que le joueur se redimensionnera en réalité pour s'accorder indépendamment du rectangle de taille que vous définissez. Si vous avez particulièrement longtemps playlist, vous pouvez augmenter la hauteur à quelque chose de plus approprié. En entrant l'autre direction, vous pouvez obtenir un effet de mini-joueur chic en mettant la hauteur à 15. Si vous voulez un joueur de musique qui remplit la fenêtre de navigateur entière plutôt qu'être incorporé dans une page Web, vous ne pouvez charger l'objet de Flash directement, aucune page Web nécessaire. Dans notre exemple, l'URL serait : Http: // www.example.com/mp3/xspf_player.swf ? Playlist_url=playlist.xspf ( Branchez dans votre barre d'emplacement de navigateur, ajustant le nom de domaine et le sous-répertoire convenablement). Vous devriez être capables d'utiliser le joueur dans ce mode donné les fichiers que vous avez déjà créés sur votre serveur Web.

Festival Musique

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:55:51 GMT

Un festival est un événement, d'habitude organisé par une communauté locale, qui se concentre sur un certain aspect unique de cette communauté.

Parmi beaucoup de religions, un banquet ou un festival sont un jeu de célébrations dans l'honneur de Dieu ou des dieux. Un banquet et un festival sont historiquement interchangeables. Cependant, le terme "le banquet" est aussi entré au langage laïc commun comme un synonyme pour n'importe quel repas grand ou complexe. Quand utilisé comme dans la signification d'un festival, le plus se réfère souvent à un festival religieux plutôt qu'un film ou un festival d'art.

Dans le calendrier liturgique Chrétien il y a deux banquets principaux, correctement connus comme le Banquet de la Nativité de notre seigneur (le Noël) et le Banquet de la Résurrection, (le Pâques). Dans l'Orthodoxe Catholique, Oriental et des calendriers liturgiques anglicans il y a un grand numéro de banquets moindres pendant l'année commémorant des saints, des événements sacrés, des doctrines, etc.

Étymologie

Le mot fest provient du Moyen anglais, du Moyen mot français festivus, du mot latin festivus. Le festival a été d'abord enregistré comme un nom dans 1589. Avant qu'il n'ait été utilisé comme un adjectif du quatorzième siècle, signifiant de célébrer un jour férié d'église. L'étymologie de banquet est très semblable à celui de festival. Le mot "feste" (une lettre différente de "fest") vient du Moyen anglais, du Moyen français, du mot latin festa. Le banquet est d'abord entré en utilisation comme un nom environ 1200 et le banquet a été utilisé comme un verbe environ 1300. [1]

Fonction

Les festivals, de beaucoup de types, servent pour répondre aux besoins spécifiques, aussi bien que fournir le divertissement. Cette fois de célébration offrent le sens de l'appartenance pour des groupes religieux, sociaux, ou géographiques. Les festivals modernes qui se concentrent sur des sujets culturels ou ethniques cherchent à informer les membres de leurs traditions. Dans la fois passée, des festivals étaient des temps où les histoires partagées âgées et ont transféré la certaine connaissance à la génération suivante. Des banquets historiques fournissaient souvent le moyen pour l'unité parmi des familles et pour les gens pour trouver des camarades de travail. Les anniversaires d'élite ont des festivals annuels pour commémorer des présences significatives précédentes.

Les types de festivals

Il y a les nombreux types de festivals dans le monde. Quoique plusieurs aient des origines religieuses, d'autres impliquent le changement saisonnier ou ont un peu de signification culturelle. Aussi de certaines institutions célèbrent leur festival propre (souvent appelé "fests") pour marquer quelques occasions significatives dans leur histoire. Ces occasions pourraient être le jour ces institutions ont été fondées ou un autre événement qu'ils décident à comemorate périodiquement, d'habitude annuellement.

Des festivals saisonniers sont décidés par le solaire et les calendriers lunaires et par le cycle des saisons. Le changement de la saison a été célébré à cause de son effet sur la provision d'alimentation. Des Egyptiens Antiques célébreraient l'inondation saisonnière causée par la Rivière du Nil, une forme d'irrigation, qui a fourni la terre fertile pour la récolte. Aux Alpes, à automne le retour du bétail des pâturages de montagne au stables dans la vallée est célébré comme Almabtrieb. Un festival reconnu d'hiver, le Nouvel An chinois, est mis par le calendrier lunaire et célébré du jour de la deuxième nouvelle lune après le solstice d'hiver.

"Fests"

De certaines institutions décident d'annuellement commémorer des certains événements spéciaux significatifs à leur histoire. Ces institutions sont des instituts d'habitude éducatifs comme des collèges et des lycées ou secondaires, secondaires seniors. De tels festivals sont d'habitude appelés "fests". Les exemples d'un tel fests sont :

* Alcheringa D'IIT GUWAHATI,
* Moksha de Delhi NSIT,
* Kshitij D'IIT KHARAGPUR,
* THOMSO d'IIT Roorkee, Roorkee, Uttrakhand, l'Inde
* Pegasus de Collège Médical Chrétien, Vellore, l'Inde.
* La Mecque de Collège hindou, Delhi.
* Rendez-vous IIT Delhi.
* Saarang d'IIT Madras, Chennai.
* Cyanure de DCET, Chandigarh.
* PECFest de PEC, Chandigarh.
* Goonj d'UIET, Chandigarh.
* Zodiaque de R.G.I.T., Mumbai.

Général

La Musique Woodstock et la Foire D'art étaient un événement historique tenu à 600 acres de Max Yasgur (2.4 km ²) la ferme laitière dans la ville rurale de Bethel, New York du 15 août au 18 août 1969. Bethel (Sullivan le Comté) est 43 milles au sud-ouest de la ville de Woodstock, New York, qui est dans le Comté d'Ulster étant contigu.

À plusieurs, le festival a donné un exemple de la contreculture des années 1960 et "l'ère hippie." Trente-deux des musiciens les mieux connus de cette période ont apparu pendant le week-end parfois pluvieux. Quoique les tentatives aient été faites au cours des années pour recréer le festival, l'événement original a prouvé pour être unique et légendaire. Il est largement considéré comme un des concerts les plus grands dans l'histoire de musique et a été inscrit sur 50 Moments du Vagabond qui Changé l'Histoire de Rock 'n' roll. [1]

L'événement a été capturé dans un film de 1970 couronné de succès, Woodstock et la chanson de Joni Mitchell "Woodstock", qui a perpétué l'événement, est devenu un coup principal pour Crosby, Stills, Nash et Jeune. Le concert a signalé la fin du prétendu "la Génération de Fleur."

Introduction

Woodstock a été idéalisé dans la culture populaire américaine comme un des événements maximaux du mouvement hippie - un festival où presque 500,000 "hippies" sont venus ensemble pour célébrer. À l'époque il a tenu le rapport pour le plus grand auditoire de musique dans le monde jusqu'à ce que l'Embouteillage D'été à la Vallée encaissée Watkins en 1973 ait tenu encore 100,000 personnes. Yippie l'activiste Abbie Hoffman a cristallisé cette vue de l'événement dans son livre, Woodstock la Nation, écrite peu après.

Bien que le festival soit remarquablement paisible donné le numéro des gens et des conditions impliquées, il y avait trois accidents : un d'un surdosage de drogue; autre causé par un sac de couchage occupé accidentellement étant écrase par un tracteur dans une prairie voisine; et un tiers où un participant de festival a diminué un échafaudage. [La citation nécessaire] était Là aussi trois erreurs et deux naissances enregistrées à l'événement. [La citation nécessaire] le témoignage Oral dans le film soutient le surdosage et écrasé des morts et au moins une naissance, avec beaucoup de maux de tête logistiques colossaux. En outre, parce que Woodstock n'a pas été destiné pour une si grande foule, il n'y avait pas assez de ressources comme des toilettes portatives et des tentes de premiers secours.

Woodstock a commencé comme une entreprise à but lucratif; c'est seulement devenu un festival libre après qu'il est devenu évident que le concert dessinait des centaines de milliers de plus de personnes que les organisateurs avaient préparé puisqu'et que la barrière avait été déchirée vers le bas en désirant, des arrivées non munies d'un billet. Les billets pour l'événement coûtent US$18 d'avance (approximativement US$100 aujourd'hui ajusté pour l'inflation) et 24 $ à la porte pendant tous les trois jours. Les ventes de billet ont été limitées pour enregistrer des magasins dans le secteur de New York plus grand, ou par le courrier via une Boîte postale à la Poste de Station de Ville de Radio placée dans le Centre ville le Manhattan.

Encore, dans l'air avec les espoirs idéalistes des années 1960, Woodstock a satisfait la plupart des participants. Particulièrement mémorable étaient le sens d'harmonie sociale, la qualité de musique et la foule accablante, beaucoup de robe Bohème sportive, comportement et des attitudes. [2]

Le son pour le concert a été construit par Bill Hanley, dont les innovations dans l'industrie du son l'ont gagné la Récompense de Parnelli prestigieuse. "Il a travaillé très bien," dit-il de l'événement. "J'ai construit l'orateur spécial des colonnes sur les collines et avais 16 tableaux de haut-parleur dans une plate-forme carrée montant à la colline sur des tours de 70 pieds. Nous le fondons pour 150,000 à 200,000 personnes. Bien sûr, 500,000 démasqué."

Artistes d'Exécution et ordre d'événements
Un cachet commémorant le concert original

Comment fort jouez-vous ?
Frappez-vous vos tambours aussi durement que vous pouvez pour produire un son plus fort ? - Il y a des façons de produire des sons très forts sans frapper vos tambours très durement, tout d'abord. Des techniques de coup différentes par exemple et certainement sont là les types différents d'équipement qui peut vous aider à réaliser des coups très forts. En pratiquant, la plupart des batteurs n'ont pas leurs batteries mic'ed. Mais o un tambour de cabriolet mics est utilisé partout l'étape et la batterie. Le changement de la position des microphones peut parfois résolument changer le son complet du tambour et le volume produit.

Maintenant je comprends certainement que quelques batteurs aiment jouer "durement", mais la réalité consiste en ce que tous les tambours, des chefs de tambour et des cymbales ont un seuil de volume. Ce seuil est le point où, aucune mère combien plus durement vous les frappez, les instruments ne vous donneront pas le son musical désormais utilisable. Quand vous excédez les limites d'impact alors quelque chose doit donner doesnâ€ ™ t cela ?

Whatâ€ ™ s arrivant vraiment ?
Letâ€ ™ s identifient quelques scénarios possibles.

1. Vos tambours arenâ€ ™ t mic'd du tout et tous les autres dans la bande jouent très fort.
Vous jouez aussi durement comme vous pouvez ainsi les tambours pouvoir entendez.

2. Vous avez des tambours, des chefs de tambour et les cymbales qui ne sont pas conçues pour les styles musicaux (ou pour l'utilisation dans l'environnement musical) que vous exécutez. Donc, vous essayez à physiquement la livre plus d'eux qu'ils peuvent produire.

3. Votre batterie est mic'd, mais vous êtes dans l'habitude de jeu si physiquement durement, que les technologies du son vous rejettent dans le mélange.

Faites face à la réalité
Si youâ€ ™ re jouant dans une bande très forte et vous n'êtes pas mic'ing votre batterie, donc vous pouvez, en effet, frapper votre mécanisme dans des pièces, afin d'être entendu. Jusqu'à un point, le choix de plus grands bâtons, des chefs de tambour plus durables et des cymbales plus lourdes peuvent vous aider. Mais, même ceux-ci ont leur seuil de volume comme mentionné ci-dessus.

Fort, très fort et hé homme! Je ne peux pas entendre mes tambours!
Si la réalité consiste en ce que votre joueur de guitare a Marshall empilez plus grand que des réfrigérateurs et même vous, ne pouvez pas entendre vos tambours, donc vous avez vraiment besoin de microphones sur votre kit. Et un peu de protection d'oreille sérieuse, aussi.

Je suis au cabriolet juste, mais j'ai apporté le faux mécanisme
Bien, docteur John. Jouez-vous le mécanisme qui est juste le juste pour le cabriolet ? Si vous jouez vraiment fort vous devez vous rendre compte qu'un 15â€ø réduisent la cymbale d'accident de poids et des tambours enveloppés comme des vieux jeux de studio scolaires juste ainâ€ ™ t allant pour le couper. Les tailles de tambour, des chefs de tambour et des cymbales, conçues pour des niveaux de volume forts peuvent être la solution pour la rupture que vous éprouvez. Mais seulement jusqu'à leurs limitations propres.

On peut entendre vous sans vous tuer
Si vous utilisez la sorte appropriée de mécanisme et encore vous cassez constamment des composants, afin d'être entendu alors vous avez certainement besoin à mic de votre kit. Avec todayâ€ ™ s le mécanisme de renfort moderne du son, disponible aux prix raisonnables, vous ne devriez pas endommager vos tambours et cymbales pour être entendu. En fait, l'achat de mic's va terminer de vous sauver un certain argent comptant.

Le premier jour, qui a officiellement commencé à 17h08 par Richie Havens, a montré des artistes populaires.

* Richie Havens (s'est ouvert le festival - a exécuté 7 bis)
      1. Haut Flyin ' Oiseau
      2. Je Ne peux pas Le faire Désormais
      3. Avec un peu d'Aide de Mes Amis
      4. Champs de Fraises Pour toujours
      5. Hé Jude
      6. J'Avais une Femme
      7. Beau Johnny
      8. Enfant de Liberté/Sans mère
* Swami Satchidananda - a donné l'invocation pour le festival
* Pays Joe McDonald, jeu séparé joué de sa bande, le Poisson
      1. Je Me trouve Vous manquant
      2. Rockin Dans le monde entier
      3. Flyin ' Haut Dans le monde entier
      4. Vu une Fusée Flyin '
      5. "Le Poisson" Cheer/I-Feel-Like-I'm-Fixin '-To-Die Chiffon
* John Sebastian
      1. Comment Vous ont Été
      2. Arc-en-ciel Sur Votre Blues
      3. J'Avais un Rêve
      4. Darlin ' Être À la maison Bientôt
      5. Jeune génération
* Sweetwater
      1. Ce qui est faux
      2. Enfant Sans mère
      3. Regarder dehors
      4. Pour l'Amour de Pete
      5. Chanson de Jour
      6. Araignée de Cristal
      7. Deux Mondes
      8. Pourquoi Oh Pourquoi
* Bande de Corde Incroyable
      1. Invocation
      2. La Lettre
      3. Ce Moment
      4. Quand Vous Découvrez qui Vous Êtes
* Bert Sommer
      1. Jennifer
      2. La Route Pour Voyager
      3. Je Me suis demandé Où Vous Être
      4. Elle est Partie
      5. Choses Vont ma Voie
      6. Et Quand c'est Fini
      7. Jeanette
      8. L'Amérique
      9. Une Note qui Lu
      10. Sourire
* Tim Hardin, un jeu horaire
      1. Si j'Étais un Charpentier
      2. Roses Brumeuses
* Ravi Shankar, avec un jeu à 5 chansons, joué par la pluie
      1. Raga Puriya-Dhanashri/Gat Dans Sawarital
      2. Tabla Solo Dans Jhaptal
      3. Raga Manj Kmahaj
      4. Iap Jor
      5. Dhun Dans Kaharwa Tal
* Melanie
      1. Réglage d'accord de Ma Guitare
      2. Les Beaux Gens
* Arlo Guthrie - ordre de liste de jeu inconnue
      1. Entrée en Los Angeles
      2. Descente de la Ligne
      3. Histoire de Moïse et le Brownies
      4. La grâce Étonnante (qui a fermé le jeu)
* Jeanne Baez
      1. L'histoire comment le Fédéral Marshalls est venu pour prendre David Harris dans la garde.
      2. Joe Hill
      3. Bonbon monsieur Galahad
      4. Camion de Pharmacie Conduisant Homme
      5. Sud Ensoleillé Doux
      6. Amour Chaud et Tendre
      7. Balancer Char Doux Bas
      8. Nous Surmonterons

Baez Source : Arthur Levy, commentateur des éditions étendues du 12 CD de Jeanne Baez sur Avant-garde

samedi, le 16 août

Le jour ouvert à 12h15 et montré un peu d'événement le plus grand psychédélique et la guitare balance headliners.

* Cannette, quarante jeu infime de quatre chansons
      1. Ils Vivent la Vie
      2. BBY
      3. Waitin ' Pour Vous
      4. Embouteillage
* Keef Hartley Bande
      1. Mouche espagnole
      2. Croire En Vous
      3. Balancer-moi Bébé
      4. Mélange
      5. Leavin ' Tronc
      6. Sinnin ' Pour Vous
* Santana
      1. Attente
      2. Vous Ne vous souciez pas Juste
      3. Sauveur
      4. Chauvin
      5. Persuasion
      6. Sacrifice d'Âme
      7. Fait frire Neckbones
* Chaleur En conserve
      1. Un Changement Va Viennent/Laissent Cette Ville
      2. Montée du Pays
      3. Travaillons Ensemble
      4. Woodstock Boogie
* Montagne, jeu horaire incluant Jack Bruce "Thème Pour un Imaginaire Occidental"
      1. Sang du Soleil
      2. Orageux lundi
      3. Longtemps Rouge
      4. Qui Est je, mais Vous Et le Soleil
      5. À côté de la Mer
      6. Pour la Ferme d'Yasgur (alors non intitulé)
      7. Vous et Moi
      8. Thème Pour un Imaginaire Occidental
      9. Attente Pour Vous emporter
      10. Les rêves de Lait et Miel
      11. Aveugle
      12. Chaussures de Cuir suédé Bleues
      13. Train En direction du sud
* Janis Joplin (Exécuté 2 bis; morceau de Mon Coeur et Boule et Chaîne)
      1. Lever Votre Main
      2. Aussi Bon que Vous avez Été à Ce Monde
      3. Aimer Quelqu'un
      4. Été
      5. Essai (Juste Un peu Plus durement)
      6. Kosmic Blues
      7. Ne peut pas Vous tourner Lâche
      8. Travailler Moi seigneur
      9. Morceau de Mon Coeur
      10. Boule et Chaîne
* Rusé et la Pierre de Famille commencée à 1h30 (3 bis. En réalité joué juste avant Le qui )
      1. M’Lady
      2. Chanter une Chanson Simple
      3. Vous Pouvez Le faire si Vous Essayez
      4. Les gens Quotidiens
      5. Danse à la Musique
      6. Je Veux Vous prendre Plus haut
      7. Ville d'Amour
      8. Stand!
* Reconnaissant Mort
      1. St. Stéphane
      2. Mère A essayé
      3. D'étoile/temps Sombre
      4. Allumer Votre Lumière d'Amour

L'exécution de Dead reconnaissant a été tourmentée par des problèmes techniques, y compris une raison électrique défectueuse (quel leur machiniste a insisté en fixation avant l'exécution de la bande) et des membres Jerry Garcia et Bob Weir annoncé obtenant choqué chaque fois ils ont touché leurs guitares. Tandis que le métrage de contrebande et audio de cette exécution existe, le Mort appelé sur cela leur exécution la plus mauvaise jamais et ils ont été laissés du film. Une fois, Jerry Garcia apparaît dans le film tenant un joint, l'énonciation, "de la Marijuana. Annexe A."

* Creedence Clearwater Reprise
      1. Né sur le Bayou
      2. Rivière Verte
      3. Quatre-vingt-dix-neuf et demi (Ne fera pas)
      4. Commotion
      5. De contrebande
      6. Mauvaise Augmentation de Lune
      7. Marie Fière
      8. Je Jeté un sort Sur Vous
      9. Temps de Nuit est le Temps Juste
      10. Continuer Chooglin '
      11. Suzy Q
* Le qui a commencé à 3h00, commençant un jeu à 24 chansons incluant Tommy
      1. Ciel et Enfer
      2. Je Ne peux pas Expliquer
      3. C'est un Garçon
      4. 1921
      5. Voyage Étonnant
      6. Étincelles
      7. Vue à l'Aveugle
      8. Noël
      9. Tommy Can Vous m'Entend ?
      10. Reine Acide
      11. Magicien de Flipper
      12. Abbie Hoffman l'Incident (voir la section ci-dessous)
      13. Violon De
      14. Il y a un Docteur
      15. Aller au Miroir
      16. Briser le Miroir
      17. Je suis Libre
      18. Le camp de Jour férié de Tommy
      19. Nous n'Allons pas Le prendre
      20. Voir-moi, Sentez-moi
      21. Blues d'Été
      22. Shakin ' Partout
      23. Ma Génération
      24. Oeil Nu
* Jefferson l'Avion a commencé à 8h00 par un jeu à huit chansons, le panneau de recouvrement de la nuit le marathon.
      1. Volontaires
      2. Quelqu'un Pour Aimer
      3. L'Autre Côté de Cette Vie
      4. Amateur Fantastique En plastique
      5. Ne faites pas Vous Essai/Samedi Après-midi
      6. Jour Bleu esquimau
      7. Oncle Sam Blues
      8. Lapin Blanc

Original Woodstock Affiche avec le Wallkill, emplacement de New York

dimanche, le 17 août à lundi, le 18 août

Joe Cocker était le premier acte sur le dernier le jour officiellement réservé (dimanche); il a ouvert les événements du jour à 14h00.

* Joe Cocker
      1. Dame de Delta
      2. Quelque chose Comin ' Sur
      3. Allons Sont Dénoyauté
      4. Je Serai Libéré
      5. Avec un peu d'Aide de Mes Amis
* Après le jeu de Joe Cocker, une tempête a perturbé les événements pendant plusieurs heures.
* Le pays Joe et le Poisson a repris le concert autour 18h00.
      1. Roche et Musique d'Âme
      2. Chose Appelée Amour
      3. Machine d'Amour
      4. "Le Poisson" Cheer/I-Feel-Like-I'm-Fixin '-To-Die Chiffon
* Dix ans Après
      1. Bonjour petite Écolière
      2. Je Ne peux pas Empêcher de Pleurer Parfois
      3. Je Peux Avoir tort, Mais je n'Aurai pas tort Toujours
      4. Entendre-moi Appel
      5. Je Vais À la maison
* La Bande - liste de Jeu confirmée via le livre de Gouvernail Levon "Cette Roue à Feu"
      1. Fièvre de Coffre
      2. Les larmes de Colère
      3. Nous Pouvons Parler
      4. Ne faire pas Vous Dites à Henry
      5. Ne le faire pas
      6. N'est pas No Plus de Canne
      7. Voile Longtemps Noir
      8. Cette Roue à Feu
      9. Je Serai Libéré
      10. Le Poids
      11. Amour de Vous Est Plus gentil que Jamais
* Sang, Sueur et Larmes conduites dans l'heure de minuit avec cinq chansons.
      1. De plus en plus
      2. Je Vous aime Bébé Plus que Vous Sait Jamais
      3. Rouet
      4. Je Suis accusé
      5. Quelque chose Comin ' Sur
* Johnny Winter montrant Edgar Winter, son frère, sur deux chansons.
      1. Mère, Parlez à Votre Fille
      2. Dire la Vérité
      3. Johnny B. Goode
      4. Six pieds Dans la Raison
      5. Blues/roche de Leland Mississippi Moi Bébé
      6. Mistreater Moyen
      7. Je Ne peux pas Le supporter (Avec Edgar Winter)
      8. Route de Tabac (Avec Edgar Winter)
      9. Signifier Blues de Ville
* Crosby, Stills, Nash et Jeune a commencé autour 3h00 par des jeux acoustiques et électriques séparés.
      O Jeu Acoustique
      1. Suite : Judy Blue Regarde
      2. Merle
      3. D'un air impuissant Espoir
      4. Guinnevere
      5. Marrakesh Express
      6. 4 + 20
      7. M. Soul
      8. Wonderin '
      9. Vous Ne devez pas Pleurer
      O Jeu Électrique
      1. Pré route Downs
      2. Longue période de temps Partie
      3. Oiseau bleu
      4. Mer de Folie
      5. Bateaux En bois
      6. Trouver le Coût de Liberté
      7. 49 Au-revoir-Byes
* Bande de Blues de Paul Butterfield
      1. Tout Va Être Bien
      2. Driftin '
      3. Né Sous un Mauvais Signe
      4. Lever du soleil du Matin
      5. Mars d'amour
* Sha-Na-Na
      1. Na Na Thème
      2. Yakety Yak
      3. Teenager Angel
      4. Roche de Prison
      5. Bien essuyer
      6. Livre d'Amour
      7. Duc de Comte
      8. À l'Étape
      9. Na Na Thème
* Jimi Hendrix. La pleine liste de l'exécution Woodstock d'Hendrix :
      1. Message pour Aimer
      2. Entendre Mon Train un Comin '
      3. Magie de Château espagnole
      4. Maison Rouge
      5. Cerveau
      6. Homme d'Amateur
      7. Dame Rusée
      8. Embouteillage en arrière à la Maison
      9. Izabella
      10. Feu
      11. Femme de Bohémien
      12. Envoûter Enfant (Retour Léger) / tremplin
      13. La Bannière Ornée de paillettes d'étoile
      14. Brume Pourpre
      15. Woodstock Improvisation/Villanova Jonction
      16. Hé Joe

Apparences Annulées

* Jeff Beck le Groupe a été prévu pour exécuter à Woodstock, mais a échoué à faire une apparition parce que la bande a rompu la semaine auparavant.
* Le papillon de Fer a été collé à un aéroport et leur manager des hélicoptères exigés et des dispositions spéciales juste pour eux. Ils étaient de câble arrières et ont dit, aussi impoliement que l'Union Occidentale permettrait, "se perdre", mais dans d'autres 'mots'.
* Neil Young a joint Crosby, des Images fixes et Nash, mais a refusé d'être filmé; selon son rapport propre, Jeune senti le tournage distrayait les deux interprètes et auditoire de la musique. Young "la Mer de Folie," entendu sur l'album, a été en réalité enregistré un mois après le festival au dancing Est Fillmore.
* Joni Mitchell a été désigné pour exécuter mais son agent l'a informée qu'il était plus important qu'elle apparaît sur "l'Exposition de Dick Cavett" lundi, avec son auditoire national, plutôt que "restent assis dans un champ avec 500 personnes." Ironiquement David Crosby et Stéphane Stills aussi bien que l'Avion Jefferson (qui tout exécuté au festival) l'a aussi fait à l'exposition. Elle a écrit et a enregistré la chanson "Woodstock" qui était aussi un coup principal pour Crosby, Stills, Nash et Jeune.
* La bande canadienne que le Phare a été à l'origine prévue pour jouer à Woodstock, mais dans la fin ils a décidé pas à, craignant que ce serait une mauvaise scène. Plus tard, plusieurs membres du groupe diraient qu'ils ont regretté la décision.

Invitations Refusées

* Les promoteurs sont entrés en contact à avec John Lennon, demandant aux Beatles d'exécuter. Lennon a dit qu'il ne pouvait pas obtenir les Beatles, mais a offert de jouer avec son Plastique Ono la Bande. Les promoteurs l'ont rejeté.
* On a considéré les Portes comme une bande d'exécution de potentiel, mais annulé au dernier moment. Contrairement à la croyance populaire, cette présence n'a pas été rapprochée d'une certaine façon de mener l'arrestation du chanteur Jim Morrison pour l'attentat à la pudeur en exécutant plus tôt cette année; l'annulation était la plus probable en raison du dégoût connu et vocal de Morrison pour exécuter dans des grands rendez-vous extérieurs. [3] Là était aussi largement la légende de diffusion que Morrison, dans un accès de la paranoïa, était craintive que quelqu'un prendrait un tiré lui tandis qu'il était théâtral. [La citation nécessaire] le Batteur John Densmore a suivi; dans le film, on peut voir lui sur le côté de l'étape pendant le jeu de Joe Cocker.
* Mené Zeppelin a demandé pour d'exécuter, leur manager Peter Grant la déclaration, "on nous a demandé de faire Woodstock et l'Atlantique était très aiguë et était si notre promoteur américain, Frank Barcelona. Je n'ai pas dit parce qu'à Woodstock nous aurions juste été une autre bande sur la facture." "Mené Zeppelin : les Fichiers de Concert", Lewis et Pallett, 1997, l'Omnibus appuie, ISBN 0.7119.5307.4
* Jethro Tull a refusé d'exécuter; varient là les comptes des raisons de cette décision. Une revendication consiste en ce qu'ils ont pensé que ce ne serait pas une grande affaire [la citation nécessaire]; on annonce qu'Ian Anderson a dit qu'il "n'a pas voulu dépenser [son] week-end dans un champ de hippies non lavés;" [4] et une autre théorie propose que la bande ait estimé que l'événement serait "une trop grande affaire" et pourrait tuer leur carrière avant qu'il n'ait commencé. [5]

* Le Blues D'humeur changeante a refusé d'exécuter, parce qu'ils ont été réservés pour un autre événement à Paris en même temps et décidés pour jouer là au lieu de Woodstock, une décision ils ont regretté plus tard. Ils ont été promus comme étant un interprète le troisième jour sur les premières affiches qui ont inscrit le site comme Wallkill.
* Tommy James et le Shondells ont décliné une invitation. Menez le chanteur Tommy James a exposé plus tard, "Nous pourrions nous venir de donner un coup de pied. Nous étions au Hawaii et mon secrétaire appelé et avons dit, ' Ouais, écouter, il y a ce fermier de porc dans le fin fond de l'Etat New York qui veut que vous jouiez dans son champ. ' C'est comment il m'a été mis. Donc nous avons passé et nous avons compris ce que nous avions manqué deux ou trois jours plus tard." [Citation nécessaire]
* On a donné à Clarence White-era Byrds une occasion de jouer, mais a refusé de faire ainsi après une mêlée pendant leur exécution au Festival de Coup sec d'Atlanta plus tôt cet été [quand ? - voir la page de conversation].
* Paul Revere et les Braqueurs ont refusé d'exécuter.
* Bob Dylan était aux négociations pour jouer, mais retiré quand son fils est tombé malade. Il était aussi malheureux du numéro de hippies accumulant à l'extérieur de sa maison près du site à l'origine projeté. [6] Il continuerait à exécuter à l'Île de Festival Wight deux semaines plus tard. Au 30 juin 2007 le concert aux Bois Bethel, le site original du festival Woodstock, Dylan a plaisanté (juste avant il a exécuté ' Tout le temps le Mirador ' - une chanson associée à Jimi Hendrix) : "il est agréable d'être de retour ici. Dernière fois que nous avons jouée ici, c'était six le matin. Et il était" un pleuvant ". Et il y avait la boue dans le champ." [7]
* Frank Zappa et les Mères de Citation d'Invention : "beaucoup de boue à Woodstock. Nous avons été invités à jouer là, nous l'avons rejeté" - FZ. Citation : "Classe du 20ème siècle," télévision de réseau américaine spéciale dans format périodique, environ 1995.
* Libre ont demandé pour d'exécuter et baissé.
* On a demandé à l'esprit d'exécuter, mais baissé et a continué un tour promotionnel.

Envergure de Médias et "New-York Times"
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Comme le seul journaliste à Woodstock pendant les 36 premières heures ou ainsi, le Mineur de Barnard Law de "New-York Times" était presque continuellement appuyé par ses rédacteurs à New York pour faire l'histoire des embouteillages immenses, moins que des conditions sanitaires, l'utilisation de drogue effrénée, le manque "du maintien de l'ordre approprié," et le fait d'être dangereux présumé de tant de rassemblement de jeunes. Le mineur se rappelle : " Chaque rédacteur de Temps principal jusqu'à et incluant le rédacteur exécutif James Reston a insisté pour que le ténor de l'histoire doive être une catastrophe sociale dans la fabrication. Il était difficile de les persuader que le manque relatif de mal sérieux et la coopération fascinante, souciant et la politesse parmi tant de personnes était le point significatif. J'ai dû recourir au refus d'écrire l'histoire à moins qu'il n'ait reflété en grande partie ma conviction sur-scène que 'la paix' et 'l'amour' étaient l'accent réel, pas les avis préconçus de rédacteurs Attachés de Manhattan. Après beaucoup de centraux téléphoniques acrimonieux, les rédacteurs ont consenti à publier l'histoire comme je l'ai vu et bien que les questions de noix-et-boulons de gros embouteillage et lawbreaking mineur aient été mises près de l'avance des histoires, on a permis à la saveur réelle de la réunion de faire comprendre. Après que l'histoire de Temps du premier jour a apparu à la Page 1, l'événement a été largement reconnu pour l'accident étonnant et bel il était. "
l'incident d'Abbie Hoffman

Abbie Hoffman a interrompu Le qui est l'exécution pendant 1969 Woodstock pour essayer un discours de protestation contre l'emprisonnement de John Sinclair de la Partie de Panthère Blanche. Il a saisi un microphone et a hurlé, "je pense que c'est une pile de merde! Tandis que John Sinclair pourrit dans la prison..." Le qui est le guitariste, Pete Townshend, couper Hoffman d'au milieu de la phrase, l'énonciation, "Foutent Allez vous faire foutre ! le camp mon étape foutue!" Il a alors frappé Hoffman avec sa guitare, envoyant l'intrus dégringolant dans les coulisses, à l'approbation hurlante de la foule. Townshend a dit plus tard qu'il a en réalité été d'accord avec Hoffman sur l'emprisonnement de Sinclair, quoiqu'il ait fait le point qu'il l'aurait frappé dans les coulisses indépendamment de son message.

Selon Hoffman, dans son autobiographie, l'incident fini comme cela : "si vous avez jamais entendu parler de moi dans le rapport avec le festival ce n'était pas pour jouer le Rossignol de la Florence aux hippies. Ce que vous avez entendu était la chose suivante : ' oh, lui, ouais, il n'a pas saisi le microphone, essaye de faire un discours quand Peter Townshend l'a forcé sur la tête avec sa guitare ? ' J'ai vu des références innombrables à l'incident, même une peinture murale de mammouth de la scène. Ce que j'ai échoué à trouver était une photo simple de l'incident. Pourquoi ? Parce que ce n'est pas vraiment arrivé."
“ J'ai saisi le microphone ça va et ai fait un petit discours de John Sinclair, qui avait juste été condamné à dix ans dans la Prison d'État de Michigan pour donner deux joints d'herbe à deux flics secrets et comment nous devrions prendre la force nous avions à Woodstock à la maison pour libérer nos frères et soeurs dans la prison. Quelque chose comme ça. Townshend, qui avait réglé en haut, avaient tourné autour et étaient rentré dans moi. Un non-incident vraiment. Des centaines de photos et les milles de film existent dépeignant les événements sur cette étape, mais aucun de cela n'a très parlé de la scène. ”

On peut entendre une quinze deuxième phrase toute faite de l'incident sur Le qui la compilation coucher ayant droit à Trente Ans de Maximum R*B (le Disque 2). Le documentaire Woodstock dépeint aussi cet événement.
le film

Woodstock (film)

Un film documentaire, Woodstock, adressé par Michel Wadleigh et édité par Thelma Schoonmaker et Martin Scorsese, a été sorti en 1970. Il a reçu l'Oscar pour la Fonction Documentaire. On a considéré le film culturellement significatif par les Etats-Unis la Bibliothèque de Congrès. En 1994, la coupe "du directeur" a été sortie; il a inclus le fonctionnement par l'Avion Jefferson et Janis Joplin, qui n'était pas dans la version originale du film.

Ecole de Musique

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:55:13 GMT

Une école d'université de musique ou le conservatoire de musique, ou le conservatoire ou le conservatoire (l'anglais britannique) - aussi connu comme un conservatoire (l'anglais américain) ou un conservatorium (l'anglais australien) - est une institution d'enseignement supérieur consacrée à l'enseignement de l'art de musique, y compris le jeu d'instruments de musique, la composition musicale, le sens de la musique, l'histoire de musique et la théorie de musique.

Les conservatoires de musique et les écoles d'université de musique sont des institutions de niveau tertiaires et ils peuvent ou être indépendants ou la partie d'une université. Beaucoup d'écoles de musique sont provenues comme des centres de formation professionnelle pour des musiciens professionnels potentiels, souvent à l'extérieur de la structure universitaire principale. Ces institutions ont conservé un accent sur l'exécution dans le 21e siècle, en aussi adoptant une approche universitaire plus formelle. D'autre part il y a des départements de musique d'université, qui ont à l'origine placé plus d'accent sur l'étude universitaire de musique, mais placer souvent l'accent plus grand sur l'exécution maintenant qu'ils ont fait dans le passé. Les deux groupes se chevauchent plus qu'ils ont utilisé à, avec l'équilibre spécifique de formation professionnelle et l'étude universitaire variant d'une institution à un autre.

Collège et les écoles d'université de musique

Histoire
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Les diplômés de Conservatoire Saint Rimsky-Korsakov de Pétersbourg incluent Peter Ilyich Tchaikovsky, Sergey Prokofiev, Dmitri Shostakovich et George Balanchine.
Les diplômés de Conservatoire Saint Rimsky-Korsakov de Pétersbourg incluent Peter Ilyich Tchaikovsky, Sergey Prokofiev, Dmitri Shostakovich et George Balanchine.

Au 8ème siècle, le Jardin de Poire Royal a été fondé par l'Empereur Xuanzong dans le but d'apprendre à l'Opéra chinois.

Institutions Contemporaines

Quelques institutions ont le statut d'université tandis que d'autres ont le statut d'université professionnel. Les écoles d'université de musique accordent des degrés professionnels. Le temps exigé pour achever des degrés de musique n'est pas généralement beaucoup différent de degrés dans d'autres champs, c'est-à-dire 3-4 ans pour un Bachelier de degré de Musique, 2 ans pour un Maître de degré de Musique et 3 ans pour un Docteur d'Arts Musicaux ou le Docteur de Degré de Musique. Un Ph. D le degré est d'habitude gagné pour des secteurs comme la musicologie, la composition de musique, ou l'éducation de musique. Quelques écoles offrent aussi un degré non-universitaire qui est seulement l'exécution basée, comme les ans de notre ère. Ou Diplôme d'Artiste; on peut offrir cela au niveau de diplômé et-ou l'étudiant préparant une licence. De plus, quelques écoles peuvent offrir des degrés concernant la musique amateurs comme un Diplôme de lettres dans la Musique ou un Diplôme de lettres dans l'Éducation de Musique.

L'Association nationale des Écoles de Musique (NASM), est un accreditor pour des Collèges ou les écoles d'université de musique dans les Etats-Unis d'Amérique. Ils accréditent actuellement 610 institutions d'étude plus haute.

L'Association européenne de Conservatoires (AEC) est l'association principale de Collège ou l'école d'université de musique en Europe.

Des Nouvelles américaines et le Rapport du Monde et le Changement font un classement national et international des écoles de musique. (Voir aussi le Collège et des classements d'université)
Ainsi Comment Choisis-je Qu'est-ce qui est le Meilleur Pour Mes Besoins ?

Si vous allez porter vos tambours propres et vous transporterez et les stockerez très, très soigneusement, donc les Couvertures peuvent être une bonne alternative pour vous. Ils sont légers et ne grifferont pas ou déchireront le tissu d'ameublement dans vous le véhicule. Cependant, ils offrent Peu si n'importe quelle Protection de l'impact load-in/load-out ou (des horreurs!) étant baissé. À mon avis, couvertures sont pratiques Seulement pour les gens qui sont Très Protecteurs de leurs tambours quand ils sont transportés ou stockés. Autrement, je ne leur recommande pas.

Quand dans le stockage, le soin doit être pris qu'ils ne seront pas renversés ou auront quoi que ce soit de lourd ou cela les percera placé sur eux. Souvenez-vous ils sont appelés des Couvertures, parce que c'est tout ce qu'ils sont - un sac doux.

Si vous jouez tas d'un-nighters et transportez votre mécanisme derrière un camion ou dans une caravane, etc alors vous avez très probablement besoin de cas modelés pour vos tambours. Ceux-ci sont, après tout, des Cas et comme tel ils offrent un beaucoup meilleur niveau de protection. Des cas modernes sont conçus pour absorber un peu d'impact de traitement de load-in/load-out, aussi bien que, les heurts et les vibrations (et charger parfois des changements) expérimenté dans le transit. L'alignement de mousse (ou les cas avec "l'absorption d'impact" des conceptions) offre un niveau amélioré de protection et je crois qu'il vaut bien le coût particulièrement si vous avez un kit avec une fin douanière chère.

Rappelez-vous que quelques supports et parenthèses exigent l'espace supplémentaire quand vous achetez ces sortes de cas. Si possible, il est préférable de prendre en réalité vos tambours dans un magasin de tambour et voir que les styles de cas adaptent les composants de votre kit le mieux. Une autre chose fraîche, qui peut faire appel à quelques batteurs, est ces cas modelés sont maintenant disponible dans un choix de couleurs.

Si vous voyagez avec un acte principal de route alors vous savez déjà de la nécessité de cas ATA si vous voulez toujours avoir un kit intact à la fin d'un tour.

Dans Résumé
Si vous vous souciez de vos tambours, donc il est sage de choisir le niveau approprié de protection vous aurez besoin en les transportant. Je ne peux pas cet souligner assez. La charge-ins et la charge-outs sont souvent les temps où les heurts, des coups et utt-oohs arrivent. Et l'équipement empilé derrière un camion ou une caravane va certainement avoir besoin de la protection adéquate des infortunes de transit inévitables.

J'ai vu des batteurs près des larmes, parce qu'ils ont transporté leur belle batterie sans cas et quelque part dans le transit un morceau de changement lâche frappant gouging griffant le matériel a endommagé quelques tambours. Il n'y a rien qui m'attriste autant que l'observation ce qui était une fois qu'une belle batterie a absolument saccagé parce que le propriétaire ne l'a pas "aimé assez" s'en occuper. Mais, hé, c'est juste mon propre très influencé "l'amour de tambour" l'avis.
Instruments et sujets

La plupart des collèges de musique célèbres du monde et les conservatoires se concentrent sur la musique Occidentale d'art (la musique classique). Cependant, dans des pays non-européens et non-américains, des conservatoires particulièrement asiatiques, on peut offrir des instruments traditionnels comme une étude principale. Un exemple est le Conservatoire de Shanghai à Shanghai, la Chine et d'autres conservatoires chinois, où on apprend des instruments traditionnels chinois.

De certaines écoles ou des conservatoires peuvent être la musique exclusivement concentrée, comme la Nouvelle Angleterre le Conservatoire de Musique. D'autres peuvent avoir un ou plusieurs autres centres comme le Conservatoire de Boston qui instruit dans la musique, le théâtre, la danse et l'éducation de musique.

Universitaires

Plus de 1,600 étudiants qui étudient à l'avantage Scolaire Jacobs de l'intensité et du centre d'un conservatoire combiné avec les larges offres universitaires d'une université principale. L'essence d'une grande école de musique est sa faculté et plus de 150 membres de faculté à plein temps dans la résidence à l'École Jacobs incluent des interprètes, des savants et les enseignants de renommé internationale. De plus, beaucoup de musiciens supérieurs et savants viennent à l'école chaque année pour donner des classes de maître et des cours d'invité ou servir de directeurs artistiques visitants, des conducteurs et la faculté.

La largeur et le numéro d'occasions d'exécution sont inégalés dans l'étude de musique de collège, avec l'école offrant plus de 1,100 fonctionnement par an, y compris huit opéras entièrement organisés. Les équipements de l'école, y compris cinq constructions placées dans le coeur de l'IU Bloomington le campus, comprenez des halls de récit remarquables, plus de 170 pièces de pratique, des pièces de répétition chorales et instrumentales et plus de 100 bureaux et des studios. La facilité la plus grande est le Centre d'Arts Musical, qui montre les capacités techniques qui sont parmi le mieux dans la nation.

IU Jacobs l'École de diplômés de Musique incluent certains des interprètes les plus couronnés de succès du monde, des conducteurs, des compositeurs, des éducateurs de musique, des savants et les managers d'organisations d'arts.
Quelques personnes utilisent l'étape de hanche de terme pour attribuer à la plupart d'étape de hanche de 1979 (quand le premier rapport d'étape de hanche de la Bande de Lard, le Roi Tim III, est sorti) à peu près 84, quand de nouveaux rappeurs comme LL J Frais et Dirigé DMC aussi bien que les Garçons Beastie développaient leurs nouveaux styles. Certains voient Dirigé DMCs Embobinent MCs comme le premier nouveau rapport scolaire, parce qu'il n'a plus compté sur de la musique enregistrée dans le studio par des musiciens vivants. D'autres voient la vieille tape scolaire comme l'engendrement d'une période de 1979 à peu près 1990. Stilistically, tant la tape de 1979-1985 que la tape de 1979-1990 est très hétérogène, couvrant des styles différents comme la tape électronique au funk electro la qui a commencé en 1982, la tape la plus première enregistrée par des musiciens vivants dans le studio qui n'a pas contenu de coups synthétiques et griffant Sugarhill l'Équipe des Trois Déloyaux.

Quand l'école de musique rouvre le 18 septembre pendant la nouvelle année scolaire, les étudiants accueilleront un nouveau visage en personnel, M. Eric Bliss, qui joindra le Département d'Études de piano Et Corde. M. Bliss tient des Bacheliers dans la Musique de San Francisco le Conservatoire où ses études principales étaient le violoncelle et le piano. On s'attend à M. Bliss, être de grande aide dans ce qui est le secteur de croissance numéro un de l'École - des études de corde. Plus de quatre-vingt-dix étudiants sont maintenant inscrits dans les Programmes de Corde d'Écoles primaires et secondaires, avec plus d'écoles primaires s'est attendu venir à bord cette année scolaire. Joignant aussi le personnel comme un membre à plein temps est M. Ryan Finn, autrefois un enseignant de musique au Collège d'enseignement général Entrepot et au professeur privé à temps partiel de cuivre à l'École de Musique. M. Finn remplace M. James Nowickas, l'ancien professeur privé de vent de l'École.

La recherche de musique continue à confirmer ce que plusieurs ont longtemps soupçonné : une des raisons que nous aimons la musique est tellement parce que c'est bon pour notre santé. Prenez, par exemple, la recherche récente au Conservatoire de musique Berklee à Boston avec des patients souffrant de la maladie d'Alzheimer. Selon Suzanne Hanser, la Chaise de Thérapie de Musique, les patients de l'Alzheimer répondent souvent à de la musique quand ils ne répondent à rien d'autre. La recherche suggère que l'écoute et l'exécution de la musique aient une influence très positive en route les travaux cérébraux. Des découvertes semblables sortant du travail comme la Fabrication de Musique et le Projet de Fait d'être bien indiquent que la participation active dans la musique faisant des activités - dans le cas de ce projet avec des classes de clavier de groupe de prise d'étudiants plus vieilles - l'inquiétude diminuée et des niveaux de dépression, qui ont à son tour aidé à améliorer l'exécution cognitive, la direction augmentée, le processus décisionnel et les sentiments généraux de bien-être. Non convaincu ? Demandez juste à un musicien comment ils se sentent.

Sont les vieux instruments d'une valeur ? La réponse simple à cela dépend sur qui les a faits et comment bien ils ont été faits et ont été souciés de. La plupart des instruments se détériorent, particulièrement dans notre climat et doivent être très bien entretenus pour conserver n'importe quelle valeur : ils apprécient rarement . C'est-à-dire bien sûr, à moins qu'ils n'aient été faits par la famille d'Antonio Stradivari (1644-1737). Un de ces violons, a fait en 1707 et connu comme “le Marteau”, a été récemment vendu aux enchères au Christiania International à New York pour la quantité record de million EC$9.5. À cette sorte de prix de tels instruments sont rarement achetés par des musiciens, mais au moins les banques, des géants d'entreprise et les collectionneurs qui les acquièrent vraiment comme les investissements laissent souvent des musiciens célèbres les jouer pour des concerts. Qui sait - peut-être il est temps de creuser du grand-père de salle de derrière le vieux violon et demander à l'École de Musique de le vérifier ? Nous serions seulement trop heureux pour obliger!

Observez cet espace pour les détails du Festival de Musique national, “Sont Envoyé Lisi” ayant lieu pour la première fois ce novembre. Le Festival, une collaboration entre CDF, HMS, LE CACHET et la st. École de Lucia de Musique, montrera six événements principaux aux rendez-vous divers autour de l'île : deux nuits de bande, un concert pour petits côtés pan, un concert pour musique traditionnelle, une nuit pour instrumentalistes de solo et une nuit pour voix de solo et choeurs. Le festival culminera avec une cérémonie de récompenses le Jour de st. Cecilia, le 22 novembre. Le Festival aspire à lever les standards de chant, le jeu, l'arrangement et la composition, par le fonctionnement jugé et des ateliers de formation.

Résultats de Musique CXC Impressionnants

La st. École de Lucia de Musique continue à enregistrer le grand nombre CXC impressionnant. Des résultats de cette année étaient une de l'École la meilleure jamais. Sept candidats sont entrés à la musique CXC par l'École de Musique. Tous les sept ont passé avec cinq buts 1’s et deux buts 2’s. Trois des cinq étaient des distinctions. Nos félicitations aux étudiants et aux professeurs privés pratiques de l'École et professeurs privés CXC, Mme. Deanna Clarke (Castries Centre) et Mme. Priscilla Lucien (Vieux Centre de Fort). Quoique les numéros soient petits, nous croyons que des étudiants CXC remarquables sont destinés pour être des leaders musicaux de demain.

Étudiants de Musique d'et De

Cet été les vacances ont vu un certain nombre d'étudiants d'École de Musique d'et de. Grâce à l'aide du Consul général Cassius Elias honnête, un groupe de cinq violonistes a été invité à suivre l'atelier d'une semaine en Martinique comme la partie du Fort du Festival de la France. Ils ont été étonnés trouver seulement trois autres participants de la Martinique, mais ont annoncé qu'ils ont appris beaucoup de l'enseignant de violon Parisien remarquable et ont été très bien traités. Ils attendent avec impatience plus loin de telles occasions. Un deuxième groupe d'étudiants a aussi dépensé le temps outre-mer, dépensant une semaine au Centre de Musique de Vallée de Volée dans le Leicester, le ROYAUME-UNI, comme la partie d'un programme en cours de change avec le Centre de Vallée de Volée. Ce groupe a compris deux violoncellistes, un violoniste et un trompettiste, chaperonné par deux professeurs privés de personnel. La Semaine de Vallée de Volée était intensive avec de nombreux concerts, des visites scolaires et des voyages aux sites culturels. Le groupe est resté avec des familles et a fait quelques nouveaux amis et a estimé que ce voyage était aussi le plus valable. La visite de Vallée de Volée a été patronnée par l'École, avec l'aide du Ministère de l'Education nationale, la Base de Développement Culturelle et Jeffrey et Jeffrey Insurance l'Agence.

Musique Peut Help Children Lu

“Les questions de Musique” aspirent à vous tenir au courant de découvertes de recherche récentes sur la valeur d'une éducation musicale. Dernière fois cette colonne a regardé les liaisons fortes entre la musique et le fait d'être bien. Aujourd'hui, laissez-nous noter la recherche à l'Université de Stanford dans le développement de langue et la musique. Les résultats de cette étude particulière suggèrent que les gens qui apprennent à jouer des instruments de musique comme la langue parlée de processus d'enfants plus rapidement et plus exactement comme des adultes que leurs contreparties non-musicales. L'étude a constaté que la formation musicale aide le cerveau à se différencier entre rapidement le changement de sons, que les chercheurs croient est une capacité clef à la compréhension et l'utilisation de la langue efficacement. Selon le Professeur de psychologie John Gabrieli, ce qui est nouveau de ces découvertes de recherche est qu'il y a un aspect spécifique de langue qui est changée des avis et de l'intelligence des gens avec la formation musicale. Pour la méthodologie de recherche, les scanographies du cerveau ont été utilisées pour mesurer et comparer l'activité cérébrale entre un groupe de musiciens adultes et un groupe de non-musiciens. Les feuilletages ont montré, comme pourrait s'attendre, à ce que l'activité cérébrale des musiciens ait été plus concentrée et efficace dans la distinction entre des lancements dans un enchaînement rapide. Mais une fois demandé rapidement se différencier entre des syllabes de mot semblables, les musiciens ont aussi fait ainsi avec loin plus d'exactitude et vitesse que ceux sans formation musicale. Le professeur Gabrieli croit que la formation tôt musicale peut bien aider des enfants à devenir de meilleurs lecteurs, tant de pauvres lecteurs ont des difficultés à faire des distinctions auditives.

Dance Musique

dmx4ever — Wed, 27 Aug 2008 00:54:46 GMT

La musique de danse est de la musique composée spécifiquement pour faciliter ou accompagner la danse. Il peut être morceau musical entier ou une partie d'une plus grande entente musicale.

Genres

Les travaux de musique de danse portent souvent le nom de la danse correspondante, valse par exemple, le tango, le boléro, le cancan, des menuets, salsa, les sortes diverses de gabarits et la panne. D'autres formes de danse incluent contradance, le merengue (la République dominicaine), le cha-cha-cha-cha et Soca (le Trinidad et le Tobago) Souvent il est difficile de savoir si le nom de la musique est venu d'abord ou le nom de la danse.

Musique de Danse folklorique

La musique de danse inclut une variété énorme de musique, y compris la musique de danse traditionnelle comme la musique traditionnelle irlandaise, des valses, le rock 'n' roll, la musique country et des tangos. Un exemple de musique de danse traditionnelle aux Etats-Unis est la musique du temps jadis jouée aux danses de contra et des quadrilles. Un groupe est l'Antiquité (le duo).

Musique de danse Historique

Tandis que la combinaison de danse et la musique est très antique (des vases grecs par exemple Antiques montrent parfois aux danseurs accompagnés par des musiciens) la musique de danse Occidentale la plus première que nous pouvons toujours jouer avec un degré de certitude sont les danses médiévales survivantes comme chante et l'Estampie. Le plus premier de ces danses de survie sont presque aussi vieux que la notation de musique à base de personnel Occidentale.

Dans la période Baroque, les styles de danse principaux étaient des danses de cour nobles (voir la danse Baroque). Les exemples de danses incluent courante français, sarabande, le menuet et gigue. Les collections de danses étaient souvent rassemblées ensemble comme des suites de danse.

Dans l'ère de musique Classique, le menuet était fréquemment utilisé comme un troisième mouvement dans des travaux non-vocaux à quatre mouvements comme des sonates, des quatuors d'instruments à cordes et des symphonies, bien que dans ce contexte il n'accompagnerait pas de danse. La valse a aussi surgi plus tard dans l'ère Classique, comme le menuet développé dans le scherzo (littéralement, "la plaisanterie"; un menuet plus rapidement arpenté).

Tous les deux sont restés la partie de la période de musique Romantique, qui a aussi vu la hausse de divers d'autres formes de danse nationalistes comme le barcarolle, mazurka et polonaise. Aussi dans l'ère de musique Romantique, la croissance et le développement de ballet ont prolongé la composition de musique de danse à une nouvelle hauteur. Fréquemment la musique de danse était une partie d'Opéra.

Auparavant techno, la maison et la musique electronica sont sortis; les gens ont dansé aux versions précédentes des genres actuels qui sont maintenant moins de danceable pour la musique plus récente. En arrière quand le rock 'n' roll était un nouveau genre (environ les années 1950); les gens avaient des moments difficiles y dansant comme c'était plus levé que beaucoup de chansons à base de ballade jusqu'à que cela les gens lentement dansés à. Ironiquement le Rock 'n' roll est devenu le genre de danse omniprésent dans les années 1960 et que la danse lente est rapidement devenue désuète. Mais alors, Rock 'n' roll développé dans moins de genre danceable dans décennies suivantes; mais la Nouvelle Vague des années 1980 était une exception principale à son modèle dans la baisse danceability.

Pendant la période mentionnée ci-dessus avant rock 'n' roll; des dancings des bandes vivantes utilisées pour orchestrer la musique que les gens dansés à ; cependant, la hausse de Discothèques et des places où les DISC-JOCKEYS ont joué la musique enregistrée a rapidement déplacé des bandes vivantes bien que quelques cas de danses de bande vivantes aient continué sur. Un exemple notable de danses de bande vivantes dans la culture pop inclut en arrière à l'Avenir qui a lieu en années 50 où le concept a été sur le point être déplacé; cependant, il a été utilisé dans des Mains Inoccupées où cela devient une présence notable en jour moderne où les gens dansent pour vivre la musique de punk qui est un choix relativement rare de musique dansante.
Il y a beaucoup d'avantages pour la musique digitale, mais il peut être embrouillant comme vous essayez de déterminer quel format, le taux de particule et la taille de fichier sont les meilleurs convenus pour n'importe quelle solution de matériel donnée. Si vous aimez l'idée d'avoir l'accès à la meilleure musique digitale, mais vous vous sentez intimidés par le conflux de logiciel, le matériel, des particules et le code, peut-être ce glossaire simple vous aidera à naviguer vers la meilleure musique disponible.

• l'Art d'Album - une image qui montre l'original de couverture physique à l'album, qui peut être fait un double en forme digitale sur un dispositif d'écoute.
• le taux de Particule - la quantité de données utilisées dans une période donnée de temps pour représenter des ondes sonores. Cette valeur prendra généralement la forme de kilobits par seconde (le Ko/s).
• Brûlant - Nomment pour écrire des données à un CD ou DVD.
• le CD Enregistrable (CDR) - un disque compact sur lequel les données ou audio peuvent être écrites une fois. Le CD audio peut être enregistré et joué dans la voiture, à la maison et d'autres lecteurs de CD standard.
• le Codec - Court pour "la compression/décompression", consistant généralement d'un certain algorithme mathématique a eu l'habitude de tant comprimer et stocker le CD audio, aussi bien que la lecture aux fichiers audio comprimés.
• Décodant - se réfère Généralement au processus arrivant dans les coulisses par un joueur audio (comme un iPod), permettant au fichier digital d'être converti dans le son que vous pouvez entendre.
• le Codage - le processus de convertir un format non comprimé en un de plusieurs a comprimé des formats digitaux.
• Kilo-octets par Seconde (Ko/s) - une unité de mesure généralement utilisée en discutant taux de particule. Un 128kbps le fichier contient 128,000 particules de données pendant chaque seconde de contenu étant stocké. Les formats Non comprimés utilisent approximativement 1411 Ko/s, tandis qu'un format comprimé utilise généralement seulement 128-192kbps.
• Metadata - Information sur un CD particulier, consistant généralement d'artiste, album et information de trace. L'information d'album inclut d'habitude l'année l'album a été sorti, son genre (le jazz, la roche, etc) et probablement l'art d'album.
• MP3 - MPEG Couche III, de beaucoup le format audio digital le plus généralement utilisé, comprimé. Le processus de compression aboutit aux fichiers qui peuvent facilement être transmis sur l'Internet, écrits à CD/DVD, ou stockés sur des dispositifs portatifs.
• la Normalisation - un processus qui ajuste un certain nombre de fichiers audio tel qu'ils semblent jouer à approximativement le même volume.
Électronique

musique de danse électronique

La musique de danse électronique est un style de musique populaire généralement jouée dans des boîtes de nuit de musique de danse, des stations d'émission, des expositions et des délires. Le terme "la musique de danse" est d'habitude utilisé pour les formes plus commerciales de musique électronique. Cependant, tant la musique de danse que la musique de danse électronique sont faits électroniquement pour la danse. Les styles incluent Eurobattent, la maison, l'Eurodanse, la jungle, la maison de hanche, la trance, techno, le funk, le garage et plusieurs d'autres. Associé à la musique de danse sont les formes d'habitude commerciales qui ne peuvent pas facilement être classées, par exemple "le Pouvoir" par la Poigne! Et "Allant Vous font Suer (Chacun Danse Maintenant)" par l'Usine de Musique C+C. Ces traces sont caractérisées en mélangeant l'étape de hanche et la musique de danse. Le choeur provient d'habitude de la musique de disco, la musique lui-même consiste principalement en coups d'étape de hanche danceable.

La musique de danse électronique a éprouvé un boom après la prolifération d'ordinateurs individuels dans les années 1980, beaucoup de genres de musique qui se sont servis d'instruments électroniques développés dans des styles contemporains principalement en raison du protocole de MIDI, qui a permis aux ordinateurs, des synthétiseurs, des cartes son, des échantillonneurs et des boîtes à rythme de se contrôler et réaliser la pleine synchronisation de sons. La musique de danse électronique est typiquement composée utilisant des ordinateurs et des synthétiseurs et a rarement n'importe quels instruments physiques. Au lieu de cela, c'est remplacé par des sons digitaux ou électroniques, avec un 4/4 battent. La musique de danse s'étend typiquement de 120bpm, jusqu'à 200bpm, avec techno, la trance et la maison étant la plus répandue. Beaucoup de producteurs de cette sorte de musique cependant, comme Darren Tate et MJ Cole, ont été formés dans la musique classique avant qu'ils ne se soient déplacés dans le moyen électronique.

La musique de danse est de la musique qui est faite pour être dansé à. Dans un sens plus large, une énorme quantité de musique ressemble à la musique de danse, même s'il n'est pas composé pour la danse. L'histoire de musique de danse est semblable à l'histoire de danse aussi bien que à l'histoire de musique.

La musique de danse était probablement la première sorte de musique il y avait. Il y a des milliers d'années des gens doivent avoir découvert la joie de faire des bruits en battant des bâtons dans le rythme. Ils ont probablement dansé comme ils l'ont fait.

Nous savons que les Grecs Antiques ont dansé à la musique, bien que nous ne sachions pas beaucoup de ce que cette musique a ressemblé.

Dans les Âges sombres (avant que le Moyen âge) la danse ne soit très populaire. L'Église Chrétienne a pensé que la danse était mauvaise parce qu'il était toujours lié avec le diable. C'est pourquoi les gens d'église ont pensé que les instruments de musique étaient mauvais, parce que les instruments ont été utilisés pour la danse.

La musique de danse Occidentale la plus première que nous savons est certaines des danses médiévales comme chante et l'Estampie. Les compositeurs ont commencé à noter leur musique sur des barres de musique. La musique de danse devait avoir un habitué battent pour que les danseurs puissent danser à temps. C'est pourquoi barlines a été inventé. La musique a été divisée dans des barres avec un numéro particulier de coups dans chaque barre. Cela différait de la musique d'église qui était basée sur plainchant qui était très libre dans la voie qu'il a été chantée.

Dans la période Baroque beaucoup de compositeurs ont commencé à écrire les pièces de musique qui étaient basées sur des rythmes de danse. Les compositeurs comme Johann Sebastian Bach ont écrit les suites qui étaient les collections de mouvements de danse. Les danses les plus populaires dans une suite étaient : allemande, courante, sarabande, menuet et gigue. Même en écrivant des mouvements de danse, beaucoup de musique Baroque est basée sur des rythmes de danse, par exemple : le grand choeur d'ouverture de st. Matthieu Passion de Bach est basé sur le rythme d'un sicilienne.

Dans les compositeurs de période de musique Classiques a écrit beaucoup de symphonies et des quatuors d'instruments à cordes. Ils avaient quatre mouvements. Le tiers était normalement un menuet, bien que ce ne soit pas pour danser à. Les compositeurs comme Mozart et Schubert ont aussi écrit beaucoup de musique qui était pour la danse ou l'écoute facile. C'était la musique populaire de son temps.

Dans l'ère Romantique la valse est devenue populaire. Beaucoup de valses ont été écrites pour être dansé à, mais d'autres compositeurs ont simplement écrit de la musique (particulièrement la musique de piano) appelé "la valse". Chopin a écrit des pièces de piano appelées après plusieurs sortes de danse : valse, polonaise, mazurka etc. Le ballet était devenu très populaire. Il y avait la plupart de musique de danse dans des opéras, particulièrement dans des opéras français.

Au 20ème siècle "la musique de danse" était souvent pensé à comme la signification : musique jouée par orchestres. Cette sorte de musique développée dans rock 'n' roll dans les années 1960. De nos jours il y a une large variété de musique de danse populaire, y compris l'étape de hanche. Des danses américaines espagnoles ou latines comme la samba, le tango et cha cha cha sont populaires dans le monde entier.